¿Terminología de animación y sentido común sobre las exposiciones de animación?

1. ¿Qué es OVA?

La animación de video original, el video de animación original, es diferente de la animación que se reproduce en la televisión normal. Este tipo de animación requiere más inversión en costos y tiempo de producción que la versión televisiva de la animación, y solo se producirá. en forma de Se lanza en forma de LD y Video. "Teóricamente", la calidad de la obra de arte es mejor que la de la versión de televisión normal y la escala es más flexible que la de la animación de televisión normal. arte a ser expuesto (^^; . Sin embargo, en los últimos años, los operadores de televisión por cable de Taiwán han comprado muchas películas antiguas y las han transmitido en canales limitados, con las películas editadas y editadas de manera tan completa que el público no puede entenderlas. Yo no No sé si esto es una prueba de comprensión de la audiencia. Pone a prueba la memoria de quienes lo han visto. Por lo general, un episodio de OVA dura 25 minutos, mientras que el DVD contiene al menos dos episodios a la vez.

2. ¿Qué es una versión teatral (animación)?

Se llama animación producida para su transmisión en cines. El costo de producción, la inversión y la mano de obra de este tipo de trabajo son superiores a los de los OVA y la animación para televisión. , y la pintura es lo más lujosa posible. Se puede ver claramente la suavidad de los movimientos, el número de separaciones de color utilizadas, etc. Una animación teatral suele durar 90 minutos, pero no hay un límite determinado y la diferencia es muy. grande

Hoy en día, las animaciones televisivas más populares suelen tener versiones teatrales correspondientes, pero la versión teatral suele ser diferente de la versión televisiva original en términos de historia y personajes. Por ejemplo, "Girls' Revolution" y ". Macross" son ambos diferentes. La versión teatral sólo conserva la trama principal de la historia y los personajes originales.

3. ¿Qué es el "modelo GK"?

El texto completo de "GK " es Garage Kit, y su significado original es "componente de garaje." ”, porque los occidentales están acostumbrados a utilizar los garajes como talleres, y en este lugar nacieron los modelos GK.

Los modelos GK originales eran solo obras creado por algunos jugadores, y el detalle del modelado depende de la persona. Diferente, suele ser SOLO UNO, el único en el mundo. Los materiales (es decir, materias primas) no son ciertos. y se puede utilizar metal para fabricarlos. Por eso, los modelos que se hacen a sí mismos o se producen en pequeñas cantidades se llaman GK.

Más tarde, debido a que algunos productos terminados especiales eran muy populares, se me ocurrió la idea. De repente, dos chicos se enamoraron de uno al mismo tiempo. Después de un poco de trabajo, algunas personas comenzaron a usar su cerebro para copiar el modelo GK dándole la vuelta. Es posible que haya utilizado materiales como yeso como plantilla para copiar, pero el yeso no es duradero y puede quedar completamente irreconocible después de copiarlo una o dos veces. Hoy en día, la silicona (SILICONA) no se utiliza como material de plantilla para replicar. solo tiene una excelente elasticidad, pero también es mucho más duradero que el yeso, pero aún tiene limitaciones en el número de réplicas.

Básicamente, se llama cualquier modelo de plástico que no esté moldeado por inyección y pueda producirse en masa. GK se puede dividir aproximadamente en resina sólida, plástico blando hueco y metal blanco (bajo punto de fusión, aleación blanda de plomo y estaño). La mayoría de ellos son dibujos animados o personajes de películas. personajes de dibujos animados hechos de resina sólida (la fuente más antigua resultó ser desechos industriales).

4. ¿En qué está escrito "supervisión"? Japonés, y en inglés es Director, que es un director común en chino. El director producido por ANIME de Japón es la clave para determinar la atmósfera y el estilo de toda la obra, y está a cargo del ritmo de la historia, las transiciones atmosféricas, etc. Incluso con el mismo escenario de personajes, el mismo estilo de pintura y equipo de producción, habrá estilos completamente diferentes dependiendo del director. [El trabajo del director de animación televisiva]

Uno de los supervisores más famosos de la industria de la animación japonesa actual es Hideaki Anno, cuya obra maestra "Neon Genesis Evangelion" es conocida como una de las tres obras principales de la animación japonesa. Junto con "Gundam" y "Macross" fue igualmente famoso, y el éxito posterior de "La historia de un hombre y una mujer" solidificó aún más su condición de director de primer nivel, y ahora tiene una gran demanda.

