Introducción al ballet moderno y explicación detallada de sus obras representativas

A principios del siglo XX, cuando el ballet clásico alcanzó su apogeo en Rusia, un grupo de élites estaba descontento con el status quo conservador. Incapaces de realizar los diversos ideales del reinicio del ballet en su propio país, solo pudieron ingresar agresivamente a París con el agente de ballet ruso Sergei Dyagilev en nombre del "Ballet Ruso", con un gran número de nuevas obras frescas, únicas y creativas. en una nueva era del "ballet moderno" para toda la historia del ballet.

El siglo XX es una era de despertar, y también es una era de explosión, explosión de conocimiento y explosión de información. En lo que a danza se refiere, es una época de explosión de obras. Del "ballet dramático" original nacieron dos nuevas variedades de danza: el ballet sinfónico y el ballet psicológico.

Wei Wei puso fin a la era del ballet moderno donde surgían grandes maestros y las obras maestras surgían una tras otra. Subdivido la masculinidad y las características en tres etapas: temprana, media y tardía según las diferentes edades y generaciones.

Etapa inicial:

"Fountain of Tears" es un ballet en cuatro actos y es una de las primeras obras representativas del ballet moderno en la ex Unión Soviética. El 28 de septiembre de 1934 el ballet se estrenó en el Teatro Kirov de Leningrado. El guionista N. Volkov, el compositor B. Asafyev, el director R. Zaharov, el escenógrafo V. Hodasevich, la princesa polaca María interpretada por G. Ulanova, Maria Fiancé Watts. La traducción literal de esta pregunta se llama Fuente de Bakhtisaraj. Cuando se representó en China en 1961, se tradujo al chino como "Fuente de lágrimas". El guión está adaptado de un poema largo del mismo nombre y de otro poema corto del poeta ruso A. Pushkin. El género se define como "un poema de danza romántica" y se esfuerza por transmitir el alto grado de unidad de la "musicalidad" y "la música". narrativa" en la obra original. . Para aclarar las relaciones de los personajes y los conflictos dramáticos del ballet, el guionista añadió una primera escena para transferir la identidad de la primera heroína María a una princesa polaca. Al mismo tiempo, se le une su prometido Vaclav, estableciendo así un dulce dúo de amor para ellos antes de la tragedia del francotirador tártaro, y cuando ocurre la tragedia, él es ejecutado junto con el invasor, con efectos visuales, auditivos y cinestésicos. La imagen danzada de la Trinidad transmite la trágica característica de "matar la belleza en público para mostrársela a los demás". La pista de la trama del ballet es que el rey tártaro Gilly atacó el Reino de Polonia en medio de la noche, robó a la princesa María, que pronto se casaría, y regresó al palacio de Saraj en la provincia de Bakhti.

Ante la deslumbrante belleza y el frágil y bondadoso don de María, se convirtió en prisionero después de años de invencibilidad, y sufrió un cambio gradual en su corazón. Se esforzó por proponer matrimonio, pero fue rechazado repetidamente, pero aun así esperaba pacientemente con ansias su carrera. Inesperadamente, sus caprichos encendieron los celos en el corazón de Zalema, a quien le gustaba. Después de estar extremadamente amenazada y confundida, acabó con la vida inocente de María con una daga y fue empujada valle abajo por los soldados de Gilead. Para grabar su amor eterno por María, expresar su dolor y expresar su bondad, Gillette construyó una fuente de "lágrimas" que fluye día y noche, dejando atrás "La belleza es omnipotente" y "El amor es supremo" para las generaciones futuras. s”leyenda. El guión de este ballet fue alguna vez elogiado por la ex Unión Soviética como "un típico guión de ballet realista". En lo que respecta al director, no es sólo un exitoso debut dirigido por Zaharov Banner, sino también el primer ejemplo del "ballet dramático" de la antigua Unión Soviética que adapta excelentes temas literarios y utiliza el sistema de interpretación dramática de Stanislavsky para crear un ballet realista. El primer trabajo exitoso acumuló una valiosa experiencia para el posterior ballet "Romeo y Julieta". El gran éxito de "La fuente de las lágrimas" se atribuye a la gran bailarina Ulanova, porque interpretó brillantemente a "María", un personaje suave con una personalidad similar a la de la heroína. Los últimos momentos de María se convirtieron en una leyenda en la historia del ballet en toda la ex Unión Soviética gracias a ella: en el momento en que todo su cuerpo fue apuñalado por la espalda, solo hubo un ligero espasmo, y luego levantó los omóplatos, provocando sus brazos se deslizaron gradualmente hacia arriba a lo largo de los pilares de piedra, usando todas sus fuerzas para retrasar la erección de su cuerpo, simbolizando su perseverancia; cuando fue liberada de este doloroso espasmo, volvió su rostro hacia Zalima, Gilliam y cada feo espectador. para revelar la Esta extraordinaria calma surge del relieve original de Pushkin que "puede separar este mundo desolado".

"La llama de París" es un ballet de cuatro actos y cinco escenas. Es una de las primeras obras representativas del ballet moderno en la antigua Unión Soviética. Se estrenó en teatro el 7 de octubre, escrita por N. Volkov y V. Denmaotriyev, y compuesta por B. Asafyev.

Jerome es interpretado por V. Chabukiani, Jeanne es interpretada por O. Jordan, Therese es interpretada por N. Anisimova, y el Führer Debord Ide es interpretado por N. Du Kinska y Mistral por K. Sergeyev. Como ballet con un tema general, el tema de "La Llama de París" es el clima hirviente cuando el pueblo rebelde de Marsella marchó hacia París bajo el liderazgo del líder Sharpe después de la gran inundación en Francia en 1792. El dúo del cuarto acto se representa a menudo en fiestas nocturnas como un pequeño programa boutique, y se llevó al cine una versión condensada de toda la obra (1953), que junto con "El lago de los cisnes" y "Las lágrimas de Bakhti Saraj" constituye una película de arte cinematográfico completa llamada Ballet Trilogy. Este ballet fue representado en el escenario en 1933 por la Compañía de Ballet del Teatro de la Universidad de Moscú.

"La muerte del cisne" es una danza solista femenina. Es una de las primeras obras maestras del ballet moderno ruso y el clásico más vital de toda la historia del ballet. Se estrenó el 22 de febrero en una actuación benéfica en la Noble Concert Hall de San Petersburgo, con música de C.C Saint-Saëns, coreografía de M. Fokine, diseño de vestuario de L. Baxter y actuaciones de A. Su inspiración creativa proviene de. la famosa canción "El cisne" del compositor francés Saint-Saëns. Acompañado por el piano, el violín tocó gradualmente un patrón de sonido alto y bajo, como si despertara ondas en el lago, y luego condujo a un cisne inocente y noble: le dio la espalda a la fea audiencia, emergiendo silenciosamente en una serie. de pasos de puntillas, frotando poco a poco sus brazos con ayuda de su aliento, dejando que la dulce melodía de sus brazos y antebrazos fluya por sus muñecas y dedos, y finalmente soltando las yemas de sus dedos en el aire, convirtiéndose así en la principal letrista de la obra. El cuello alto y esbelto no sólo representa verdaderamente la elegancia del arte del ballet, sino que también insinúa activamente los ingresos y gastos e incluso el deseo de supervivencia de todo el reino animal. Finalmente, su centro de gravedad comenzó a hundirse, y el incontrolable flotar y levantarse absorbió algo de impotencia, pero siguió vomitando hasta que finalmente cayó al suelo. La belleza y majestuosidad de la vida. Aunque el baile solista de esta mujer solo duró 4 minutos y 6 segundos, mostró el estilo delicado y lírico de Pavlova, condensó la belleza fugaz exclusiva del ballet e implicó que "aunque murió, siempre deja una mala impresión en el público". Que tema tan bonito y melodioso.

