El secreto del animador: leyes del movimiento
Por lo general, decimos honestamente que el fondo está bien y que los personajes tienen contornos, ¡porque los fondos simplemente no son suficientes! Por el contrario, la dificultad para dibujar figuras detalladas aumentará considerablemente. Pero en realidad creo que hay otra explicación: la animación es más importante que la ley del movimiento. La dificultad radica en la ley de la animación, y las líneas son el mejor medio para dibujar la ley de la animación.
Las llamadas leyes de animación en realidad significan literalmente "las leyes de los objetos en movimiento".
Creo que todo el mundo pensará que en la vida se deben seguir unas reglas de ejercicio. Si necesitas el patrón de movimiento de algo, grábalo con tu teléfono móvil o cámara de alta velocidad e investiga un poco. Esto es cierto, pero no todas las acciones se pueden encontrar en la vida. Como la creación de nuevos personajes en animación, como el elefante antropomórfico de abajo. Es poco probable que encuentres un elefante en tu vida que pueda caminar como un humano. En este momento, es necesario comprender algunas reglas de los deportes para crear una imagen creíble.
En cuanto a las leyes del movimiento, los predecesores han resumido términos relacionados relativamente completos para que los aprendamos. Dominar estos conceptos no solo puede ayudarnos a mejorar la eficiencia del dibujo, sino que también desempeña un papel determinado a la hora de juzgar la calidad de un trabajo de animación.
Echemos un vistazo a los términos profesionales relevantes de las leyes del movimiento:
Las líneas en movimiento, como su nombre indica, son líneas auxiliares de tendencia que pueden expresar las tendencias dinámicas de los objetos en movimiento. Son las líneas principales que expresan las características de los movimientos. Estilo de variación de la línea central de temática deportiva.
La definición parece complicada, pero puedes entenderla mirando la imagen de arriba. Las líneas en movimiento son más importantes en la pintura. Pueden expresar claramente el estado y la tendencia del movimiento del sujeto, ayudar a los diseñadores a captar la amplitud y el impulso de los movimientos en su conjunto y desempeñar un papel muy importante en el diseño, la modalidad y la expresión de los gestos.
Al dibujar líneas dinámicas, debes prestar atención a: captar los puntos clave: las líneas dinámicas generalmente se expresan en la relación entre cambios de gran volumen en el movimiento humano. Al dibujar el costado de un personaje, las líneas dinámicas a menudo se reflejan en un lado del contorno exterior; al dibujar el frente de un personaje, las líneas dinámicas resaltan los cambios en la columna y las extremidades.
La exageración es una técnica de expresión basada en el principio de deformación, que exagera el grado de deformación de una acción y prolonga el tiempo de deformación, para que ese momento pueda dejar una profunda impresión en el público. Incluyendo deformación elástica, deformación inercial, etc.
La exageración en la animación no se refiere a movimientos e imágenes más grandes, sino al estudio en profundidad de los movimientos para expresar plenamente las cosas contenidas en ellos, como los efectos del movimiento, la intensidad y la textura, las emociones y los personajes.
En otras palabras, la exageración no puede ser arbitraria. Además de coincidir con el estilo general de la película, su forma y grado también dependen de las características de acción de la escena actual.
El significado de este concepto es que en el proceso de dibujar animación, la duración de cada animación durante la acción debe organizarse razonablemente de acuerdo con el efecto y propósito que la acción quiere lograr. Este concepto también se utiliza para describir el tiempo narrativo general de una película y el tiempo que ocupa cada plano.
El arreglo razonable es en realidad mostrar la razón interna del movimiento. Por ejemplo, ¿el movimiento de la moneda en la imagen de arriba es un movimiento de velocidad variable o el patrón de movimiento de la moneda de arriba? Si se mueve según las siguientes reglas, podemos saber de un vistazo que se mueve a una velocidad uniforme. Las razones intrínsecas de los dos modos de movimiento deben ser diferentes.
Como se puede ver en el ejemplo anterior, la distribución del tiempo de la animación determina la velocidad y el ritmo de la animación, como aceleración, desaceleración, súper rápido y súper lento.
Siempre podemos resumir aquí una regla. Los factores que afectan el ritmo de la acción son la distancia del mismo objeto en fotogramas adyacentes, el tiempo necesario para recorrer esa distancia y la amplitud de la acción. Cuanto mayor es la distancia, menor es el número de fotogramas (el número de fotogramas necesarios para recorrer esta distancia), mayor es la deformación y más rápida es la velocidad.
La pausa es relativamente sencilla, es una parada brusca durante el ejercicio.
¿Para qué sirve la pausa? Se trata de crear un efecto dramático para expresar mejor las escenas de acción con contraste estático.
La existencia de pausas es sólo para expresar mejor el "movimiento" y no hace que la audiencia se dé cuenta (hay pausas en la animación. Si no se maneja bien, la audiencia muchas veces pensará que la animación es atascado), por lo que es necesario hacer que el público piense de una manera intrigante.
Recuerde no hacer pausas sin sentido durante movimientos continuos o movimientos giratorios, ya que esto puede afectar fácilmente la coherencia general de los movimientos.
Diferentes tiempos de pausa pueden producir diferentes ritmos de movimiento. Para evitar que el público juzgue mal, se pueden agregar movimientos sutiles cuando la acción principal continúa haciendo una pausa para aumentar el atractivo artístico.
