Fondo de pintura al óleo del sol Miro 1967

De lo moderno a lo contemporáneo: la evolución de las formas pictóricas

Nº: 0160

Valoración: 140.000-180.000.

Número: 0161

Identificación: 110000-150000.

Nº: 0162

Estimación: 60.000-80.000

Nº: 0163

Tasación: 150.000-180.000.

140000 a 180000

El tamaño de la imagen es 55×38,5 cm; incluido el tamaño del marco 71×54 cm

09:00 - 20:00

Beijing Asia Hotel

Nombre de la subasta

Reunión especial de la subasta

Beijing Asia Hotel

Hay una firma y un número en la parte inferior Esquina izquierda de la descripción Marcado en la barra en la parte posterior del marco. Introducción al artista: Max Agustini, un maestro del color impresionista contemporáneo, nació en París, Córcega, en 1914. Cuando todavía era estudiante en la Escuela de Bellas Artes de París, mostró un talento extraordinario para las técnicas impresionistas. Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, se unió al ejército para luchar. Pero pronto se convirtió en prisionero de guerra y pasó tres años en prisión. Después de la guerra, trabajó durante muchos años en Chateauroux, en el centro de Francia. Comenzó a llamar la atención del público por su destacado talento para la pintura, especialmente el retrato y el paisaje. Posteriormente se trasladó a la localidad de Gargills en Provenza y se instaló allí hasta su muerte en 1997+0. Unos días antes de ser ingresado en el hospital, continuó pintando y dejó una serie de cuadros extraños. Agustino es considerado en todo el mundo como el mayor colorista de su tiempo. Siempre le ha apasionado representar París, Creze o el Sur, comprometido con la creación de un mundo pacífico y feliz, al margen de las diversas escuelas artísticas que lo acosaron en el siglo XX. Mantuvo estrechos vínculos con pintores del movimiento del realismo poético, entre ellos Maurice Brianchon Shaw y Roland Udot. Siguió pensando, tratando de mantenerse alejado de las preocupaciones mundanas que perturbaban la vida, dejando sólo un agudo sentido. Usó el ritmo de la luz, la sombra y el color para expresar el tema del amor: los campos y jardines de Giverny, los viñedos de Provenza, el puerto, la playa y la naturaleza muerta. Antes de su muerte, realizó numerosas exposiciones de arte en París. Li Chunhua, paisajes acuáticos, campos de lavanda, campos primaverales, ramos y otras obras lo sitúan entre los impresionistas contemporáneos más destacados. En sus obras, suele utilizar pinturas al óleo brillantes para representar flores llenas de vida y vitalidad. En su opinión, el ramo representa la concentración de felicidad y esperanza. Sus cuadros nos muestran años felices. El nombre del artista se menciona en algunos libros de arte profesionales relevantes. 1998 Se publica el álbum de la exposición retrospectiva de Max Augustinini "El misterio de la creación - Catálogo de la exposición retrospectiva de Max Augustinian". Este álbum contiene 797 obras de este maestro impresionista contemporáneo. Introducción a la obra: El tiempo tallado es tiempo congelado, y el cálido tono amarillo nos recuerda la dulce calidez. La mesa amarilla hace eco del fondo amarillo claro, y las flores rojas y amarillas de la botella hacen eco del estampado rojo y amarillo de la botella. Toda la imagen es perfecta y tierna, como si conmemorara un hermoso amor, siempre nostálgico y dulce como la miel. El marco es un marco tallado en madera de Mongolia-Panas, las esquinas y el centro del marco están decorados con una capa beige de laca con diseño de lirios. Hecho a mano en París en los años 40. En perfecto estado y con un estilo elegante, complementa la propia imagen. Esta obra cuenta con certificado de tasación emitido por Gilbert POLVERELLI, tasador autorizado por el Tribunal Francés de Bastia y miembro de la Asociación de Peritos de Tasación de Antigüedades, Muebles y Pinturas. Vida del artista: 1914: Nace en París. Su padre murió poco antes de su nacimiento y al comienzo de la guerra. Ingresó en la Escuela de Bellas Artes de París, donde mostró su talento para la pintura impresionista. En su juventud, Agustino pintó murales en la iglesia de San Damián Alz en Córcega. En 1942, fue encarcelado y enviado a Prusia Oriental con otros amigos pintores que también eran prisioneros de guerra. Max Augustinian (sentado, en el centro) trabajando en un retrato: reclutado en el ejército, encarcelado durante la guerra y pasó tres años como prisionero de guerra. :Regreso a París y comienza la vida errante de un artista. Fui a Chateauroux, en el centro de Francia, para crear paisajes y retratos de oficiales de la guarnición estadounidense. Max Agustini creó un retrato del Sr. AS en Gargilles, en el sur de Francia.

