Red de conocimientos sobre prescripción popular - Cuidado de la salud en otoño - ¿Cuál es la diferencia entre el nuevo bunyavirus y el bunyavirus?
¿Cuál es la diferencia entre el nuevo bunyavirus y el bunyavirus?
Las principales diferencias entre el nuevo bunyavirus y el bunyavirus son las siguientes:
1. El tiempo y el lugar de aislamiento son diferentes.
El bunyavirus se aisló en el oeste de Uganda. El bunyavirus fue aislado en Buniaweira y recibió su nombre oficial en 1975;
El nuevo bunyavirus fue descubierto y aislado en mi país en 2010 por el Centro Chino para el Control y la Prevención de Enfermedades.
2. Las principales fuentes de transmisión son diferentes
La principal fuente de transmisión del virus Bunya son los mosquitos;
La principal fuente de transmisión del nuevo virus Bunya son garrapatas.
3. Diferentes tasas de letalidad
El virus Bunya puede causar fiebre hemorrágica con síndrome renal, con una tasa de letalidad del 5% al 30%;
Nuevo tipo de Bunyavirus es tratable y tiene una baja tasa de letalidad.
Enciclopedia Baidu-Nuevo Briavirus
Enciclopedia Baidu-Briavirus
上篇: ¿Cómo capacitan los profesores de danza de grupos literarios y artísticos a los actores en habilidades básicas?A lo largo de mis muchos años de experiencia práctica en la educación de bailarines, he estado intentando, explorando y resumiendo. Creo que en la formación y enseñanza básica de los bailarines debemos prestar atención primero a los siguientes aspectos. 1. Formación para mejorar la condición física de los actores 1. La formación básica de los bailarines de grupos culturales suaves, abiertos y flexibles es diferente a la de los estudiantes escolares. Por un lado, debido a las frecuentes y diversas actuaciones de los grupos culturales, su tiempo de formación es limitado y el tiempo de formación no es fijo y continuo. Por otro lado, a medida que los actores envejecen, sus ligamentos y articulaciones se vuelven más rígidos año tras año y todos los aspectos de las funciones de su cuerpo disminuyen gradualmente. Luego, durante el entrenamiento de apertura suave y flexibilidad, se debe prestar especial atención al progreso gradual, de lo contrario el actor se lesionará fácilmente. En la clase de entrenamiento básico para actores es necesario agregar actividades combinadas de calentamiento, comenzando desde el tobillo, que es el más vulnerable a lesionarse, y mover completamente las patas delanteras, laterales, traseras, articulaciones transversales, hombros, caderas, cintura y otras partes. Después de una serie de actividades de calentamiento, no sólo las articulaciones y ligamentos del actor se han movilizado por completo, sino que esta combinación también calienta los músculos del actor, sentando una buena base para el entrenamiento posterior. Luego, el entrenamiento de flexibilidad se combina con movimientos de bastones y combinaciones intermedias para mejorar el rango de movimiento de las articulaciones del actor y la flexibilidad y las capacidades de estiramiento de los músculos y ligamentos. De esta manera, el actor no será consciente del aburrido proceso de entrenamiento y suavizado, y se logrará el propósito del entrenamiento de mejorar la flexibilidad del actor. 2. Coordinación y flexibilidad En las clases de formación, la combinación debe ser rica y diversa. Una vez que la orientación del cuerpo sea unificada y precisa, preste atención a fortalecer la cooperación de la cabeza, las extremidades superiores y las extremidades inferiores, y realice un entrenamiento integral y de múltiples ángulos para lograr la coordinación de las extremidades. Al mismo tiempo, al organizar combinaciones de entrenamiento, es necesario comprender la variabilidad del ritmo musical, lo que requiere que los actores no solo estiren, coordinen y embellezcan la interpretación de combinaciones lentas, sino que también dominen la flexibilidad de combinaciones de ritmo rápido. , mejorando así continuamente el rendimiento físico del actor. La coordinación y cooperación de varios grupos de músculos puede cambiar rápidamente la posición y dirección de ciertos enlaces del cuerpo o extremidades. El cuerpo de un actor debe estar coordinado y flexible para adaptarse mejor a los siempre cambiantes movimientos de la danza. 2. Mejorar la belleza y expresión física del actor 1. Fortalecer el sentido de belleza del actor: primero, al practicar cada movimiento y combinación, el actor se da cuenta gradualmente de que incluso en posiciones simples y de una sola mano, posiciones de pies, pasos y movimientos corporales, hay un sentido de belleza indescriptible. , una emoción, un pensamiento y una fusión de almas. A través del movimiento de manos, cabeza, ojos, cuerpo, piernas y pies, deje que los actores imaginen la belleza que pueden mostrar cuando se mueven en el espacio; deje que los actores se den cuenta de que el aula es el escenario; El aula no es sólo un lugar para entrenar habilidades básicas de danza, sino también un lugar para aprender representaciones escénicas. Con el tiempo, la mente del actor formará una firme conciencia de expresar y crear la belleza de la danza, y también producirá una memoria física de expresar la belleza durante el movimiento, produciendo el efecto de "colarse en la noche con el viento, humedeciendo las cosas silenciosamente". ". En segundo lugar, las especificaciones de los movimientos de danza y el entrenamiento estético son igualmente importantes. La enseñanza de la danza, al igual que la música, el arte, la ópera y otras artes, tiene sus formas y normas estrictas. El entrenamiento de la danza, ya sea en tierra o en el aire, en transición o modelado, debe ser coherente, fluido, elegante y completo. Durante la formación, los profesores deben exigir estrictamente a los actores que practiquen la posición de cada mano o pie de acuerdo con las normas básicas de la danza. Al mismo tiempo, también es importante estandarizar el ritmo de la danza, para que los actores puedan comprender gradualmente a través del entrenamiento cómo captar el ritmo de la música y los movimientos, cómo lidiar con imágenes visuales y auditivas y disfrutar visualmente de la belleza. bailar. Sólo prestando atención a la belleza del cuerpo en el entrenamiento diario podrán los actores integrar mejor las habilidades básicas en las obras artísticas en representaciones futuras y brindar a las personas el disfrute de la belleza. 2. Mejorar la expresión física de la música por parte del intérprete: el ritmo parece involucrar cuestiones más "técnicas" en la danza, mientras que la melodía es una cuestión de "sentimiento", que son dos aspectos importantes en la enseñanza de la danza. Debemos guiar a los actores para que escuchen atentamente las canciones en clase y luego utilicen movimientos de baile para reproducir la música. Es muy importante resaltar el ritmo y la melodía de la música en la enseñanza e integrarlo en la explicación de los movimientos. Este punto debe enfatizarse al explicar los movimientos individuales para formar buenos hábitos de escucha. Este también es un medio necesario para mejorar el sentido musical y la expresión musical del actor. En clase, podemos intentar utilizar algún lenguaje "musical", como "pisar la nueva versión" y "correr el ritmo a través del movimiento"; podemos dejar que los actores asuman el papel en el preludio de la música e integren la actuación en el medio de la música. Recuerde a los actores que escuchen más el ritmo y la melodía de la música en las clases de formación básica, lo que puede guiar los movimientos de su cuerpo y ayudarles a comprender lo esencial de los movimientos. La música es una buena ayuda para los profesores de danza y las clases de baile son inseparables de la música. 下篇: