¿Qué es la fotografía conceptual?
La fotografía es básicamente una mezcla de ciencia aplicada, imaginación y diseño, habilidades profesionales y habilidades organizativas. Por lo tanto, la forma correcta de aprender técnicas fotográficas debe comenzar con una comprensión integral de todo el proceso de formación de la fotografía, en lugar de centrarse prematuramente en los detalles técnicos. Esto incluye dos aspectos, por un lado, la comprensión del equipo fotográfico y del proceso fotográfico en sí, y por otro, la comprensión de los diversos métodos visuales que constituyen la imagen del objeto de manera objetiva, verdadera y precisa; así como la autoexpresión de la obra y la comprensión interpretativa abierta. ¿Por qué tomar fotografías? ¿Qué incluye realmente la fotografía? En comparación con otros métodos de composición de imágenes o métodos de expresión de información e ideas, ¿qué papel pueden desempeñar las fotografías? ¿Qué métodos se pueden utilizar para juzgar la calidad de las obras fotográficas? profundizar en el contenido.
Aspectos de la fotografía
Para muchas personas, uno de los aspectos más atractivos de la fotografía es el misterio del propio equipo fotográfico. Toda la artesanía y la tecnología modernas de alta precisión condensadas en los equipos fotográficos están diseñadas para adaptarse a las manos y los ojos humanos: presionar los botones de la cámara uno por uno, el sonido de "clic" que se produce cuando las piezas de precisión están en su lugar y el transporte "completamente armado". El equipo fotográfico marca la diferencia. El equipo es clave y el conocimiento detallado sobre él es interesante e importante, pero tomar fotografías es más que simplemente jugar con una cámara. Otro aspecto atractivo de la fotografía es el proceso real: la emoción de dominar una variedad de problemas fotográficos complejos y las recompensas de desarrollar la experiencia técnica y la imagen final producida. Uno puede identificar y apreciar el resultado por su "calidad" fotográfica inherente, como detalles magníficos, tonos ricos y colores ricos. Este proceso proporciona al fotógrafo un medio para "captar lo que ve", componiendo una imagen de su entorno sin el laborioso proceso de dibujar. La cámara es una máquina del tiempo que puede condensar cualquier personaje, escena o entorno seleccionado, pareciendo darle al usuario una especie de poder y voluntad.
Además, otro aspecto atractivo de la fotografía es el disfrute que aporta la composición visual de la fotografía, es decir, independientemente del contenido real del sujeto, mediante la construcción de la imagen, como la geometría de las líneas. y contornos. Obtenga verdadera satisfacción con el uso de formas, equilibrio de tonos, corte y diseño de escenas. Incluso puedes cambiar rápidamente el punto de vista o seleccionar adecuadamente diferentes momentos de captura para disfrutar más.
Quizás, principalmente porque la fotografía es una forma rápida, conveniente y verdadera de registrar cosas, la gente se siente atraída por ella y luego se dedica a la fotografía (una de las razones). Sin embargo, el aspecto más importante de la fotografía es el sujeto en sí, y lo que el fotógrafo quiere representar objetivamente en ese momento, o lo que se va a reproducir. La fotografía es a la vez evidencia y prueba, un diagrama de un evento tal como sucedió, y la cámara es un registro visual.
Por el contrario, la fotografía suele ser utilizada por las personas para manipular o explicar la realidad, por lo que las fotografías suelen resaltar ciertas "motivaciones" o actitudes del fotógrafo. El fotógrafo puede organizar la escena (como en la fotografía publicitaria) o reflejar selectivamente ciertos aspectos del evento en la fotografía, dejando otros aspectos indiferentes (como los reportajes de fotoperiodismo con sesgo político). Por tanto, se puede decir que la fotografía es un poderoso medio de persuasión y propaganda. La fotografía siempre parece real y, bajo control humano, puede expresar cualquier deseo que elija el fotógrafo.
Otra razón por la que los fotógrafos se dedican a la fotografía (la segunda razón) es dominar un método de autoexpresión. El tema real puede no ser más importante que el método de presentación. Parece extraño que la fotografía pueda expresarse en términos de cosas que son realmente objetivas, como el uso de metáforas y técnicas de fantasía para describir sueños, pero las cosas que se usan para expresar no están directamente relacionadas con el tema. Pero es probable que el espectador interprete algo más de la imagen que ve, como llamas parpadeantes, sombras o pintura descascarada. Algunos artistas expresionistas utilizan este método para expresar objetos ordinarios como obras de arte conscientes. Crean un tipo de belleza "similar a una pintura" reduciendo los detalles y simplificando los tonos.
