Comprensión del arte renacentista europeo

Arte Renacentista

El arte del periodo de incipiente y desarrollo inicial del capitalismo en Europa del siglo XIV al XVI

Se produjo por primera vez en Italia y alcanzó su punto máximo, y luego se extendió a los Países Bajos, Francia, Alemania, el Reino Unido, España y otros países, extendiéndose por toda Europa.

Concepto

Etimología y definición La palabra Renacimiento proviene del italiano rinas-

cita, que significa regeneración o renacimiento. En el siglo XIV, la burguesía emergente consideraba la cultura de la Edad Media como un oscuro retroceso, mientras que la cultura clásica de Grecia y Roma era un modelo de luz y desarrollo, y trató de revivir la cultura clásica, lo que resultó en el surgimiento de "La El término "Renacimiento" se utiliza como un buen nombre para la nueva cultura. Esta formulación apareció en las obras del poeta F. Petrarca y del novelista G. Boccaccio y fue popular en los siglos XV y XVI.

En 1550, G. Vasari lo utilizó oficialmente

como nombre de la nueva cultura en sus "Biografías de celebridades en el Jardín del Arte". Esta palabra fue traducida al francés renacentista y se volvió común en los países europeos después del siglo XVII. En el siglo XIX, los historiadores occidentales lo consideraron además como un término general para la cultura de Europa occidental de los siglos XIV al XVI. Marca la primera etapa del desarrollo histórico y cultural de la Europa moderna.

Logros y significado Aunque el Renacimiento se caracteriza por el estudio de la música clásica, de ninguna manera es una simple restauración. En esencia, es la creación de nueva literatura a través del estudio de la música clásica.

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Cambiar. El arte clásico de Grecia y Roma ha quedado bastante dañado debido a la destrucción prolongada en la Edad Media. Aunque se han hecho esfuerzos para restaurarlo, los beneficios aún son limitados. Sin embargo, la gente del Renacimiento no se limitó a imitar a los clásicos, sino que adoptó su espíritu.

Las formas específicas del arte clásico son ciertamente inspiradoras, pero lo más importante es que podemos aprender de ellas los métodos del realismo y las ideas democráticas de la sociedad clásica. El arte controlado por la Iglesia en la Edad Media era básicamente irrealista, y la teología religiosa lo abarcaba todo. El nuevo arte antifeudal del Renacimiento tenía como objetivo principal implementar el realismo y encarnar ideas humanistas que se oponían al ascetismo religioso, y fue precisamente en el arte clásico; que estos dos aspectos se han convertido en buenos maestros y amigos útiles para el nuevo arte. Por tanto, el estudio del arte clásico en el arte renacentista es diferente de la tendencia de retrospección e imitación de la antigüedad en otras épocas; también es diferente del fenómeno ocasional del uso habitual de formas clásicas en el arte medieval; En relación con esto, desde la perspectiva del rasgo esencial del realismo, parte del arte del Renacimiento temprano en Europa occidental (como el arte holandés), aunque no ha habido mucho desarrollo en el aprendizaje del arte clásico, también debe considerarse como un arte nuevo.

Los métodos realistas y las ideas humanistas del arte renacentista están estrechamente integrados en

la práctica creativa. El humanismo enfatiza la sublimidad de la naturaleza humana y la perfección integral del cuerpo y la mente, otorga importancia a la vida real secular y se opone a la autoridad teológica y los privilegios feudales. Los personajes verdaderos y perfectos y las escenas realistas vívidas y ricas creadas por el nuevo arte pueden encarnar mejor esta idea y producir las reacciones más amplias e intensas. Además, en las condiciones específicas de aquella época, la creación de arte nuevo era una forma cultural más fácil de aceptar para las masas y la burguesía emergente, por lo que el arte se convirtió en la parte más popular de los representantes de la cultura renacentista, y los resultados son los mejores. abundante.