"Firebird" es un ballet en dos actos que es una de las primeras obras representativas del ballet moderno ruso. Se estrenó en la Ópera de París el 25 de junio de 2000, creada y dirigida por los Ballets Russes Dyagilev, con música de M. Fujin, música de I. Stravinsky, dirección de G. Pierne, escenografía de A. Golovin y escenografía de L. Baxter y Golovin diseñaron el vestuario, T. diseñó The Firebird, un ballet contemporáneo en un acto basado en el folclore ruso "Príncipe Iván", "El pájaro de fuego" y "El lobo feroz". La trama básica es que el príncipe Ivan Chalevich captura un mágico pájaro de fuego del paraíso. A cambio de libertad, el pájaro de fuego le dio una pluma mágica y le prometió al príncipe que mientras saludara a la pluma en los momentos críticos, se uniría a él y eliminaría los desastres para él. Pronto, el príncipe rescató a la bella Charlevivna del gran demonio Kaschi y fue rescatado por el pájaro de fuego. Finalmente terminó de filmar el drama y los amantes finalmente se casaron. El éxito del Firebird se debió en primer lugar a la perspicacia de Diaghilev. Cuando el compositor encargado inicialmente no pudo presentar un manuscrito, decidió optar por el novato Stravinsky. El compositor utilizó conscientemente relaciones de intervalos discordantes y patrones rítmicos desiguales como el tiempo de 7/4 y la síncopa en su creación, capturando y reproduciendo vívidamente el misterio original y la tensión original de la nación rusa. Desde el punto de vista del director, la estructura de un solo acto de la obra y la combinación de estilos de danza y drama indican que el ballet ha trascendido la era "clásica" y ha entrado en la era "moderna". Entre ellos, el tema del dúo-amor y el modo Aba se basan en la antigua visión del dúo de ballet clásico. Captan las claves del crecimiento de la trama y las necesidades del sentido del olfato y la pintura de las personas, y diseñan cuidadosamente al "rival del amor". tema y modo ABC, compilando así la "Pursuit". Los tres segmentos de danza conectados, "Persistence" y "Release", aseguran que la danza y el drama se complementen y sean emocionantes.

"La Consagración de la Primavera" es un ballet en dos actos que es una de las primeras obras representativas del ballet moderno ruso.

Estrenada el 29 de mayo de 2003 en el Théâtre des Champs-Élysées de París por el Ballet Ruso Dyagilev, con letra de I. Stravinsky y N. Ilyich, música de Stravinsky, y dirección de P. Monte, dirección de V. Nijinsky, ensayada de M., interpretada por M. Pierke en "La chica del Festival de Primavera", la bailarina principal es una mujer de 300 años que declaró la guerra a los mayores durante el período de primavera y otoño, y un gran número de bailarines del grupo se reunieron El guión de 70 ster Lavinsky y la música de "La consagración de la primavera" se basan en los rituales de adoración reproductiva de las vírgenes de las tribus primitivas rusas y tienen un fuerte sabor primitivo ruso. El posicionamiento del guión original - "el segundo acto contiene muchas escenas de paganos rusos" - ya no sirve como la tradición narrativa del ballet clásico, y no habrá conflictos de personalidad ni conflictos dramáticos entre los personajes, terminando así con El Cisne. antes de finales del siglo XIX, Lake y otros ballets clásicos románticos trazan una línea clara. Toda la obra se divide en dos actos, centrándose en el culto original a "la unidad de la naturaleza y el hombre" a través de la danza procesal. El primer acto es el "Gran Sacrificio", que muestra a toda la tribu reuniéndose al aire libre para completar la ceremonia anual de adoración a la fertilidad con varias danzas. El segundo acto es "La Consagración de la Primavera", que reproduce la escena heroica en la que toda la tribu elige cada año a la Virgen más bella y pura: una niña dedicada a la primavera, luego baila hacia el cielo y finalmente se casa con el dios sol. La obra causó una gran conmoción en el teatro cuando se estrenó, y un gran número de policías tuvieron que mantener el orden. Sólo se representó 6 veces en París y Londres. La primera razón es que la música de Stravinsky es impactante en todo momento, y su disonancia áspera y desagradable parece presagiar el fin del mundo; mientras que la coreografía de Nijinsky utiliza todos los movimientos anti-ballet. Permite que París, la conservadora y fea "capital del ballet", no tenga control, pero también hace que el feo y vanguardista público aquí esté extasiado. El lanzamiento de "La Consagración de la Primavera" presagia un nuevo siglo de diversidad estética. Por ello, desde su estreno en 1913, siempre ha atraído a talentosos coreógrafos de todo el mundo y se ha convertido en la obra más vital de toda la historia del ballet. Existen más de 100 versiones muy conocidas y 20 con influencia mundial.