Kunihiko Ikuhara ha supervisado la famosa "Sailor Moon" y la controvertida obra otaku "Utena". Sus obras siempre han sido hermosas y tienen varios elementos que hacen que el público entienda pero no entienda. La mayor diferencia entre él y Hideaki Anno es que sus trabajos están llenos del mal gusto personal de los supervisores, lo que hace que sus trabajos sean amados con entusiasmo por los FANS, pero también pueden causar mucha controversia. Especialmente Kunihiko Ikuhara, su "Girls Revolution Utena" a menudo es amado hasta la muerte por quienes les gusta y odiado por quienes lo odian ^^.

Mamoru Oshii ha supervisado con éxito muchas obras maestras como "Fukusei Yatsura" y "Mobile Police". También se pueden mostrar diferentes estilos en una misma serie de obras. Pueden ser ligeras y divertidas, o tristes y pesadas. Las obras son muy personales^^. Además, la versión teatral de la animación "Taken" supervisada por él es un clásico y también está bastante bien en Europa y Estados Unidos.

5. ¿Qué son el "Diseño de personajes" y el "Diseño mecánico"?

La persona responsable de diseñar la apariencia y el estilo de vestimenta del personaje se llama. El trabajo de "Escenografía del personaje" no lo es. solo para que los pintores posteriores sepan cómo es la persona a dibujar, pero también para decirles los rasgos faciales, ojos, expresiones, etc. del personaje, y también para diseñar un personaje compuesto por números para ver la cara del mismo personaje desde diferentes ángulos. Y tienen flequillos de líneas cerradas que son diferentes de los cómics comunes. El responsable del diseño de los robots, vehículos y armas que aparecen en escena es el "escenario mecánico", además de dibujar la forma de la máquina, también debe detallar posibles estructuras, modos de movimiento, aberturas, etc. estar marcado. A menos que se especifique lo contrario, los borradores de diseño son generalmente borradores de líneas limpias y sin sombreado.

Yoshiyuki Sadamoto, muy conocido por los fans nacionales por su conveniente configuración de personajes, sus obras representativas incluyen "El misterio del zafiro" (también traducido como "Veinte mil leguas de viaje submarino") y el famoso " Neón Génesis Evangelion". También están las famosas figuras maestras Mikimoto Haruhiko y Takada Akemi. Mikimoto Haruhiko es más famoso por sus diseños de personajes para "Macross" y "0080" en la serie "Gundam". Los personajes que diseñó son hermosos y humanos, con ojos particularmente encantadores. Akemi Takada puede ser llamada la maestra de la cirugía plástica de animación ^^. Ha adaptado la configuración de personajes de muchos cómics populares a animaciones, como los famosos "Orange Road" y "Mobile Police". Hermoso, pero la imagen ha mejorado mucho después de la mano de Takada Akemi, y se mantuvo la forma original del cómic, de modo que aunque los personajes son hermosos después de la animación, el público no puede reconocerlos ^^. La colección de dibujos en color que dibujó para "Orange Road" sólo puede describirse como hermosa.

Entre los famosos expertos en diseño mecánico, Kunio Okawara y Masaharu Kawamori son los primeros en recomendarlos. El primero diseñó la famosa serie "Gundam", mientras que la obra representativa del segundo es "Macross".

6. ¿"SINARIO"?

Es el escenario inglés, que significa guión. Escribe la trama de la historia en texto puro, incluidas escenas, ubicaciones, efectos de sonido de fondo, diálogos de personajes, acciones de personajes, etc.

7. ¿Guión gráfico?

El inglés es un guión de continuidad [tamaño = 0], mientras que el chino es algo llamado "guión gráfico". Este paso es el primer paso para convertir las cosas en el papel en las imágenes que se presentarán en el futuro. La persona que dibuja el guión gráfico sigue las instrucciones del guión, convierte las imágenes en imágenes en su mente y luego las dibuja. en el papel. El propósito de dibujar un guión gráfico es descomponer las acciones continuas de la animación en una unidad de 1 Corte (1 guión gráfico) y marcar el método de movimiento de la cámara, el diálogo, los efectos especiales, etc. de esta escena al lado. El tiempo más importante, el número de tomas, etc. para cada corte también se escribirán en el extremo derecho del guión gráfico.

8. ¿Qué es "Diseño"?

"Diseño" es un trabajo relativamente raro. La naturaleza del trabajo es similar a la "composición" china. Algunas obras teatrales, como Diseñar un fondo de varias capas para que cada capa se mueva a una velocidad diferente, puede crear una sensación realista de distancia y distancia. La persona que dibuja el diseño debe ser consciente de la existencia de la cámara en su mente y. Mira la hierba en la escena desde el punto de vista de la cámara, y luego dibuja estas escenas en detalle.