Tras su muerte, el Sr. AS, que se había refugiado en esta localidad durante la guerra, donó el retrato al Ayuntamiento de Caguiles para su exposición permanente. 1969: Conoció al ex subastador Pierre Martin Kaye y firmó un acuerdo de agencia exclusiva con él. La Galerie Martin Kaye de Aix-en-Provence, dirigida por Jeanne Griinberg, es la distribuidora exclusiva de esta obra. La galería atrajo la atención y el aprecio mundial por su trabajo. 1970: Agustino viajó a Provenza, en el sur de Francia, durante un año. Durante los primeros seis meses dibujó y creó paisajes de primavera y verano, y durante el invierno trabajó en el estudio de Kez. 1997: Max Augustinian Junio ​​65438 + Octubre 1998: Se publica el álbum de la exposición retrospectiva de Max Augustinian, que incluye 797 obras de este pintor impresionista contemporáneo. El color es uno de los dos elementos básicos de la pintura. Mediante el uso del color, los artistas no sólo pueden usar su imaginación ilimitada, sino también expresar ricas emociones. Los diferentes colores también pueden brindar diferentes experiencias visuales al público e inspirar diferentes emociones. Los dos trabajos siguientes son una buena comparación. Las dos pinturas son un óleo sobre lienzo de Max Augustinian (izquierda) y un óleo sobre papel de Milo Vakic (derecha). Todos describen el mismo tema: bodegones florales. Las composiciones de los dos cuadros también son muy similares: el artista compuso los cuadros desde una perspectiva frontal, con el jarrón colocado en el centro del cuadro, y los colores uniformes abstraían el fondo, los ramos en el jarrón eran altos y rectos; y se pueden ver frescas y jugosas. Las flores son en su mayoría rojas y amarillas. La composición simple es en realidad una reutilización de las tradicionales composiciones de bodegones de flores, es decir, la composición típica de las pinturas de bodegones holandeses del siglo XVI, cuando las flores se convirtieron por primera vez en un tema independiente (en la foto, obra del pintor holandés de los siglos XVI y XVII, Jan Bruegel el Viejo) Escrito en 1603). Claramente, el color era más importante para ambos pintores que la composición, y ambos querían centrarse más en el color. De hecho, esto también es cierto. "Sculpting Time" de Max Agustini utiliza el amarillo como color principal: la superficie plana sobre la que se coloca el jarrón es amarilla y se utiliza una gran superficie de amarillo claro en el fondo. Incluso las ramas verdes y las flores rojas se mezclan con mucho amarillo. La imagen completa está dividida en dos partes: la parte superior de la imagen es una flor compuesta de rojo, amarillo y verde; el primer plano en la parte inferior de la pantalla también está compuesto de pétalos, hojas y un fondo de rojo, verde y amarillo. Se hacen eco entre sí de modo que el centro de gravedad de la imagen se distribuye uniformemente hacia arriba y hacia abajo. El jarrón azul en el medio conecta las partes superior e inferior, y los patrones florales rojos y amarillos del jarrón forman una transición de color y composición. El artista busca el equilibrio cromático y la armonía pictórica mediante el uso repetido de diferentes colores en el espacio. Blue Romance de Milo Vacchi parece similar a Sculpting Time de Max Augustinian, pero lo que Milo Vacchiz busca no es el equilibrio de colores, sino el juego de contrastes entre ellos. El artista utilizó los tres colores primarios: rojo, amarillo y azul. El color verde que representa las ramas y las hojas en realidad está mezclado con pintura azul, que no es obvia y casi se mezcla con el color del fondo. Este es también el arreglo deliberado del artista. En lugar de utilizar el color para representar el patrón floral, el pintor juega un atrevido juego de colores al representar las flores. Al abordar la relación entre los tres colores primarios de la imagen, el artista explora el movimiento de los colores en el espacio y los efectos visuales resultantes. Y la relación entre estos colores no es equilibrada, sino degradada: el fondo y el jarrón forman una gran zona azul, seguida de una flor roja semicircular, intercalada con dos cuadros amarillos, y un poco de amarillo esparcido por todas partes. La relación entre los tres colores (rojo, amarillo y azul) es a la vez proporcionada y contrastante. Los diferentes colores también evocan diferentes emociones en la mente del espectador. El tiempo escultórico de Max Agustini aporta entusiasmo y calidez a través de muchos amarillos y rojos. El color azul en "Blue Romance" de Milo Vakic se asocia con la tristeza o la tranquilidad. El movimiento y la quietud crean un contraste interesante. Recuerdos del pasado: una selección de bodegones al óleo de famosos artistas franceses. El tiempo vuela como el agua. En la magnífica novela "En busca del tiempo perdido", el escritor francés Proust registró el recuerdo de un ser querido con murmullos en sueños. Entre ellos, la alegría, la tristeza, la melancolía y el desamparo combinan lo que el escritor escucha, piensa y siente. Más que registrar un recuerdo, es mejor decir que registra un proceso de autorreconocimiento, mezclado con los recuerdos y la imaginación del autor. De hecho, ¿no es la memoria de cada uno de nosotros? La memoria no es simplemente el pasado, es la encarnación de un determinado sentimiento, está llena de anhelo.