"La Consagración de la Primavera" es un ballet con cuatro representaciones y una de las primeras obras representativas del ballet moderno ruso. Estrenada por los Ballets Russes de Diaghilev en el Théâtre des Lyrics de París el 3 de junio de 1923. Letra y música compuestas por: I Stravinsky, director E Anhan Ermei, director B Nijinska, escenógrafa y vestuario N Goncharova, la novia es F Du. ¿Esta obra no tiene un significado tradicional? ¿Por qué? En lugar del drama, el arte de acción abstracta del ballet se utiliza para reproducir las costumbres y la etiqueta tradicionales de las bodas rusas. El primer acto de la obra es: bendición de la novia, el segundo acto es: bendición del novio, el tercer acto es: la novia sale de casa y el cuarto acto es la celebración de la boda. Los personajes principales son la novia, el novio, el huaco, la madre de la novia, el padre de la novia, el padre del novio, la madre del novio, las damas de honor y el padrino. La característica principal de esta versión de Kinska es que, en términos de espíritu y tono general, a través del contraste de color del vestuario y el escenario y el fuerte proceso de disputas, cambia el estilo colorido y real del ballet clásico ruso, trayendo el arte aristocrático del ballet. De regreso a Rusia La simplicidad, la dignidad y el amor local por el campo en términos de tiempo, espacio e intensidad de los movimientos, el propósito de varios objetivos de fuerza se condensa en direcciones de movimiento directas hacia arriba y hacia abajo a través del proceso, cambiando la belleza y ligereza de las líneas del ballet clásico ruso, haciendo ballet La calidad del sonido natural de los movimientos vuelve al modo secular del público ruso, lo que no solo aumenta la dificultad de la conversión del movimiento, sino que también resalta el sentido de ritual y tragedia de las costumbres nupciales rusas. . En la triple correspondencia entre canto coral, interpretación de percusión y generación de movimiento de danza, la intensidad, vibración e impacto de la trinidad visual, auditiva y cinestésica son suficientes para probar la racionalidad del concepto de "la forma tiene su contenido" en la danza moderna; vestimenta En términos de función y diseño escénico, a través de la artesanía, el vestuario y las paredes de madera de la sala están cuidadosamente diseñados para parecerse a la vida cotidiana, creando algunas características reales y concretas para la coreografía de danza relativamente abstracta.

"Apolo" es un ballet de dos partes que es una de las primeras obras representativas del ballet moderno ruso. Estrenada en junio de 1928 en el Théâtre Sarah Benart de París por los Diaghilev Ballets Russes. Originalmente se llamó Tutor de las Musas de Apolo, que se redujo a su nombre actual en junio de 1957. Fue escrita y compuesta por Stravinsky y coreografiada por G. Balanchine. Apolo es interpretado por S. Leafa, la musa de la danza Tessicoury es interpretada por A. Nikitina, el perfil de Simonov es interpretado, la musa de la oda Polonia es interpretada por L. Chernicheva, la musa épica La diosa Calíope es interpretada por F. Dubrovska.

