Tres direcciones creativas para cortometrajes de animación
En los llamados producción de animación Antes, suele haber una breve (o algo dolorosa) "operación de preproducción" (remake en inglés y japonés: fase de preparación). Las operaciones de preproducción se refieren a los preparativos para iniciar la producción. Pero ¿qué pasa con el frente de preproducción?
La parte frontal del sistema es "planificación" (japonés: etapa de planificación)
Hay dos tipos de "planificación". La primera es que en la reunión de planificación anual, el jefe de una empresa de animación (inglés: jefe, productor ejecutivo, japonés: presidente, planificación) o un gran productor con algo de voz ve un cómic muy interesante y famoso o pensó que sería Era bastante rentable hacer una animación, así que llamé al agente que representaba los cómics o novelas involucradas en el caso para ver si se habían vendido los derechos para producir una animación. De lo contrario, comenzará con "duración y duración". Si ve la palabra "original" al comienzo de la animación, probablemente pertenezca a este tipo.
El otro tipo es el director (inglés un rector, japonés: supervisor) o el animador de la empresa de animación que sienten que no dibujan ni envían el manuscrito a tiempo. Sería interesante hacerlo. una animación, para que comiencen a escribir sobre ellos mismos el plan y luego se lo entreguen al jefe. Afortunadamente, si el plan se lleva a cabo, el jefe o el productor buscarán financistas... ah, no, los patrocinadores se unirán para responder al gran plan. Si ve la palabra "proyecto original" al comienzo de una animación, probablemente pertenezca a este tipo.
Ps: No preguntes qué hacer si la negociación falla o el plan falla. La respuesta es sencilla: si la negociación fracasa, busque el próximo objetivo; si el plan fracasa, redacte otro plan.
La segunda vez: después de que la negociación sea exitosa o se apruebe el plan.
Hablemos primero del siguiente paso de la empresa de animación si se aprueba el plan original.
Las empresas de animación básicamente no tienen los fondos para producir obras de animación de forma independiente (ya sea TV u OVA), por lo que cuando una empresa de animación quiere crear obras originales, lo más importante es proponer un plan para el patrocinador (*1). Ver si está interesado en invertir. Si el patrocinador no está interesado en el nuevo plan de trabajo propuesto por la empresa de animación, o cree que el producto (*2) no tiene valor de mercado, entonces este plan nunca verá la luz al 100%.
En comparación con el caso original, la planificación de la animación de la obra original (*3) suele ser más fácil de conseguir a través de los patrocinadores. Debido a que el trabajo original básicamente tiene una base de clientes fija (*4), los patrocinadores están más seguros psicológicamente y más dispuestos a invertir en adaptar el trabajo original a la animación y vender productos relacionados para recuperar su inversión.
Entonces, ¿de qué forma se presenta este plan a los patrocinadores?
Las productoras estadounidenses primero harán películas piloto. La llamada película piloto se refiere a la esencia del cortometraje y es la principal arma de los patrocinadores para persuadir la inversión. Sin embargo, en Japón, las empresas de animación a menudo no tienen los fondos para producir películas piloto y suelen presentar propuestas o guiones a los patrocinadores en formato impreso. Por lo tanto, el guión podrá completarse antes del trabajo de preproducción. Porque cuanto más comprenda el patrocinador los "puntos interesantes" del trabajo original, más probabilidades habrá de impresionarlo y obtener fondos para la producción.
*1: Patrocinador-Patrocinador. Suele referirse a productoras de cine y televisión, como Bandai Vision, Pioneer LDC o Kind Record… etcétera. Tradicionalmente, las productoras de cine y televisión tienen que producir obras de animación, y las productoras de animación son simplemente subcontratistas. Las productoras de animación tomaron la iniciativa de ofrecer planes de financiación de la producción sólo en los últimos diez o veinte años.
*2. Mercancía: Es innegable que cualquier obra de cine y televisión de entretenimiento es una mercancía. No es difícil de entender si se miran las obras de animación o películas populares.
*3. Texto original: incluye cómics, videojuegos y novelas.
*4. Grupo de clientes: dibujantes populares, novelistas o entusiastas de los videojuegos.