Recordar el pasado es buscar recuerdos profundamente enterrados, perseguir sentimientos lejanos... Después del excelente proyecto de pintura de paisajes franceses de la primavera, muy aclamado, Autumn Photography presentará un fascinante grupo de famosas naturalezas muertas francesas. Todos se sentirán profundamente atraídos por sus asombrosas habilidades y su temperamento profundo y comedido. Comencemos este viaje artístico con "En busca del tiempo perdido", que fue creado en 1890 y simboliza la vida onírica en los hermosos años de París. El artista Brunel fue uno de los maestros realistas franceses de los siglos XIX y XX. Nacido en París en 1852, es famoso por sus bodegones y pinturas de animales. En particular, su representación del gato en la tumba dio lugar a que su obra se emitiera como sello. Su estilo es una sutil mezcla de academicismo e impresionismo. Del 65438 al 0879, Brunel, que sólo tenía 27 años, se hizo miembro de la Asociación de Artistas Franceses y comenzó a participar en las exposiciones de arte organizadas por la asociación. La primera obra expuesta es el bodegón "Manzanas y uvas". Desde entonces hasta 1909 sus obras pudieron verse en las exposiciones de la Sociedad. Se convirtió en miembro cooperativo de la asociación en 1907. Los bodegones de frutas son una característica importante de la creación de Brunel. Es capaz de representar vívidamente diversos materiales y sus contrastes, como el suave brillo de las superficies de las frutas y las texturas únicas de vasijas como cestas de mimbre o loza, especialmente a través de su dominio del color y la luz. Además, Brunel describe muy bien la textura y el brillo de las latas de cobre. Sus habilidades en este ámbito se citan a menudo como ejemplo. Esta canción "Reminiscencias del tiempo perdido" es como un poema sobre la vida, exquisito y hermoso. Estos bodegones al óleo de gran tamaño son raros, lo que también refleja la gran intención del artista. Cabe mencionar especialmente que en marzo de 2010, esta obra, como ejemplo de obras clásicas europeas, fue reconocida en el "Seminario de apreciación del arte clásico francés y arte clásico europeo" organizado por la Fundación para el Desarrollo Cultural de Beijing y presidido por el profesor Zhu Qingsheng. El profesor Nai de la Academia Central de Bellas Artes y el profesor Zhang Qian de la Academia de Bellas Artes de Tsinghua lo elogiaron. Como el trabajo más recomendado en este tema, lo discutiremos en profundidad en capítulos posteriores. Augustinian, pintor francés de Córcega, ciudad natal de Napoleón, nació en París en 1914. Cuando todavía era estudiante en la Escuela de Bellas Artes de París, mostró un talento extraordinario para las técnicas impresionistas. El mayor pintor