Las anteriores son sólo algunas de las diversas actividades e intereses que se incluyen bajo el término "fotografía". Están a la par entre sí y es difícil distinguir entre ellos. Algunos de ellos se integrarán en las obras de un determinado fotógrafo y otros se integrarán en el campo de la fotografía profesional de Ren Su.
El placer que los fotógrafos obtienen al crear fotografías probablemente se base principalmente en la tecnología, el arte o la comunicación, y un interés inicial en un campo puede convertirse fácilmente en un pasatiempo en otro campo. Como principiante, es beneficioso mantener una actitud estudiosa y de mente abierta. Debe intentar aprender todos estos aspectos de la fotografía y enriquecerse con un "curso básico" integral. El método más preferible es aprender mediante la práctica en lugar de confiar. únicamente en el estudio teórico.
Principios de la fotografía
No importa cuál sea el objetivo final del fotógrafo, éste debe poder utilizar las técnicas fotográficas libremente. Por supuesto, aún puedes tomar buenas fotografías sin entender la física. Sin embargo, es necesario tener al menos conocimientos técnicos suficientes en modelado, exposición, revelado e impresión. La siguiente es una descripción general de los aspectos técnicos del trabajo de Jitong.
Exposición de la imagen
La luz del sujeto se condensa a través de una lente de vidrio en una imagen enfocada (generalmente reducida). La lente está ubicada en la parte frontal de la cámara oscura o cámara, mirando hacia la película en el otro extremo. El dispositivo de bloqueo del obturador protege la película de la luz hasta el momento de exposición seleccionado. La exposición suele controlarse mediante una combinación del tiempo de apertura del obturador y el diámetro del haz que pasa a través de la lente. Este último es similar al iris del ojo humano y se basa en un dispositivo de apertura para ajustar el tamaño de la apertura. Estos dos factores de control también tienen un impacto más profundo en los efectos visuales. El tiempo de obturación cambiará el método de grabación de objetos en movimiento: la corrección o condensación de la apertura de la lente cambiará la profundidad del sujeto (profundidad de campo), que se puede revelar en un solo enfoque.
Cuando se utiliza una cámara para tomar fotografías de sujetos y componer imágenes, es necesario utilizar un visor o una pantalla de enfoque y, para medir el brillo del sujeto, también se necesita un fotómetro; Una vez que se ingresa la velocidad de la película en el medidor, el medidor se puede usar para tomar una lectura de exposición o establecer automáticamente una combinación adecuada de apertura y velocidad de obturación. Alternativamente, puede utilizar sus conocimientos y habilidades para lograr sus objetivos sin utilizar estos ajustes de exposición para lograr un efecto seleccionado o compensar las condiciones ambientales que hacen que el medidor "falle".
Procesamiento de Películas
La película correctamente expuesta se diferencia sólo en su estado atómico de la película no expuesta, es decir, la primera sufre pequeños cambios químicos que forman una imagen invisible o “imagen latente”. Durante el proceso de revelado posterior, los productos químicos de revelado deben actuar sobre la película en la oscuridad para mejorar la imagen latente y convertirla en una imagen más sustancial que persista bajo la luz normal. Todos estos productos químicos se utilizan en forma líquida y cada solución de procesamiento tiene un efecto específico en la película para la que está adaptada. Por ejemplo, en la mayoría de las películas en blanco y negro, el primer producto químico (revelador) desarrolla granos negros plateados en las zonas iluminadas. La segunda solución química (fijador) utilizada posteriormente disuelve (fija) el haluro de plata en las partes no expuestas, dejando una película transparente. Por lo tanto, el resultado después de enjuagar los subproductos químicos y secar es una película blanca y negra. >
El proceso de revelado de una película de color es similar al anterior, excepto que se utiliza una solución química más compleja durante el proceso de revelado de la película de color, el revelador incluye negro. El tinte se forma en las tres capas de emulsión. de plata, magenta y cian. Luego, la plata se blanquea y se fija, dejando una presentación de diapositivas en color que consta de sólo tres capas de tinte que son complementarias al color del sujeto. Primero, un negro. Se utiliza un revelador de película blanco y negro, y luego la película (normalmente fija) se revela en color para producir una imagen positiva en plata y se tiñe después de que toda la plata se haya decolorado y fijado, lo que queda es una diapositiva de color con una. teñir una imagen positiva.