Tercera vez: Cómo calcular los gastos de producción
Teóricamente, el procedimiento de cálculo es muy sencillo.
Supongamos que una empresa de cine y televisión estima que una obra de animación (un DVD de 30 minutos) puede vender 1.000 juegos, y luego supongamos que un DVD se vende por 4.000 yenes, 1.000 juegos x￥4.000 =￥4.000.000 juegos .
Los 4 millones de yenes son el coste de producción.
Los fondos asignados al departamento de producción están todos incluidos en estos 4 millones de yenes. Por ejemplo, presentaremos directores de animación, estilistas de personajes, animadores de guiones gráficos, animadores de cámara principal, animadores de base, diseñadores musicales, editores de color, diseñadores de empaques, etc.
De esta forma calcular el coste se vuelve muy sencillo. Pero, de hecho, cómo estimar cuántos decorados puede vender una obra de animación depende de la experiencia en ventas del productor de cine y televisión, la popularidad del director de animación, el encanto del diseñador de personajes y la popularidad del actor de doblaje. Estos factores humanos dificultan la estimación de los costos de producción. Por ejemplo, cada película de animación dirigida por un director famoso establecerá un récord de taquilla para las películas japonesas y ganará premios en festivales de cine internacionales, por lo que los fondos de producción aportados por los patrocinadores serán mucho mayores que para otras obras. Con suficientes fondos de producción, puede agregar más tomas, invitar a actores de doblaje (o actores) famosos y equipos de producción musical para aumentar la visibilidad del producto y el efecto publicitario. Si es un novato y no tiene "rendimiento", es posible que los fondos sean menores. Dado que la empresa de cine y televisión no tiene un punto de referencia con el que comparar (el desempeño de los recién llegados), será más cautelosa a la hora de invertir en este nuevo proyecto.
Adoración
Respuesta
58.25.124.*Segundo Piso
Cuarta vez: Tarea 1 de preproducción: Guión (* 1 )
En la imagen siguiente, hemos explicado aproximadamente varios pasos importantes antes de hacer la tarea. A partir de este punto comenzamos a explicar uno a uno el proceso de trabajo de preproducción. Como puedes ver, el primer paso y el más importante es "escribir el guión". Todo el diseño de personajes (*2), diseño mecánico (*3), diseño artístico (*4) y director deben componer las tomas según el guión. Por tanto, no importa qué tipo de planificación, el guión juega un papel muy importante en el proceso de producción.
Mencionamos por segunda vez que es posible que el guión se haya completado durante la etapa del proyecto. En ese caso, ¿se volverá a revisar el guión una vez aprobado el plan? Depende de las opiniones del productor y director. En la imagen de la izquierda, puedes ver los tres caracteres "Productor" (*5). Los productores son responsables del éxito o fracaso de una obra animada. Entonces, si el productor tiene un problema con el guión (no es lo suficientemente atractivo), el guionista (*6) modificará el guión. Por supuesto, si el director tiene opiniones sobre el guión y el productor está de acuerdo con la opinión del director, entonces las modificaciones al guión son inevitables. Además, aunque el director no esté de acuerdo con el guión preliminar y el productor crea que no es necesario modificarlo, el guión no será modificado.
Las empresas de animación general no tienen guionistas exclusivos y la mayoría invita a escritores independientes (algunos de estos escritores son SOHO y otros crean estudios con varios escritores de ideas afines, como los famosos estudios Orphy). para escribir el manuscrito. La razón por la que no se contratan escritores exclusivos es porque los guiones no son un departamento que se necesita durante todo el año. Entonces, si es necesario, simplemente firme un contrato de proyecto con el guionista. Sin embargo, algunas productoras de animación tradicionales con una larga trayectoria todavía tienen sus propios departamentos de redacción.
Escribir guiones no es una cuestión sencilla. A diferencia de una novela, todas las acciones y sentimientos de los personajes deben ser descritos en detalle por un espectador. Por ejemplo, un personaje está enojado. Debido a que cada uno está enojado de diferentes maneras, es necesario no sólo describir cómo está enojado, sino también describir sus acciones con gran detalle para ilustrar el carácter y las características del personaje (por ejemplo, Taro está furioso = Taro aprieta los puños y su los ojos se convierten en una línea, cómo el sudor gotea de la frente, cómo el fuego en la cabeza se enoja...). Y los buenos guionistas son raros.