Este trabajo es principalmente para compensar los guiones gráficos dibujados por el director que no es bueno. dibujar, y presentar cuidadosamente las escenas simples y desordenadas como una forma de compensarlo, la base para futuras pinturas originales, animaciones, fondos, designación de colores, etc. En las obras de Oshii Mamoru, como Patlabor The Movie, Patlabor The Movie. 2, Ghost in the Shell, etc., todos son ejemplos del uso de una gran cantidad de diseños y sus características son "la pintura 2D también puede expresar con precisión efectos visuales 3D". ?

La palabra japonesa "actuación" es exclusiva del título de producción de animación japonesa. En pocas palabras, él es la persona que ayuda al director y su papel en la serie de televisión es diferente al de la serie. las versiones OVA y MOVIE.

En la serie de televisión, el director está demasiado ocupado en cada episodio, por lo que la "actuación" de cada episodio equivale al "director exclusivo". el episodio, siguiendo las intenciones del director (general) y controlando toda la producción del episodio. En OVA y Película, la "actuación" es la misma "Esta posición es más como un "asistente de dirección" (asistente de dirección), que entiende el. las intenciones del director y ayuda a manejar los detalles del trabajo escénico ("trabajo escénico" es el proceso de "transformar el texto del guión en tomas e imágenes", un poco como una película o escenario occidental La llamada "programación de escenas" en la obra). Su trabajo es bastante similar al de un supervisor. Debe ser realizado por alguien que esté muy familiarizado con el lenguaje de la animación, pero no necesariamente tiene que ser bueno dibujando (al igual que el director no necesariamente). hay que ser bueno dibujando... .) Por eso, algunas personas lo traducen como "Codirector" Otros lo traducen como "Subdirector" o "Director Ejecutivo"

(Además, lo hay). (También la palabra "protagonista" en japonés, que generalmente se refiere a "actor", solo se puede ver en películas y programas de televisión de acción real, pero no en grupos de producción de animación).

10. ¿Pintura original?

La pintura original es una combinación de las acciones de los personajes de la imagen. Las escenas iniciales y finales o pinturas fijas están dibujadas en papel en modo de dibujo lineal. También se dibujan en este paso, por lo que algunas personas lo llaman "Key-Animetor" o "Illustrator Use less

Animación (Animetor)

Dibuja cada acción en. la pintura original según el intervalo de tiempo especificado en el guión gráfico, y se dibuja cada imagen continua en el medio. Finalmente, estos dibujos lineales se fotocopian en hojas de celuloide y luego se puede realizar el proceso de coloración. Algunas personas también lo traducen como "Asistente de Animetor" e "Inbetweener".

12. ¿Cuál es el trabajo del Director de Animetion (Supervisor clave de Animetion)?

Corregir la pintura original y la animación terminada para ver si la forma de la cara del personaje coincide con la configuración y los movimientos del personaje. es suave y así sucesivamente. Debes poder volver a dibujar cuando sea necesario, por lo que debes ser un pintor y animador original experimentado para ser competente.

13. ¿Qué es la designación de color?

Se llama al trabajo de especificar colores, con diferentes nombres. A veces también se le llama “color settings”, existen Color Set, Color Styling, Color Designer, Color Coordinator, Color Key. ..

Además de especificar "la ropa debe ser roja y los pantalones negros", lo más importante es especificar las tonalidades y gradaciones necesarias a la hora de colorear el celuloide, y utilizar pintura XXX.

14. ¿Posición oficial?

El significado original en japonés es finalización y finalización. En chino significa colorear, y en inglés significa pintura y acabado. Pinte el reverso de la lámina de celuloide según el número de pintura marcado en cada bloque.

15. ¿Cuál es el trabajo de un Director de Audio?

Responsable del arreglo de bandas sonoras insertadas, preparación de efectos de sonido, grabación de doblaje, supervisión de proyectos de mezcla, etc. (Supervisor de sonido de Gin Ying Chuan y otros trabajos - Entrevista a Susumu Akita)

16 El trabajo del productor (Productor)

El trabajo del productor es principalmente planificar la producción. programa de producción, organizar el progreso diario de la producción, encontrar el grupo de producción/empresa de producción y buscar inversores externos. Al mismo tiempo, debe trabajar con el director ejecutivo de producción para garantizar que cada componente del plan se pueda elaborar a tiempo y. correctamente.