El siguiente paso de producción es la impresión, o el método más común es la ampliación. La película de la imagen se monta en un proyector vertical llamado ampliadora, y una lente de aumento crea una imagen de casi. cualquier tamaño requerido, que se ilumina a través de un área transparente de la película sobre el papel durante la exposición. La cantidad de luz en el área es mayor que la del área más densa. La imagen latente grabada en el papel fotográfico también sufre una reacción química posterior. procesamiento
En general, estos pasos de procesamiento son los mismos que los necesarios para revelar películas. Los pasos son similares. Por ejemplo, el papel fotográfico en blanco y negro se expone a una película en blanco y negro. y luego se revela, se fija y se lava, y se muestra el "negativo de la película", que es una imagen positiva, que es una fotografía familiar en blanco y negro. Una vez expuesto el papel, se somete a una serie de pasos de procesamiento, como. desarrollo del color, blanqueo y fijación para formar el negativo de color de la película de color: la película positiva.
Además, también se pueden obtener fotografías en color a partir de diapositivas en color utilizando otros materiales y procesos de procesamiento fotosensibles.
La característica importante de la impresión (además de poder cambiar el tamaño de la imagen e imprimir varias copias) es que la imagen se puede corregir o controlar de principio a fin. Las partes insatisfactorias cerca de los bordes se pueden recortar y las áreas seleccionadas pueden tener un tono más claro o más oscuro. Para impresiones en color, se pueden utilizar filtros de ampliación con un amplio rango de trabajo para ajustar con precisión el equilibrio de color de la fotografía o crear un efecto determinado. Además, según la experiencia, algunas partes de varias películas se pueden combinar en una sola fotografía para formar una imagen parcialmente positiva, una imagen parcialmente negativa, etc.
Trabajo rutinario y decisiones creativas
Las técnicas fotográficas se pueden dividir en dos tipos.
●El primer tipo tiene un conjunto de rutinas, en las que la consistencia es la más importante. Por ejemplo, el revelado de películas o papel fotográfico requiere consistencia, especialmente para materiales fotosensibles en color. La mayoría de estas tareas especializadas las realizan actualmente máquinas.
●El segundo tipo son aquellas etapas en las que se deben tomar decisiones creativas, donde es posible una gran cantidad de elecciones y cambios. Estos incluyen organizar temas, usar iluminación y cámaras e imprimir. Como fotógrafo, debes lidiar con estos problemas y tomar decisiones, o al menos controlarlas estrictamente.
Utilizando conocimientos técnicos combinados con experiencia práctica (adquirida al tomar muchas fotografías en una variedad de situaciones), los fotógrafos pueden desarrollar gradualmente una habilidad que se convierte en su segundo instinto. Es como aprender a conducir un coche. En primer lugar, debes aprender conscientemente sobre el control mecánico del automóvil. Una vez que te familiarices con esta tecnología, te concentrarás cada vez más en el destino al que deseas llegar conduciendo.
En última instancia, la mayor parte del tiempo puede dedicarse a componer la imagen, componer la toma y capturar expresiones y movimientos que son diferentes en cada toma y que no tienen respuestas convencionales. Sin embargo, los fotógrafos deben, pase lo que pase, estar al tanto de las últimas técnicas y equipos de procesamiento y explorar las nuevas oportunidades visuales que estos equipos y técnicas pueden brindar.
Color versus blanco y negro
La primera fotografía que la mayoría de la gente toma probablemente sea en color. Intuitivamente, tomar una fotografía en color es mucho más fácil que tomar una fotografía en blanco y negro porque el resultado se parece más al objeto que ves en el visor. Eso sí, el fotógrafo debe tener en cuenta ciertas diferencias entre el aspecto del objeto y el resultado en una fotografía en color. Sin embargo, esto generalmente es más fácil que predecir en qué tono monocromático se convertirá el color de un objeto.
La fotografía perfecta en blanco y negro es mucho más interpretativa y sutil que la fotografía en color, y menos natural y realista. Es por esta razón que la fotografía en blanco y negro se ha convertido en un método de expresión artística para los fanáticos de la fotografía y, a menudo, se ve en "obras excelentes" y exhibiciones en galerías. En este punto, se puede conectar fácilmente con la fotografía en blanco y negro. Fotografía en blanco del pasado. Por otro lado, aparte de su uso en fotografía de noticias como periódicos, donde la mayoría de las imágenes reproducidas son todavía en blanco y negro, la fotografía profesional está dominada por la fotografía en color.