Nota:
*1. Guión-Inglés: escena, guión
*2. Diseño de personajes→Inglés: diseño de personajes.
*3. Diseño de Modelado Mecánico - Inglés: Diseño Mecánico
*4 Diseño de Arte - Inglés: Antecedentes
*5. Productor Inglés
*6. . Guionista - Inglés: Guionista
Sección 5: Tarea 2 de Preproducción: Trabajo del Director (*1)
El director es el líder de todo el equipo de producción de animación. No existe un punto de referencia determinado en la industria de la animación japonesa para juzgar las calificaciones de un director. Actualmente, todos los directores famosos tienen diferentes procesos para convertirse en director. Algunos de ellos cambiaron de carrera desde la industria cinematográfica, algunos comenzaron como animadores, algunos son guionistas y directores, y algunos son directores empezando desde cero. En términos generales, la mayoría de los directores en las primeras etapas de la animación comenzaron como gerentes de producción (*2) que han estado involucrados en la producción de animación durante muchos años y luego ascendieron a directores o cambiaron de carrera a la industria cinematográfica.
Pero con el paso del tiempo, la mayoría de los directores de animación comenzaron como animadores. Lo bueno de ser director es que puedes decidir la dirección de tu trabajo. Pero como el director decide todo y el trabajo está ocupado, el éxito o el fracaso del trabajo depende del director. Por lo tanto, no todos los involucrados en la producción de animación aspiran en última instancia a convertirse en directores. Sin embargo, para una persona que quiere ser director, no importa en qué trabajo empiece, no es difícil siempre que tenga determinación.
El siguiente es el contenido general del trabajo real de los directores:
1 Operaciones de preproducción:
* Completar el guión con el autor del guión y. productor.
*Tener reuniones con estilistas de personajes, estilistas mecánicos y diseñadores de arte para finalizar los casos de diseño.
*Perspectiva de producción (*3) (a veces producida por el asistente de dirección)
2 Durante el proceso de producción, discuta la dirección de producción de cada episodio con el asistente de dirección (*4. ).
3. Operaciones de postproducción:
*Edita la película con el editor
*Guía a los actores de voz y efectos de sonido para crear el efecto ideal.
*Síntesis de imagen y sonido.
4. Participar en todas las actividades publicitarias.
Nota:
*1. Director - Director en inglés Japonés: Kanntoku
*2. Gerente de producción en inglés y Gerente de producción en japonés (Seisaku Shinnkou)
*3. Asistente de dirección - Inglés: Asistente de dirección, Director de episodio Japonés: Ennshutu.
*4. Vista dividida: Inglés: Storyboard Japonés:
*5. Aquí me gustaría responder a una pregunta planteada por un lector:
Pregunte: " ¿Cuánta mano de obra y recursos materiales se necesitan para producir una animación? ”
Respuesta: Una animación OVA simple de 26 minutos requiere al menos 150 personas. En cuanto a recursos materiales, presentaremos a los 150 miembros principales de producción uno por uno.
Ciclo seis: operación de preproducción tres: guión gráfico (*1) y trabajo de asistente de dirección (*2)
La siguiente es la vista en perspectiva de Japón (principalmente mesas horizontales en Europa y América, puedes echarle un vistazo en el proyecto "Animación" del sitio web estadounidense de Cartoon Network (Studio Tour). Una perspectiva es simplemente un "guión presentado como una imagen". El tiempo que tardas en dibujar una imagen reflejada depende de tu progreso. Se necesitan 3 semanas para completar un promedio de 26 minutos de animación. No es necesario dibujar los personajes correctamente en el dibujo en perspectiva, siempre que el personal de postproducción pueda entenderlo. Aun así, antes de que el artista original (*3) confíe en los guiones gráficos para dibujar correctamente las tomas requeridas por el asistente de dirección de cada episodio, el artista del guión gráfico aún necesita practicar el modelado de personajes de cada obra y comprender las características de la obra de antemano. .