El arte renacentista es la fuente del arte occidental moderno. Su estilo básico y sus técnicas de expresión constituyen la principal tradición del arte occidental moderno, y su influencia es de gran alcance. En términos de artes plásticas, toma como máxima prioridad los faxes realistas y crea técnicas de expresión basadas en teorías científicas e investigaciones prácticas, como la anatomía humana y las reglas de perspectiva, lo que le permite alcanzar una nueva cima después del arte clásico. técnicas Es fundamentalmente diferente del arte oriental y de todo el arte premoderno. En términos de arte arquitectónico, su primera tarea es la restauración de la tradición arquitectónica clásica y, al mismo tiempo, se centra en explorar las leyes racionales de la belleza arquitectónica, estableciendo así una forma modelo de arquitectura occidental moderna que ha durado cientos de años. años. En términos de identidad social y formación profesional, los artistas del Renacimiento también experimentaron una evolución desde la Edad Media hasta los tiempos modernos. Entre los siglos XIV y XV, los artistas todavía estaban organizados en gremios y equivalían a artesanos, y sus habilidades se enseñaban en talleres desde maestros hasta aprendices.

A partir del siglo XVI, se produjeron cambios graduales. Los artistas se convirtieron en miembros de la clase intelectual similar a los tiempos modernos. Los gremios se convirtieron en sociedades o academias de arte. Se reconocieron las personalidades de los artistas, sus talentos personales y sus características estilísticas. A partir de esta época también comenzaron a surgir biografías, reseñas e investigaciones de historia del arte sobre el artista.

El trasfondo del arte renacentista escénico fue el feudalismo europeo

El surgimiento de la incipiente economía capitalista dentro de la sociedad, la prosperidad de la industria y el comercio urbanos

y su Relativa independencia o autonomía política. En la etapa final de la Edad Media, la situación anterior era más evidente en dos lugares de Europa occidental: Italia en el sur, especialmente Florencia y los Países Bajos en el norte, incluidos los actuales Países Bajos y Bélgica; En el siglo XVI, Francia, Gran Bretaña y España establecieron un poder real nacional unificado, y también se desarrolló la economía urbana. El poder real y la clase civil tenían una cierta alianza para oponerse al separatismo feudal, y el arte renacentista se extendió allí. Según las condiciones específicas de los distintos países y regiones, las etapas de desarrollo del arte renacentista varían: en Italia (con Florencia como principal representante), se puede dividir en tres etapas: el período inicial (siglo XIV), el período temprano ( siglo XV) y el período alto (siglo XVI). En los Países Bajos, hay dos períodos: el siglo XV y el siglo XVI; en Francia, Gran Bretaña, Alemania, España y otros países, es principalmente el primer período en el siglo XVI. siglo, que generalmente ya no está subdividido. En el siglo XVII, el arte barroco sucedió al renacimiento en varias partes de Europa occidental. Dado que el arte barroco hereda muchas tradiciones del Renacimiento, algunas personas en el pasado también lo clasificaron en la categoría de arte renacentista, creyendo que todo el arte occidental hasta el siglo XIX pertenecía a la etapa del Renacimiento. En la actualidad, se cree generalmente que hubo nuevas creaciones en los siglos XVII y XVIII, y todas ellas pueden ser independientes y diferentes del Renacimiento.

Panorama del desarrollo

Italia Ya en la segunda mitad del siglo XIII, surgió una nueva tendencia artística en el centro de Italia, centrada en Florencia

Sa, que significó que La transición del arte medieval al

arte renacentista.

Representantes de este período se encuentran el pintor Cimabue y el escultor N. Pisa

No. El púlpito del Baptisterio de Pisa, terminado por este último en 1260, se considera la primera obra renacentista que imita el estilo clásico. Aunque el estilo romano es infantil, revela el comienzo de una nueva era.

N. Pisano: Aula del Baptisterio de Pisa

En el período inicial posterior a Cimabue, la Escuela Florentina de Pintura se convirtió en la escuela más importante de la Nueva Belleza

Surgió en el siglo XIV. gran artista Giotto. El arte de Giotto tiene una clara tendencia realista. Aunque sus obras son de temática religiosa, comenzaron a expresar verdaderamente escenas de la vida secular y a prestar atención a la profunda relación entre el espacio.