Los materiales fotosensibles en color y los procesos de procesamiento son inherentemente mucho más complejos que el blanco y negro. Es por eso que los procesos confiables de procesamiento de fotografías en color no se descubrieron hasta casi 100 años después de la llegada de la fotografía. Incluso hoy en día, el procesamiento del color es caro y laborioso de aplicar. Por lo tanto, antes de la década de 1970, los fotógrafos aprendían principalmente técnicas de fotografía en blanco y negro y gradualmente evolucionaban hacia la fotografía en color. Hoy en día, una gran cantidad de las complejidades químicas de la fotografía en color están estrechamente relacionadas con la película, el papel, las soluciones premezcladas y los procedimientos de procesamiento estandarizados del fabricante. Esto se debe principalmente a que la impresión en color es más exigente que la impresión en blanco y negro debido a la necesidad de. Balance de color. Realizar identificación y control externo. Por lo tanto, se puede ver que la fotografía en blanco y negro es un mejor punto de partida para el aprendizaje, al menos cuando se trata de trabajo en el cuarto oscuro.
Composición de imágenes
La composición visual de la imagen es tan importante como la calidad técnica de la composición de la imagen, y la experiencia y el conocimiento son igualmente importantes para adquirir habilidades de composición. La composición es presentar un objeto de la manera más poderosa y efectiva, independientemente de cuál sea el objeto. Este enfoque a menudo evita el desorden o la confusión entre los diversos componentes de la imagen (a menos que un estado tan caótico contribuya a la atmósfera deseada). La composición implica utilizar las líneas, los contornos y las áreas tonales de la imagen sin tener en cuenta lo que realmente son, de modo que se relacionen entre sí, como una geometría inconsciente, consulte la Figura 1.3.
En general, la composición es algo propio de la fotografía, el dibujo, la pintura y el arte. La principal diferencia es que la mayoría de las tomas panorámicas deben realizarse mientras el sujeto está quieto justo frente al fotógrafo. Debido a que la cámara se mueve tan rápido, no brinda las mismas oportunidades de disparar que dibujar con un lápiz o un pincel más tarde para completar gradualmente la imagen final.
Hay algo de verdad en la sugerencia de que las "reglas" de composición ya no están de moda. Porque el resultado de su defensa sólo será la falta de originalidad y el seguimiento ciego de las reglas. Como escribió una vez Edward Weston: "Antes de tomar una fotografía, pida consejo sobre las reglas de composición, como pedir consejo sobre las leyes de la gravedad antes de salir a caminar". Por supuesto, para aquellos que han desarrollado un buen ojo para la composición de imágenes, esto es fácil de decir. Sin embargo, si eres principiante, la orientación necesaria sigue siendo beneficiosa. Los principiantes deben practicar haciendo comparaciones críticas de composiciones exitosas con otras que no lo son, y discutir esto con otros, que pueden ser fotógrafos o no.
Cuando las condiciones lo permitan, es mejor tomar varias fotos a la vez, quizás primero con una descripción sencilla, luego con ligeros cambios en las otras fotos, y así sucesivamente, condensando y resaltando constantemente el contenido expresado o mostrado por la imagen. Al componer una imagen, el fotógrafo debe "torturar" al sujeto y nunca ceder hasta que se sienta exhausto y haya agotado todas las posibilidades visuales del sujeto. Aquí, el ojo humano es más importante que la cámara (aunque algunas cámaras son mucho menos intrusivas que otras entre el fotógrafo y el sujeto).
La composición juega un papel importante en el estilo y la creatividad de la imagen. Algunos fotógrafos (como Lee Friedlander) defendieron la composición irregular, creyendo que hacerlo ayudaría a aumentar el misterio del contenido de la imagen. Otros fotógrafos, como los famosos Arnold Newman y Henri Cartier-Bresson, adoptaron un enfoque más formal en la composición.
La composición de la fotografía es casi tan variada como la composición musical o la escritura literaria: melódica o atonal, cuidadosa o imprudente, y la composición puede resaltar el tema, el tema y el estilo. Cada fotografía que toma un fotógrafo debe contener algún tipo de decisión compositiva, incluso si no significa más que elegir la posición de la cámara y el momento en que se presiona el obturador.