Es común ver que el artista del storyboard y el asistente de dirección son la misma persona. La razón es sencilla. Porque el diseñador de los dibujos (artista del storyboard) suele ser la persona que mejor comprende los efectos y las magníficas dotes interpretativas necesarias en cada plano para resaltar mejor el encanto de la obra. Por lo tanto, los guiones gráficos suelen ser obra del asistente de dirección.
El subdirector básicamente comparte la carga del director. Ya sea una serie OVA de varios episodios o una serie de animación para televisión de 26 episodios, es imposible que un director se ocupe de todos los detalles de producción. Entonces cada serie animada tiene un puesto de asistente de dirección que gestiona la producción de animación de cada episodio. La mayoría de los directores son responsables de los importantes primeros y últimos episodios. El contenido del trabajo del asistente de dirección es básicamente el mismo que el del director, excepto que no es responsable de los guiones de preproducción, los borradores de diseño y las actividades publicitarias de posproducción. Sin embargo, dado que el director es el comandante general de toda la obra, antes de que el asistente de dirección sea responsable de la producción de cada episodio, las escenas secundarias dibujadas por el asistente de dirección deben ser aprobadas por el director antes de que el trabajo pueda ser asignado oficialmente. al animador original para la producción.
Respuesta
58.25.124.*Tercer piso
Nota:
*1 Vista dividida: Inglés: Storyboard
*2. Asistente de dirección - Inglés: Asistente de dirección, Director de episodio Japonés: Ennshutu.
*3. Animador original-inglés: animador de fotogramas clave japonés: genga.
Séptimo Ciclo: Preproducción Tarea 4: Trabajo de Diseño de Personajes (*1) y Diseñador de Personajes (*2)
La animación es una actividad colectiva que requiere una estrecha colaboración. Por eso, además de un buen guión, un director experimentado y buenos trabajos son, por supuesto, factores importantes que la hacen más atractiva. Por primera vez en esta unidad, explicamos que existen dos tipos de obras de animación: obras originales y casos originales. Entonces los diseños de personajes son diferentes.
Cuando el manga original se adaptó a la animación, debido a que los personajes y el vestuario ya estaban finalizados, no fue necesario más diseño. Pero, ¿por qué cada animación original sigue marcada con "diseño de personaje original" y "diseñador de personaje de animación"? En primer lugar, los cómics son obras estáticas, debido a que el número de cuadrados es pequeño, las líneas y el vestuario de los personajes pueden ser más complicados para profundizar la belleza y la impresión de la obra. Sin embargo, al hacer animación, mantenerse fiel a las líneas de los personajes originales extenderá el tiempo de dibujo y de producción (y más dinero), por lo que es necesario simplificar las líneas de los personajes originales. En segundo lugar, los personajes de anime no tienen que estar coloreados ni tienen que conectar cada línea. Sin embargo, la animación requiere coloración, por lo que es necesario mejorar el modelado original del personaje y conectar todas las líneas para que el colorista (*3) pueda colorearlo. En tercer lugar, algunos personajes de anime originales no son adecuados para obras de anime. Por razones de eficiencia de producción, coloración, modelado de animación y otras razones, la animación original necesita contratar a un diseñador de personajes de animación.
El diseño de personajes para animación original es una tarea creativa y ardua. Cuando los casos de diseño de personajes originales fueron entregados al diseñador de personajes, solo eran instrucciones escritas y verbales del director (*4). Por lo tanto, el diseñador solo puede confiar en el guión y su propia capacidad de dibujo para diseñar personas de la nada que puedan complementar el encanto de la historia y dejar una profunda impresión en las personas. Además, también debemos considerar la cuestión de la eficiencia de la producción y no dibujar personajes con líneas demasiado complicadas. Por lo tanto, incluso los estilistas experimentados pueden tardar un poco (*5) en finalizar el estilo.
El diseño gráfico del trabajo de preproducción está completo (consulte el diseño gráfico que figura en el sitio web del proyecto Hades). Se entregará al artista original para que realice el trabajo de dibujo de cada toma. El diseño de un personaje se puede dividir en tres tipos: diseño de vestimenta, diseño de expresiones faciales y diseño de decoración local. Todos los diseños generalmente se dividen en expresiones frontales, laterales, posteriores y especiales (enojado, triste o sonriente, etc.) para que el artista original los simule.
¿Cómo convertirse en diseñador de personajes? Según el diseñador senior de AIC, "Es muy simple. ¡Sigue practicando dibujo!"... Bueno... no es tan simple. Para la misma persona, el estilo de pintura de cada uno es diferente, algunos son muy atractivos y otros pasan desapercibidos. Realmente se necesita práctica y perfeccionamiento todo el tiempo para lucir diferentes estilos, como dicen. Y el hecho de que un personaje femenino o simplemente un animal pueda dibujarse bien no necesariamente los convierte en diseñadores de personajes animados. Una condición importante para un diseñador de personajes es poder dibujar una amplia gama de personajes especificados en la obra. En otras palabras, la capacidad de dibujo del diseñador debe ser lo suficientemente flexible para cumplir con los requisitos de cada obra. Si puedes cumplir plenamente con los requisitos de la productora y los personajes originales que diseñas son lo suficientemente atractivos, puedes convertirte en un diseñador de personajes de animación llamativo.
La foto de arriba muestra las herramientas que necesita un diseñador de personajes. Una mesa de dibujo, un lápiz, una goma de borrar y una pila de papel blanco son el equipo más básico. Además, un espejo es imprescindible, porque a veces es necesario mirarse en el espejo para dibujar los movimientos y partes de los personajes. Otros libros de referencia y herramientas de dibujo dependen completamente de las necesidades de cada diseñador de personajes y no se describirán en detalle aquí.
Nota:
*1. Estilista de personajes → Inglés: Diseño de personajes
*2. Estilista de personajes → Inglés: Diseñador de personajes
*3. Colorista → Artista inglés Japonés: Shi
*4. Según la experiencia del editor, los requisitos del director para el modelado de personajes no son muy claros, por ejemplo: “Este personaje debe ser tanto adulto como pequeño. El encanto de la niña es un poco lindo pero no demasiado lindo, eso es todo, aun así, los diseñadores más hábiles pueden dibujar la forma ideal
*5. Un diseñador rápido y bueno puede enviar el borrador básico para su revisión en una semana, mientras que un diseñador lento y bueno puede tardar más. El tiempo promedio de finalización es de un mes. Pero depende completamente de la situación del caso de producción.
Respuesta
58.25.124.* 4to Piso
Octavo Ciclo: Tarea 5 de Preproducción: Trabajos de Diseño Mecánico y Diseñador de Fondo
Hace muchos años, no había estilistas mecánicos dedicados, en su mayoría diseñadores de personajes o animadores que fueran buenos en motores. Diseñado por diseñadores Desde "Space Battleship Yamato" hasta "Gundam", realmente se ha posicionado como un diseñador de plástico mecánico profesional. .
Los diseñadores mecánicos deben considerar muchos factores en la animación para diseñar el modelado mecánico requerido para cada animación. En primer lugar, normalmente hay que hacer muchos deberes para cumplir con los diversos requisitos de diseño que conlleva. En segundo lugar, se debe diseñar un modelo mecánico de una línea de producción "adecuada" teniendo en cuenta las fechas y cronogramas de producción. Las llamadas líneas "apropiadas" se deben a que si hay muchas líneas, aunque el robot o la nave espacial se vea bien, el animador tardará relativamente mucho en dibujar una toma. Pero si hay muy pocas líneas, el robot parecerá demasiado simple y le faltará coraje, por lo que es muy importante crear líneas adecuadas al diseñar. Al final, el estudio de cada mundo animado consiste en comprender y diseñar un guerrero mecánico o una nave espacial que pueda cumplir con los requisitos del director.
Para convertirte en estilista mecánico debes tener conocimientos de diseño industrial y ser muy aficionado a la maquinaria (como coches, motos, aviones, barcos… siempre que sean de metal).