17. CV

Voz de personaje Locutor, locutor de personajes animados.

18. Versión TV

La mayoría de las obras retransmitidas en los canales de televisión tienen una duración de una hora y media semanal.

Explicación de los términos de animación japonesa.

Animación es animación. La palabra "アニメ" ahora se usa para describir esas animaciones de celdas (animación "japonesa"). Después de la década de 1970 (antes de la década de 1980, también se les llamaba "cómics de televisión" o "películas de cómics"), la mayoría de las empresas de animación japonesas adaptaron los cómics (y una pequeña cantidad de novelas) a animaciones. Muchas productoras de animación prestan atención a inyectar cultura en personajes e historias, y también corrigen el contenido de los cómics originales.

Al contrario de lo que imaginamos, la mayoría de animaciones están dirigidas a niños y adolescentes. La industria de la animación es casi un auxiliar de la industria del cómic. Hay muy pocos animes dirigidos a personas en edad universitaria, por lo que a una gran parte de los lectores de manga adultos no les importa el anime. Fue casi a finales de los años 1980 cuando la animación alcanzó la cima de su desarrollo económico. Ahora esos famosos cómics y animaciones tienen que recurrir a los videojuegos.

Mecánica (メカ/mecha)

Una amplia gama de temas, incluyendo cualquier instrumento, robot o dispositivo de máquina. Especialmente los "robots gigantes" parecen haber aparecido por primera vez en películas como "Godzilla". El diseño mecánico parece haber llevado las obras de animación a un nivel muy alto, pero no es una condición importante para el éxito de los cómics.

Gekiga

“Película de teatro”. Como su nombre lo indica, la trama del drama es simple, muy parecida a una película dramática común y corriente. Las características son personajes sencillos, narrativos sencillos, realistas y sencillos. Escritores de este tipo, como Shiraito Sanpei y Saitou Minato, serían considerados más tarde como los actores principales de las películas de Ming. Gekiga fue muy popular en la década de 1960 (gekiga es un género de cómics). Más tarde, incluso Osamu Tezuka introdujo elementos dramáticos en sus historias. Sin embargo, los dramas están en declive. Ahora es difícil ver su sombra en el cómic shounen, aunque este género todavía tiene mercado entre los lectores mayores de cuarenta años.

エッチ/変State Comics (H-manga, H, ecchi, hentai)

"変State" significa "estado anormal/anormal". Posteriormente, solo se refiere a "Anormalidad". " o "anomalía sexual". "H" o "エッチ" es una abreviatura del argot de "変state", que básicamente significa temas sexuales. Los cómics que contienen contenido sexual directo u otro contenido pornográfico se denominan "cómics Ero" o "cómics H".

[La palabra "変estado" se utilizó por primera vez en una revista (una revista popular que publicaba novelas por entregas). "H" significa "変estadoさん(dama pervertida)". Se dice que es el nombre de un personaje femenino. Ella usó esta palabra para burlarse de los hombres... Después de la década de 1980, la mayoría de los japoneses se han acostumbrado a usar la palabra "エッチ" con una connotación sexual.

〕

Según estimaciones de algunas encuestas, los cómics H representan aproximadamente una cuarta parte de toda la industria del cómic. Están al alcance de casi todo tipo de consumidores, aunque estos están marcados con restricciones de edad o envueltos en plástico (en Japón es fácil encontrar una tienda que solo venda cómics H). Los cómics H afirman tener la mayor libertad y se dividen en varias subcategorías con diferente profundidad y amplitud artística. Además, algunos (pero no la mayoría) escritores de cómics H también han ingresado a los principales medios de comunicación. Muchas editoriales pequeñas se especializan en producir cómics H y venden conjuntamente software de juegos pornográficos, CD-ROM y otras obras doujinshi.

ロリコン(lolicom)

Es una combinación de las dos palabras “Lolita complex”. Este es un asalto indecente a una joven. Es una palabra muy vulgar en japonés, pero eso es más o menos lo que significa. Como rama de los cómics H, los cómics de Rori representan a chicas que parecen muy jóvenes. En el campo del cómic H, los términos "Lolita" y "chica hermosa" son intercambiables.

Doujinshi (doujinshi)

Literalmente significa "publicaciones de fans". Doujinshi se refiere a un grupo de autores con el mismo estilo, no solo animación o cómics. Un grupo de escritores de doujinshi se denomina "camarilla". En la comunidad del cómic, doujinshi se refiere a los escritores aficionados que publican sus propios cómics, especialmente aquellos que dibujan dibujos basados ​​en cómics o animaciones existentes.