La trama de esta obra está muy minimizada: el dios sol Apolo nace mañana de Zeus y Leto. En el proceso de enseñanza con las tres musas, se hizo cargo de la educación artística integral y * * educación, y luego comenzó a madurar y finalmente murió a los pies del Olimpo. En esta obra, Balanchine rompió audazmente el discurso estilizado del ballet académico, abandonó todo tipo de movimientos decorativos, aceptó apropiadamente las características distorsionadas y afiladas del vocabulario de la danza moderna y creó algo sin precedentes en el ballet clásico. Los nuevos movimientos incluyen cuatro personas caminando. juntos, Musa sentada arriba y abajo con los dedos de los pies envueltos, Apolo sentado en el suelo sosteniendo a la Musa danzante y estirando sus patas traseras, Apolo abriendo las palmas para hacer movimientos radiales, etc. , con una textura de acción clara e ingeniosa. Al final del baile, se puede decir que el baile encarnado por estas cuatro personas es el clásico más inolvidable del ballet del siglo XX. Cuando Apolo estiró sus brazos y apareció firmemente en una reverencia, las tres Musas lo usaron como punto de apoyo, comenzaron a inclinar su centro de gravedad hacia adelante y, después de su muerte, estiraron sus patas traseras en un ángulo de compás, un paso a la vez. tiempo, esto no sólo implica la necesidad de la vida de la luz solar, sino que también implica el deseo de las mujeres por los hombres, construyendo así una imagen radiante del dios sol. Y de la forma más sencilla, refleja el ideal clásico occidental de poesía, música, danza y teatro en la antigua civilización griega, ¡e incluso revela el individualismo masculino en la sangre e incluso en los huesos de Balanchine! Precisamente por eso a Balanchine siempre le ha gustado esta obra y, al mismo tiempo, ha ido constantemente a reforzar la tendencia general de la "simplificación"; al final, no sólo perdió el tocado de la musa, sino también También se describen brevemente los cuatro ¿Los trajes de los personajes, y la omisión de la vista del Monte Olimpo y la plataforma que luego se utilizó para simbolizarlo? , lo que refleja su firme creencia en el poder implícito en la acción misma. En la historia del crecimiento del ballet, el símbolo de Apolo marca el nacimiento del "ballet neoclásico", porque el ballet se despidió del estancamiento del "ballet dramático" que dominaba el mundo y entró en la nueva escala del "ballet sinfónico", enriqueciendo el rostro del ballet en el siglo XX.

Etapa intermedia:

El ballet de gran formato “Romeo y Julieta” incluye un prólogo, tres actos, 13 escenas y un final. Es una obra maestra del período intermedio del ballet moderno en la ex Unión Soviética y es la obra más famosa del Concurso de Ballet de Shakespeare. Se estrenó el 11 de junio de 1940 en el Ballet del Teatro Kirov de Leningrado. Los guionistas S. Prokofiev y L. Lavrovsky, el compositor Prokofiev, el coreógrafo Lavrovsky, el coreógrafo P. Williams, Julieta interpretada por G. Ulanova, Romeo interpretado por K. Sergeyev, Tebaldo interpretado por R. Gerbeck, Mercutio interpretado por A. Lobov. El ballet sigue estrictamente el camino creativo del realismo socialista, es lo más fiel posible a las claves y al espíritu de la tragedia original de Shakespeare y revela el tema eterno de "el amor primero" y la razón fundamental para "hacer las paces entre las personas". La obra es de gran escala, tiene muchos personajes, genera suspenso y es agradable de escuchar. La pista principal de la trama es el antiguo rencor entre los dos maestros Montaigne y Capuleto, pero inesperadamente, Romeo, el hijo de los mongoles, y Julieta, la César, se comprometieron en secreto para toda la vida debido al amor a primera vista. Sin embargo, debido al profundo rencor entre los dos maestros, a pesar de todos sus esfuerzos, los dos jóvenes no pudieron superar numerosos obstáculos y casarse públicamente. Al final, no tuvieron más remedio que ir al inframundo para atar el matrimonio. nudo de nuevo. Ante el precio de la sangre y la vida, los dos maestros finalmente se dieron la mano e hicieron las paces. Su gran encanto reside no solo en el poder de la tragedia de Shakespeare para hacer llorar a Liu He, sino también en el coraje del director para separar el dúo de ballet clásico de las pistas de la trama, haciendo alarde ciegamente del modelo ABA de artesanía estilizada y creando mezclas de escenas. , interacción emocional de baile y paso a paso La trilogía del dúo. El primer dúo es en este momento la cuarta escena del primer acto, y su originalidad radica en que aunque no pueden estar en guerra entre los dos maestros. El segundo párrafo presenta la quinta escena del primer acto en este momento, que es el famoso baile del balcón, que es un baile clásico realizado por compañías de ballet de varios países. La situación típica cambia al momento en que dos amantes se encuentran por primera vez. La intensidad, amplitud, dificultad y velocidad de los movimientos de la danza entran naturalmente en un clímax eterno de pequeño a grande, de lento a rápido. el tercer acto. La primera escena se llama "Dúo de dormitorio". Una situación típica es Romeo y Julieta ¿Adónde vas? La coreografía de los movimientos es de altibajos, triste y hermosa, la lógica de los movimientos es suave y coherente, y luego las palabras silenciosas presagian el desenlace final de esta tragedia amorosa.