La animación en bucle se refiere al proceso de filmar el mismo grupo de acciones varias veces, es decir, colocar el inicio y el final de la acción en el mismo lugar, como correr algunas vueltas en el estadio, generalmente Se repite varias veces entre el inicio y el final de las acciones, formando un conjunto de ciclos.
La animación en bucle resuelve principalmente acciones repetitivas, como los movimientos de los animales en la imagen de arriba. Incluso si estas acciones se repitieran dos o tres veces, no sería obvio que el equipo de producción fuera flojo, lo que alivió parte de la carga de los animadores.
Existen dos tipos de animaciones en bucle, uno es un bucle que no tiene nada que ver con el fondo, y el otro es un bucle que está relacionado con el fondo (con cierta interacción con el fondo).
Esta es en realidad una técnica de exageración en animación, que significa expresar la dirección y magnitud de la fuerza a través de la deformación de objetos bajo la acción de una fuerza externa, y exagerar el grado de deformación para enfatizar el efecto de la fuerza. . El efecto se muestra en la siguiente figura.
La deformación de la animación en realidad presta más atención al efecto de movimiento general que a cada efecto de animación. Por ejemplo, en la guerra entre Payne y Naruto en el anime Naruto, la expresión de Payne es casi inútil, pero no afecta la suavidad general de los movimientos.
Por lo que los Estiramientos por Condensación pueden ser no anatómicamente correctos para mejorar la expresión. Pero no puedes hacer lo que quieras. Como se mencionó anteriormente, la expresión y el grado de transformación dependen de la naturaleza de la acción de la escena en cuestión y coinciden con el estilo general de la película.
La trayectoria del movimiento se refiere a la ruta del movimiento del sujeto y la trayectoria del movimiento de cada parte en movimiento. Es un bosquejo del efecto del movimiento.
La trayectoria del movimiento puede indicar si el movimiento es suave. Diseñe la trayectoria de movimiento de la acción y luego determine la pintura original en función de la posición espacial del cambio de velocidad, lo que puede evitar la inconsistencia entre el efecto de animación y el entorno de la imagen.
Estudiar la secuencia de movimiento y la trayectoria de los objetos al mismo tiempo ayudará a expresar el peso del personaje.
En física, estos dos conceptos en realidad sólo pueden expresarse mediante el concepto de "aceleración". La aceleración se refiere al cambio en la velocidad de un objeto después de que se somete a una fuerza. La aceleración no refleja simplemente el fenómeno de la velocidad real, sino que existe para resaltar el efecto de la acción, haciendo que la acción sea rápida, ordenada y rítmica. Al mismo tiempo, también es útil retratar las emociones del personaje (cuando el estado de ánimo es feliz, la aceleración del personaje es mayor de lo normal).
El manejo de la aceleración de las acciones, como se mencionó anteriormente, implica el número de cuadrículas de animación, la distancia y el ritmo de amplitud dinámica. Al mismo tiempo, el inicio y la finalización de la acción deben manejarse correctamente para reflejar el encanto de la acción (elegante y grosero).
La acción preparatoria se refiere a la acción sugerida que es opuesta a la acción principal, pero no simplemente extiende el tiempo de la primera imagen al comienzo de la acción, sino que permite que la acción atraiga a la audiencia. antes de que comience la acción. Los movimientos preparatorios van desde cambios en la expresión del personaje hasta grandes movimientos preparatorios de todo el cuerpo, como se muestra en la siguiente imagen.
Las acciones preliminares sirven principalmente como presagio, permitiendo al público prestar más atención a la acción principal, enfatizando lo repentino y los efectos posteriores. Al mismo tiempo, también puede realzar el peso del personaje y hacer que la acción sea más interesante.
Se refiere al proceso de movimiento del objeto. Antes del invierno y el verano, los apéndices del sujeto realizan movimientos siguientes que no están sincronizados con el sujeto pero en la misma dirección. A menudo, el sujeto cambia primero su estado de movimiento y la posesión se retrasa durante un período de tiempo para expresar el peso de la posesión y la velocidad del sujeto, dando al movimiento una cualidad poética. Esto es en realidad inercia.
Al dibujar la siguiente acción de un objeto, primero debemos considerar el tiempo de retraso de la siguiente acción y luego considerar la independencia de la siguiente acción, es decir, la amplitud de la acción principal y la textura. (material) del seguidor; finalmente, considere el efecto artístico de seguir la acción, es decir, el efecto artístico de exagerar adecuadamente para enriquecer la acción.
Se refiere al proceso de detenerse lentamente cuando un sujeto en movimiento deja de moverse repentinamente porque vence la inercia, por supuesto también por la inercia.
Se caracteriza por paradas bruscas al acelerar. Una señal importante es que la dirección del centro de gravedad del cuerpo forma un ángulo pequeño, al menos menos de 90 grados. La acción de amortiguación incluye tres enlaces: retroceso, balanceo y finalización.
Los anteriores son términos profesionales relacionados con las leyes del movimiento. Comprender estos conceptos, incluso si no quieres ser animador, puede ayudarte a comprender los detalles de la animación y a sentir el cuidado y la atención que se le presta. Debería haber más contenido relacionado en el futuro. ¡Hasta la próxima!