del color de su tiempo, siempre quiso representar París, el Cres o el Sur, comprometido con la creación de un mundo pacífico y feliz, y no se dejó influenciar por las diversas escuelas artísticas que lo acosaron en el siglo XX. Estuvo estrechamente asociado con pintores del movimiento del realismo poético, incluidos Maurice Brianchon Shaw y Roland Udot. Siguió pensando, tratando de mantenerse alejado de las preocupaciones mundanas de una vida turbulenta, dejando sólo un agudo sentido. Usó el ritmo de la luz, la sombra y el color para expresar el tema del amor: los campos y jardines de Giverny, los viñedos de Provenza, el puerto, la playa y la naturaleza muerta. Realizó numerosas exposiciones de arte en París durante su vida. Li Chunhua, paisajes acuáticos, campos de lavanda, campos primaverales, ramos y otras obras lo sitúan entre los impresionistas contemporáneos más destacados. Este conmovedor "tiempo tallado" es tiempo congelado, y el cálido tono amarillo nos recuerda la dulce calidez. La mesa amarilla hace eco del fondo amarillo claro, y las flores rojas y amarillas de la botella hacen eco del estampado rojo y amarillo de la botella. Toda la imagen es perfecta y tierna, como si conmemorara un hermoso amor, siempre nostálgico y dulce como la miel. En 1998, los herederos del artista publicaron la colección completa del artista, en la que se incluía esta obra. La "Canción del Errante" de Amelio evoca nuestro anhelo por la libertad de los gitanos. El artista nació en Sanremo, Italia. Su infancia sin preocupaciones en la Costa Azul le dio una sensibilidad natural a los cambios de luz y color de la región mediterránea. Comenzó a aprender pintura en el sur de Francia, y los temas de sus creaciones en ese momento eran principalmente los paisajes del sur de Francia. Del 65438 al 0938, Amelio viajó al norte, a Montmartre, el centro de arte mundial de esa época, para continuar con sus actividades artísticas. El Distrito de Arte de Montmartre se convirtió en su residencia principal en sus últimos años y en la cuna de su crecimiento artístico. Construyó un estudio en el número 23 de la rue Crouzer en Montmartre. Aunque Amelio afirmó ser un pintor autodidacta, sus pinturas en realidad se beneficiaron en gran medida de sus contactos y profundas amistades con muchos artistas famosos de la época. Conoció a muchos artistas de vanguardia en París, entre ellos Picasso, los pintores cubistas Jacques Veron, Jean-Paul Francois Gall, Van Dongen y el pintor futurista Severini. Todos estos son pintores representativos del postimpresionismo, la pintura abstracta y el futurismo. Después de convertirse en miembro de la Asociación de Artistas Franceses, Amelio participó regularmente en las exposiciones de la asociación.