Como extremo de la tensión de todo el drama de danza, estos dúos íntimos, cálidos y delicados son muy diferentes de los extremos de espadas ensangrentadas y crujir de dientes que estallaron repetidamente en la plaza, asegurando que la tragedia de Shakespeare de "hablar con palabras " también se puede expresar "sin el uso de palabras". "El lenguaje habla" se enriquece en la competición de ballet.

"Serenata" es un ballet sinfónico de cuatro movimientos y es una obra maestra de mitad de etapa del ballet moderno estadounidense. Estrenada en junio de 1934 en el F.M. Wahlberg Estate de White Plains, Nueva York, por alumnos de la School of American Ballet, con música de P.I. Tchaikovsky y dirección de G. Balanchine. Estrenada el 8 de febrero de 1965 en el Avery Memorial Theatre de Hartford, Connecticut, con escenografía diseñada por G. Longchang y vestuario diseñado por J. Luckett. Estrenada el 1 de marzo de 1935 por el American Ballet en el Adelphi Theatre de Nueva York; después de 1936, los decorados fueron descartados, y durante 1964, la señora B. Kalinska fue invitada a diseñar el vestuario. Como ballet sinfónico sin argumento, el problema de la obra está tomado de la "Serenata C" orquestal de Tchaikovsky. Está coreografiado y ejecutado en secuencia según los cuatro movimientos de sonata, vals, tema ruso y elegía. Tiene una atmósfera romántica y sentimental, especialmente cuando la niña que fue abandonada por el niño dos veces finalmente cayó al suelo y murió, y luego tres niños la levantaron en alto. En palabras del propio director, "Serenata" en realidad no pasa toda su vida contando ninguna historia. Si no es hermoso, dices que está contando una historia. Es sólo música y danza que cuentan su propia historia. Es muy sencillo, sólo un grupo de bailarines cantando hermosos sueños bajo la brillante luz de la luna. Para el espectador poco atractivo, lo visual es de 28 bailarines con velos azul claro bailando sobre un fondo azul; es auditivo, con el tercer y cuarto movimiento del compositor en orden inverso. En cierto sentido, lo que se presenta es una bailarina que llega; tarde, y luego corre a su posición muy prominente para bailar, mientras otra bailarina cae accidentalmente al suelo. Estos dos * * * inesperados eran originalmente la mentalidad habitual de Balanchine de dejar que los artistas modernos se adaptaran a la situación. Transfirió fielmente los eventos reales presentados en el ensayo a la obra, pero sin darse cuenta agregaron color a este ballet poco dramático. Además, la escala de actuación de diecisiete, nueve y seis números diferentes de bailarinas, la llegada inesperada de bailarines, etc. Siempre ha sido una buena comidilla en el mundo de la danza internacional, porque nada de esto era el objetivo satisfactorio de Balanchine, sino que estaba naturalmente determinado por el número y el género de los bailarines que se unían a los ensayos todos los días.