Los diseñadores de fondos tienen una larga historia en comparación con el modelado mecánico. Ha habido diseñadores de fondos profesionales desde la era de los cómics en blanco y negro. Los diseñadores de fondos básicamente quieren dibujar "agradable, rápido y hermoso". Por eso vuelvo a ello una y otra vez en esta unidad. El tiempo de animación es limitado y no hay mucho tiempo para dibujar lentamente, por lo que los populares estudios de diseño de fondos artísticos profesionales se mueven rápidamente para cumplir con los plazos de entrega ajustados. ¿Cómo convertirse en diseñador de fondos? Esto es lo mismo que dar forma a personajes y estilistas mecánicos. Tienes que amar el dibujo y poder dibujar bien incluso estando acostado (un poco exagerado, pero el tiempo apremia en la industria de la animación y hay muy pocos diseñadores que puedan trabajar en cualquier momento pero son bastante populares). En cuanto a habilidades o herramientas,
Nota:
*1. Modelado mecánico→Inglés: Diseño mecánico
*2 Diseño de fondo→Inglés: Arte de fondo<. /p>
El noveno ciclo: Trabajo de preproducción 6: Diseño de color (*1) y asignación de color (*2)
Después de completar todo el modelado de personajes y el diseño de modelado mecánico, el director y modelado El diseñador debe trabajar con el diseñador de color para finalizar el color del personaje (pelo, ropa para diversas ocasiones, o el color del caparazón del robot, etc.). El diseño de color debe coincidir con el tono de toda la obra (fondo y). personalidad) para diseñar el color del personaje. Una vez finalizado el borrador del color, los especificadores de color especifican tipos de color más detallados.
Hace muchos años, antes de la coloración por computadora (*3), se usaba pintura de acuarela para diseñar colores sobre papel blanco (como se muestra a la izquierda). La mayoría de los colores de las pinturas de acuarela no los prepara la propia empresa de producción, sino que se diseñan en función de las tarjetas de colores y los tipos de colores ya preparados que proporciona la empresa de pinturas. La razón por la que no coloreo yo mismo es simple, porque después del diseño del color, un colorista todavía necesita colorear. Si te coloreas tú mismo, es difícil para un colorista nombrar el mismo color. Por supuesto, si el director lo solicita y los fondos lo permiten, la productora puede pedirle a la empresa de pintura que produzca los colores requeridos, los embotelle y los distribuya a los coloristas. Debido a que la empresa de pintura especifica el tipo de color antes del proceso de diseño del color, los diseñadores de color han servido como especificadores de color durante años. Y los colores de muchas animaciones tienen el mismo aspecto.
En la actualidad, el diseño del color de la animación y la distribución del color se completan mediante software (como se muestra a la derecha). El software utilizado por la empresa (¡animo y RETAS son software de animación populares en Japón! PRO) son diferentes. Siempre que sea un software de procesamiento de imágenes, se puede utilizar para el diseño de color. Cabe señalar que cada software procesa el color de diferentes maneras, por lo que se debe especificar el mismo software para la gradación de color cuando se entrega al colorista. Además, debido a la digitalización de los métodos de producción y la libertad de selección de colores, la gama de opciones de configuración de colores actuales se ha ampliado y se pueden configurar colores más refinados y diversos.
Tanto los diseñadores de color como los distribuidores de color comienzan como coloristas. Ascendido a diseñador de color o diseñador de color después de uno o dos años (dependiendo de las calificaciones individuales). La mayor diferencia entre los diseñadores de color y los especificadores de color es que los diseñadores de color sólo necesitan establecer el color básico (el color bajo la luz solar normal, como se muestra a la izquierda). El colorista también debe trabajar con el asistente de dirección para configurar en detalle otras luces y colores necesarios para el episodio (anochecer, noche, luces especiales... etc.). ) Como el diseño de color y las especificaciones de color de la animación, se requieren conocimientos sobre el procesamiento del color de imágenes. Debido a que la calidad de la imagen y el color que muestra cada equipo fotográfico son diferentes, si no diseñamos y especificamos sin una comprensión integral, el color que se muestra en la pantalla del televisor tendrá un gran impacto en la pantalla de la computadora y reducirá el encanto de la pantalla. trabajar.
Por lo tanto, los coloristas de base necesitan uno o dos años para familiarizarse con el proceso operativo real antes de poder ascender a coloristas y luego a diseñadores de color.
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