En la Feria Internacional de Arte de 1938, se ganó el aplauso del público con su obra "Notre Dame de Rouen" y obtuvo el primer honor de su vida, que consagró sus logros en la pintura. El famoso crítico de arte francés Marcel Guicheteau dijo de Amelio: "Las obras de este artista están siempre llenas de fantasía. Sus composiciones armoniosas, colores suaves y pinceladas delicadas lo convierten en un poeta entre los pintores. Diccionario de artistas francés Benezit (página 266). ) contiene una breve biografía de Amelio, dos firmas comunes y otra información. Un año antes de su muerte, la famosa galería Ceres organizó una exposición retrospectiva en su honor. Las obras de Melio Amelio se encuentran en colecciones públicas y privadas de todo el mundo. En el mercado del arte francés, sus pinturas al óleo realizadas al aire libre utilizando técnicas impresionistas tradicionales siguen siendo las preferidas. "Play" es una obra típica de finales del siglo XIX y principios del XX y procede de la colección de un castillo belga. Durante los "Buenos Tiempos" en Europa, la aristocracia desarrolló un nuevo arte de vida familiar. Por un lado, la relación entre hijos y padres vuelve a ser el núcleo de la familia. Por otro lado, en las familias aparecen mascotas –gatos y perros– que juegan con los niños. Como resultado, los pintores también comenzaron a utilizar las familias como temas, y los niños y las mascotas se convirtieron gradualmente en sus temas de pintura favoritos. Esta obra es una obra representativa del pintor belga Bellevue, que expresa los intereses de los niños a través de las mascotas. El cachorro de la imagen parece el hijo mayor de la familia y los tres lindos gatitos también pueden considerarse sus tres hermanas. Las escenas cuidadosamente concebidas hacen que la gente sienta una atmósfera cálida, relajada y divertida. La pincelada del pintor es delicada y el pelaje de los perros y gatos tiene una textura esponjosa que hace que la gente quiera acariciarlo. Esta cálida pieza es casi un símbolo de la buena vida y esperamos que a un coleccionista le guste tanto como a su propio cachorro o gatito. Emilia Delacroix es una de las representantes del grupo juvenil. Utiliza un método creativo casi original para aportar un estilo personal único a sus obras. La pintura parece estar apilada directamente sobre la pintura, espesa y desigual, dando a la obra una sensación escultórica tridimensional. El color es un color primario apenas mezclado que es fácil y completo de usar. Su estilo vuelve a lo básico, sencillo y directo al corazón, sin ninguna técnica de alarde. Como una infancia inocente, limpia y sencilla, sin ninguna sofisticación. Las alcatraces dan visualmente a los espectadores una fuerte sensación de alivio. Curiosamente, todos queríamos la obra de Picasso, pero Picasso amaba más la obra de Delacroix. Visitó con frecuencia el estudio de la artista en el sur de Francia y coleccionó muchas de sus obras. Casualmente, el famoso Clark Gable es también una de las muchas celebridades que colecciona sus obras. Este proyecto también incluye una obra de gran escala, "Leisure Time" del artista Remy Hutto. Pero en comparación con "Recuerdo de las cosas pasadas" de Brunel que presentamos anteriormente, es más ligero y desenfrenado. El fondo de la imagen tiene principalmente tonos claros y relativamente elegante, pero los objetos están llenos de colores más brillantes. La composición tiende a la abstracción. Aunque el artista expresa la profundidad de la imagen apilando objetos delante y detrás, reduce la presencia de la perspectiva y hace que todos los objetos parezcan suspendidos en el mismo plano. Al mismo tiempo, la forma de cada objeto es deliberadamente geométrica, se parecen más a símbolos. En comparación con otras obras, las naturalezas muertas de Hutto son abstractas, desenfrenadas, arbitrarias y caprichosas. El artista, graduado de la Ecole Nationale des Arts Décoratifs, pasó su vida experimentando con diferentes técnicas. Esta pieza tiene el efecto de un fresco y es inolvidable. Imagínese cómo sería sentarse en el cómodo sofá del salón, sentado en la pared de enfrente, tomando una taza de café aromático y admirando esta obra... Antes de introducir esta "meditación", tenemos que hablar del artista. McCree primero. Este hombre que alguna vez fue considerado una leyenda en Montmartre tuvo una vida dura, pero en los años más difíciles aún no se olvidó del arte y usó colores brillantes para representar su anhelo de vida. Su buen amigo Yutrillo dijo una vez que McCray fue el último artista en Montmartre. Esta "contemplación" es un retrato fiel de la actitud del artista ante la vida. Nos trae un estado de ánimo feliz con colores brillantes. La composición de la obra no es complicada. El objeto sobre la mesa no ocupa una gran superficie del espacio del marco, pero lo sentimos muy cerca de nosotros, como un primer plano. Las tres frutas en primer plano son llamativas y de colores brillantes. El toque de rojo en la esquina superior izquierda parece no tener nada que ver con el fondo verde, pero hace eco del color rojo de la fruta y equilibra la imagen. La botella de porcelana del centro tiene una forma ligeramente redonda y es resistente.