"Delicate Transparency" es un ballet de dos etapas y es una obra maestra a medio plazo del ballet británico moderno. Fue estrenada por el Royal Ballet en la Royal Opera House de Covent Garden, Londres, el 25 de abril de 1966, con música de E. Satie y orquestación de C. Debussy, Roland Manuel y J. Interpretada por Rancho Bailey, con coreografía de F.A. Heaton y el diseñador de vestuario A. Heaton, es el primero de dos pas de trois. Apareció por primera vez el 24 de marzo de 1965, interpretada por V. Rowland, A. Doyle y R. Meade, y luego se interpretó al frente el primer baile en trío "Earth", interpretado por A. Sibley y G. Pa Kinson, B. Actuación de Shaw. La obra consta de dos secuencias de danza. La primera pieza se llama "Luna", y su oportunidad de salir surgió a partir de una gala de recaudación de fondos para el Royal Ballet en 1965. Como director en jefe del grupo en ese momento, Heaton tuvo que crear una "pieza que no fuera demasiado larga". Casualmente, los astronautas estadounidenses aterrizaron en la luna en este momento, haciendo realidad el sueño de la humanidad desde la antigüedad. Cuando llegó el movimiento, no pudo evitar emocionarse, y se parecía aún más a un sueño: un conjunto de imágenes de danza que eran a la vez oníricas y realistas, con "premisas" sobresalientes, exigiendo "estándares" y "sentimientos". Y se destacan tres bailarinas de ballet extremadamente "belleza escultórica", haciendo que la línea única de la belleza del ballet y varios cambios orgánicos de los movimientos del cuerpo humano finalmente se sublimen hasta este punto. Al mismo tiempo, Heaton siempre ha estado fascinado por la música del compositor francés E. Satie, y finalmente encontró una buena oportunidad para utilizarla: la música confusa y tintineante de su pieza para piano "Naked Song and Dance", que representa la distancia y Imagen etérea de la luna perfecta, clara y transparente. El éxito de "Moon" impulsó a Heaton a componer otra parte de danza llamada "Earth", cuya música fue compuesta por el famoso compositor y director británico J. Lenchberry para otra de las piezas de Sadie, "Mystery".

La "extrema sensibilidad a la música" de Heaton siempre ha gozado de una gran reputación en el mundo del ballet internacional, y se ha demostrado plenamente en este trabajo. No solo brinda a la gente un disfrute estético fluido, sino que también hizo grandes contribuciones al humor y el lirismo británico. ha hecho que el Royal Ballet vaya entrando poco a poco en las filas de "una de las seis compañías de ballet clásico de primer nivel del mundo".

"Lilac Garden" es una obra de teatro en un acto, una obra maestra intermedia del ballet británico moderno y pionera del ballet psicológico. Estrenada por Lambert Ballet en el Mercurial Theatre de Londres el 0 de octubre de 1936 65438+265438, compuesta por A. Tudor y H. Stevenson, compuesta por E. Chausson y dirigida por Tudor. El esquema del ballet es: por esnobismo o por alguna otra razón, la heroína Caroline se despide a regañadientes de su verdadero amor y planea casarse con otra persona, además, en la fiesta donde se despidió de su amante, conoció a su prometido; , a quien nunca había conocido. Un ex amante a quien conocí. La luna brillante en el cielo está pálida e indefensa, y el vasto mar de personas corre de un lado a otro afectuosamente, difíciles de dejar ir, y debido a circunstancias extrañas, toman caminos separados, aunque tanto hombres como; las mujeres quieren quedarse con ellos frente a este extraño círculo de separación, alegría y tristeza, superposiciones y superposiciones. Querían tener un último beso con su antiguo amor, pero no pudieron hacerlo, y al final pudieron. Sólo se fue avergonzada, dejando a la pobre Caroline desmayándose en los brazos de su prometido, que en realidad no la amaba. La obra se despide de todos los gestos de pantomima utilizados en el ballet tradicional, y sólo utiliza un diseño de movimiento preciso y delicado, cambios espaciales entre los cuatro protagonistas y la atmósfera reprimida del escenario para atraparlos en la burocracia de la clase alta, creando una atmósfera apasionada y actuación con sentimientos encontrados. La situación se desarrolla vívidamente. La música utilizada en la obra es la famosa canción para violín y orquesta "Poesía" del compositor francés Chausson, que fue elogiada por los críticos de danza como la obra pionera del "ballet psicológico" en la noche inaugural.

Período posterior:

"Spartacus" es también un ballet majestuoso, con cuatro actos y nueve escenas. Es una obra maestra tardía del ballet moderno en la antigua Unión Soviética. Representada en el teatro el 9 de abril de 1968 por el Ballet Bolshoi. El compositor es A. Khachaturian, el director es Y. Grigolo, el escenógrafo y el diseñador de vestuario es S. Virsaladze. "Spartak" es interpretado por Vasiliev. El ballet está adaptado principalmente de la novela histórica del mismo nombre del escritor griego Plutarco. Describe una historia real y trágica que ocurrió durante la decadencia del Imperio Romano en el 73 a.C., pero también añade y elimina algunos personajes y situaciones típicas. La primera pista es que muchos esclavos tracios murieron en la arena para satisfacer el gusto sangriento de los nobles, para eliminar todo tipo de trato inhumano y obtener la libertad personal, se bañaron en sangre bajo el liderazgo del líder de la milicia esclava Spartak; . Luchando duro, inició esta poderosa y magnífica guerra justa con las legiones romanas encabezadas por Craso. Aunque los tres ejércitos finalmente fueron aniquilados por ser superados en número, su espíritu de lucha por la libertad quedó grabado para siempre, elogiado, admirado y conmovido por las generaciones futuras... El éxito de la versión de Grigolo reside en sus dos años de historia de la antigua Unión Soviética. Las tradiciones del "ballet dramático" y el "ballet sinfónico" están perfectamente conectadas.

En primer lugar, tomemos como ejemplo "Spartacus Solo". Está incluido en cada actuación, y hay hasta nueve solos en toda la obra en cuanto a la relación entre danza y emoción. En cuestión, el director intenta ser lo más emotivo posible. El baile escenográfico garantiza que el personaje problemático Spartak pueda tener excelentes clips de baile para complementarse en cada lugar inquieto, con habilidades difíciles, para desahogar su monólogo interior, crear un heroico. imagen, y resaltar la masculinidad Impactante y contagiosa. El dúo entre los protagonistas masculino y femenino Spartak y Jiya también es perfecto en cada escena. A lo largo del proceso, el director expresó el amor entre hombres y mujeres en "¿Adónde irás?", creando un retrato doblemente regordete para el dueño de esclavos Spartak A; imagen positiva que gusta a la gente; la parte de danza se basa en gran medida en acrobacias y movimientos hábiles, lo que no sólo implica la armonía de los protagonistas masculinos y femeninos, sino que también enriquece enormemente las habilidades originales de levantamiento del dúo de ballet clásico. En cuanto a la creación de danzas grupales, la obra está en su apogeo. Por ejemplo, la danza de 40 esclavos en el primer acto implica plenamente que muchos esclavos se rebelaron bajo el llamado de Spartak, rompieron sus cadenas y corrieron hacia la libertad, en orden. hacer ajustes completos y la determinación de luchar a muerte para liberarse; la escala y la arrogancia de este baile grupal masculino a gran escala pueden hacer contribuciones sobresalientes para cambiar por completo el estancamiento entre el yin y el yang en el escenario del ballet después de avanzar en vano. .

Hoy en día, la gente tiene una sensación de familiaridad convencional, que se basa en la influencia de las tendencias del arte moderno en el ballet de principios del siglo XX.

Antes de esto, se podía decir que las obras que seguían las especificaciones del programa original y las características heroicas del ballet, ya fueran ballets u obras cortas, eran ballet clásico; sin embargo, muchas obras de ballet moderno se diferencian del pasado en la elección de los temas; o en Hay palabras de movimiento refinadas en la vida diaria, u otras danzas hermanas toman prestado vocabulario de danza y técnicas implícitas para formar un estilo heroico diferente al ballet clásico, que se denomina "ballet contemporáneo" y "ballet moderno". Por ejemplo, "El destacamento rojo de mujeres", que es una variación del tema, describe la historia de China en los últimos treinta años, por lo que se denomina "Ballet moderno", que significa ballet que teje la vida moderna. Los cambios de tema provocan inevitablemente cambios de forma. El "Destacamento Rojo de Mujeres" ha sido aceptado como material de danza para el pueblo chino. Dependiendo del contenido del programa, gran oportunidad. Según los conceptos estéticos modernos, la combinación de acciones es anormal.

Las obras de ballet que han cambiado significativamente la forma original del ballet tradicional incluyen "ballets sinfónicos" con coreografía sinfónica (como serenatas y conciertos), así como obras que adoptan el estilo, las técnicas y los movimientos de la coreografía de danza moderna. (por ejemplo), y (recopila cambios de vestuario para hacerlos más sofisticados, tan sofisticados que solo uses ropa de entrenamiento de baile en el escenario).

Obras representativas: “Pájaro de Fuego”, “La Consagración de la Primavera”, “Bailarina de los Tiempos”.