Detalles

¿Qué es "doujinshi"? Aunque se puede explicar con un montón de definiciones complicadas, es mejor utilizar la declaración más simple y clara. Doujinshi es una especie de revista para fanáticos, financiada y publicada por fanáticos que no pueden o no quieren publicar sus trabajos a través de los canales de publicación formales normales. Como todos sabemos, la publicación de creaciones formales es bastante estricta. No solo hay que pasar por una revisión básica de la escritura, sino que también hay que preocuparse por el contenido, el tema y otros asuntos triviales. Además, el llamado "regular" generalmente significa "comercial". En este caso, las obras seleccionadas para su publicación deben ser revisadas por los editores, y no todas las obras de los creadores tienen valor comercial a los ojos de los editores. En este momento, surgirá un problema grave. Si eres un autor con "entusiasmo, determinación y voluntad infinitos", pero los principales medios de comunicación se niegan a aceptar tu "obra maestra", ¿qué debes hacer?

La respuesta es sencilla, es un fanzine.

Por tanto, el doujinshi original no tenía nada que ver con los cómics.

En la actualidad se acepta generalmente que el nacimiento del doujinshi se produjo durante el período Taisho en Japón. Escritores famosos de la escuela Shirakaba, como Musha Koji Atsumi y Shiga Naoya, recopilaron las obras de sus compañeros literarios y artísticos. sociedades en libros y gastó su propio dinero para publicarlo. Pronto hubo muchos "doujinshis" escritos por amigos con ideas afines en Japón. Durante un tiempo, el "doujinshi" se convirtió en una historia elegante entre los literatos y de repente se hizo popular. Entonces, en el futuro, cuando el "doujinshi" casi se haya convertido en el consenso del "manga doujinshi", la gente parece haber olvidado que inicialmente el doujinshi era algo completamente diferente. Sin embargo, mi sensación personal es que los japoneses realmente aprendieron esta práctica de China, porque según esta definición, no hay duda de que el primer lugar donde apareció el doujinshi fue en China ya en la época en que "el papel Luoyang era caro". , Ya hay doujinshis. Por tanto, la tradición del doujinshi en China tiene una historia verdaderamente larga.

Pero ahora estamos hablando de manga doujinshi, y la historia del manga doujinshi es de hecho la más larga de Japón. Entre ellos, la colección de cómics originales y doujinshi más representativa del "mercado del cómic" tiene una historia de 26 años. Este evento de ventas de doujinshi se lleva a cabo cada invierno y verano, y la escala es asombrosa. No sólo participaron en la exposición casi 10.000 stands, sino que la exposición de dos días contó con un número impresionante de más de 500.000 visitantes.

Los doujinshi cómicos generalmente se pueden dividir en dos categorías, a saber, la "escuela original" y la "escuela interpretativa".

Como sugiere el nombre, la escuela original es un tema completamente creado por ellos mismos, mientras que la "escuela interpretativa" se basa en dibujos animados y cómics comerciales populares y utiliza sus propias ideas para crear nuevas interpretaciones. No mencionemos el tema de la “escuela original”. ¿Hay alguien que esté muy confundido acerca de la “escuela deductiva”? ¿Por qué tengo que empezar de cero cuando claramente es trabajo de otra persona? Sí, la razón es simple. Porque incluso si es lo mismo, diferentes personas tendrán diferentes comprensiones y diferentes expectativas. Lo que quieres ver, el desarrollo que esperas o los personajes que te interesan pueden no necesariamente ser cumplidos por el autor. De hecho, el autor actual probablemente esté dibujando con el propósito de "Muy bien, ¿quieres que la trama se desarrolle así? No quiero". Las más típicas son probablemente las hermanas bromistas de Clamp. De esta forma, ¿no es muy lamentable el lector? Se siente como si lo tocaran en la palma de la mano de alguien. Sin embargo, no es nada especial, ¡lo pinté yo mismo! !

Entonces, ¿entiendes por qué este tipo de doujinshi que "pone los personajes y la estructura de la historia de otras personas en tu propia escritura para representar una nueva historia" es tan popular? Porque en el corazón de cada uno existe la expectativa de cambiar su destino o decidir su propio camino en el futuro. Por supuesto, también es muy interesante para los autores de doujinshi decidir el destino de los demás.