Visto desde lejos, se convierte en el protagonista de la imagen, no sólo ocupando la posición central, sino también formando un contraste brillante pero discreto con todo el entorno con su frío color azul. Si no lo piensas, la "meditación" es simplemente un adorno de una vida tranquila, un boceto que refleja nuestro elegante estado de ánimo interior como un espejo, ¡pero es un vino espiritual dedicado a la humanidad por un alma devastada! Al recordar a McCray, nuestros corazones se llenan de compasión y respeto. El trabajo más poderoso sobre este tema es "Marca" de Pushkin. Colores ricos y pinceladas fuertes, con marrones, negros y rojos intensos dominando la imagen. El contorno de cada objeto se enfatiza nuevamente con gruesas líneas negras. El negro es un color misterioso, un color simbólico que absorbe la luz, es impredecible y misterioso y esconde un poderoso poder explosivo. Por eso las hojas del cuadro parecen semillas, ásperas y fuertes, preñadas de la vitalidad que está a punto de explotar. El resultado de la creación artística siempre está íntimamente relacionado con el proceso y la experiencia vital del artista. Si se sabe que escapó de un campo de prisioneros de guerra y atravesó Polonia caminando para regresar a casa, no es difícil entender por qué sus obras contienen tanta fuerza. Sus bodegones utilizaron el expresionismo. Todo está rodeado de negro, lo que lo hace resaltar y llamar la atención en la pantalla. Contiene las características de la nación germánica y de la nación francesa, con diferentes poderes expresivos. Esto también puede tener algo que ver con Picasso: cofundaron Loris durante 7 meses. Considerándolo todo, este es un trabajo extraordinario y extraordinario. Milo Vakic es un artista francés de origen yugoslavo. Las líneas afiladas, como cuchillos, de su rostro son inolvidables. Después de la Segunda Guerra Mundial, llegó a Francia y comenzó a crear pinturas con el expresionismo como estilo principal. Sus obras contienen una especie de tensión y pasión bohemia, líneas fuertes e imágenes poéticas, que interpretan los diversos estilos del París de los años cincuenta y sesenta después de la guerra. El artista finalmente se instaló en la Costa Azul, donde el paisaje se convirtió en su tema favorito. En la década de 1990, Vakitz se convirtió en presidente de la Sociedad para la Defensa de las Artes Plásticas. También es un buen amigo del famoso artista francés Hans Hartung, el escultor César y el famoso escultor Omán. Ver su romance azul da a la gente una impresión intensa e intensa. El artista mezcló los tres colores: rojo, amarillo y azul. En lugar de utilizar el color para representar el patrón de las flores, el pintor juega un atrevido juego de colores al representar las flores. El contraste de colores es fuerte y apasionante, como el enfrentamiento entre el hielo y el fuego. La pluma del pintor también es angulosa, y cada trazo es como un fragmento afilado, especialmente el fondo azul, como un trozo de cristal roto. ¿Es esta una confesión emotiva triste y decisiva? Solía ​​​​ser feroz y feroz, con el amor y el odio claramente definidos. Al final, solo quedó la angustia de "Andrew y Jun se rechazaron, para que no se extrañaran de vida o muerte". La pintura al óleo sobre el papel emite un brillo metálico de color azul intenso, guiándonos a la respuesta final. Contribuido por: Miembros del grupo de expertos del Departamento de Pintura Occidental: Philippe CINQUINI, Zhu Cui, doctorado en historia del arte de la Universidad Charles de Gaulle en Francia, Xiao Jie, maestro en historia del arte de la Universidad de Montreal, Canadá, proyecto de arte Maestría en planificación y gestión en la Universidad Blaise Pascal Le de Francia.