Por supuesto, cualquier cosa necesita una oportunidad para prosperar. La razón por la que los doujinshi comenzaron a desarrollarse rápidamente hace unos diez años también fue causada por el medio ambiente en ese momento. Por un lado, la clasificación de los cómics de niños y niñas ha alcanzado su punto máximo, por otro lado, ha aparecido una nueva generación con una nueva conciencia y subversión de la tradición. El negocio del cómic y la animación ha tocado el entusiasmo de los fanáticos, y así. , ¡una nueva era ha comenzado! !

Hablando de eso, ¿qué les gustaba a los adolescentes y a las niñas en aquel entonces? Así es, es "Saint Seiya". Cuando lo pienso, realmente debería agradecer al Sr. Kurumada. Aunque en retrospectiva, es un trabajo con muchas deficiencias, los numerosos personajes, las relaciones intrincadas y la aparición de bellas figuras en los cómics shonen han inspirado a muchos escritores de doujinshi a ". El comienzo del "levantamiento".

Hay muchos tipos de historias de doujinshi, desde divertidas hasta hermosas, hilarantes y conmovedoras, y no se limitan a "Saint Seiya". Las hermanas abrazadera que son tan populares ahora tienen orígenes doujinshi. En cuanto a la autora de "amor", la Sra. Minami Ozaki, que se ha convertido en una biblia en los corazones de innumerables chicas, también comenzó en el "punto sin retorno" con ". Capitán Fútbol”. Sí. Además, la señorita Nan también dibujó un doujinshi para "El Maestro". Otros cómics con muchos personajes, como "Yu Yu Hakusho" y "Legend of the Galactic Heroes", también están condenados y han sido arrastrados a las turbulentas aguas de la fan fiction. De hecho, la locura y la intensidad de los doujinshi han llegado a tal punto que para juzgar si una obra de cómic realmente ha sido aceptada y comprendida por el público, basta con mirar la popularidad de su mercado de doujinshi. Los grupos doujinshi correspondientes naturalmente se convirtieron en algo que surgió.

Este tipo de "doujinshi", que forma sociedades autoorganizadas e imprime cómics debido a "intereses similares", es completamente diferente de los cómics bajo el sistema comercial: aunque se encuentra en una situación inmadura, es Gratis y fácil. Realmente vale la pena apreciar el potencial, el coraje intrépido y la juventud que se eleva en el cielo.

Para China continental, el doujinshi ya no es algo lejano. Se dice que el número de grupos de doujinshi en todo el país ha llegado a 20.000, y las revistas de doujinshi están surgiendo sin cesar. Sin embargo, cómo seguir desarrollando algo como esto basado en la pasión y el sentimiento, cómo pasar del "fandom" al "negocio" manteniendo el inconveniente de estar juntos, este puede ser el verdadero problema al que nos enfrentamos. Aunque los deseos más sinceros pueden no ser de gran ayuda, igual deseo: ¡Buena suerte a mis amigos! !

Loco (オタク/otaku)

"Loco". Un término dado a un fanático acérrimo. Los manga オタク son esos tipos que dan vida a los cómics al extremo. El término también se utiliza para describir la cultura de los fanáticos de los cómics, pero en la mayoría de los casos es un término despectivo. En japonés, "マニア" también tiene este significado.

"おたく" significa literalmente el honorífico de "tu hogar" y es una forma educada de decirlo. Este título implica que esos entusiastas se aburren en casa todo el día y rara vez interactúan con el mundo exterior.

Sanwu (やおい(yaoi))

Es la abreviatura de "やま(stop ま)なし, おち(fall ち)なし, いみ(significado)なし", que significa "sin corte", significa "sin propósito y sin sentido". Este tipo de cómic presenta representaciones de la homosexualidad masculina, a menudo utilizando personajes de historias populares. También conocido como "amor de chicos" o "shotacom". El desarrollo del fenómeno やおい es similar al de la ficción de fans "slash" occidental.

El manga やおい apareció por primera vez a principios de la década de 1980, y había una revista relacionada "June" ("June" se llama revista "Danbishi"). Actualmente existen muchas revistas de cómics de este tipo y también hay muchas obras de este tipo en doujinshi. Se puede decir que los cómics de chicos de fútbol como Ohsora Tsubasa también promovieron el desarrollo de los cómics やおい, y ahora domina el やおい doujinshi. Aunque やおいdoujinshi se ha saturado, las principales editoriales tienden a utilizar estos cómics para compensar el dinero perdido en los cómics dramáticos.

Nakajima Nakajima es un famoso escritor y crítico en el género de "やおい/Shounen Ai".