< La expresión tridimensional de p>sistemas y personajes encarna de manera destacada las características básicas del arte renacentista que combina realismo y humanismo

. Después de Giotto, Buda

La Escuela de Lorenzo tuvo muchos miembros e influyó en toda la región de Toscana. En cuanto a escultura, a Pisano le siguieron su hijo G. Pisano y el escultor y arquitecto florentino Arnolfo Di Cambio (1232-1302), bajo el liderazgo de

G. Pisano, dos importantes proyectos constructivos en Florencia. Se iniciaron:

El Edificio del Ayuntamiento y la Catedral, el primero se construyó entre 1299 y 1311, y el segundo se inició en 1296 y no se concluyó hasta mediados del siglo XV.

Giotto: "El beso de Judas"

A principios del siglo XV, el arte renacentista italiano entró en una etapa de vigoroso desarrollo, siendo Florencia todavía el mayor centro, pero también importantes escuelas. surgió en otras regiones. A principios del siglo XV, el arte florentino alcanzó su punto culminante en la arquitectura y la escultura. El arquitecto F. Brunelleschi fue pionero en la investigación actual de las ruinas clásicas y en el uso de técnicas clásicas y de columnas, después de completar la cúpula de la Catedral de Florencia.

Catedral, construyó la Iglesia Infantil (1419) y la Capilla Pazzi de la Santa Croce

(1430～ 1440), etc., con amplios espacios y proporciones armoniosas, creando el Renacimiento. estilo arquitectónico.

También inventó el método de pintura en perspectiva, que provocó una revolución en el arte plástico. El escultor Donatello, que viajó a Roma con Brunelleschi para una excursión, hizo todo lo posible por seguir las técnicas realistas del arte clásico y se dedicó a estudiar el cuerpo humano. Crear imágenes de desnudos perfectos, como ". David". Otro

Un escultor florentino, L. Ghiberti, dedicó toda su vida a realizar las dos puertas de bronce del Baptisterio de Florentia

La artesanía es exquisita. Uno de ellos es conocido como la Puerta del Cielo y presenta el primer uso de la perspectiva en el arte en relieve. El pintor florentino Masaccio utilizó los resultados de las personas mencionadas en la pintura. Por primera vez, utilizó métodos científicos para componer y colorear las figuras. Los personajes son sólidos, majestuosos y llenos de humanismo. Después de él, Florencia tiene un gran número de talentos, produciendo muchos maestros de primer nivel, como F. ​​Angelico, P. Uccello, F. Lippi, A. del Castagno, A. Bolaioolo, S. Botticelli, D. Ghirlandaio et al. . Todos continuaron con la tradición de combinar realismo y humanismo desde diferentes ángulos. Sus estilos eran majestuosos y hermosos, cada uno con su propio énfasis, presentando una escena impresionante de flores floreciendo. Prestaron atención a la perspectiva espacial y al modelado sólido de los personajes. , y hacía buen uso de las líneas. Así se conocen como florentinos las características singulares de las figuras representativas de la escuela de pintura. El teórico del arte y arquitecto L.B. Alberti también tiene un estatus especial en el círculo artístico florentino. Sus libros "Sobre la pintura" (1435), "Sobre la arquitectura" (1452) y otros son las obras teóricas más importantes del nuevo arte.

Angelico: "Lamentación de Cristo"

Botticelli: "Libelo"

Bajo la influencia de Florencia, aparecieron varios pintores en el centro de Italia Grande

Artistas: la pintora Francesca, el escultor J.della Quilcia y

los discípulos del primero L. Signorelli y Melozzo da Forley. Las esculturas de Guercha son simples, majestuosas y únicas; las pinturas de Melozzo da Forli son más elegantes y refinadas basadas en el estilo riguroso de su maestro, con verdaderos sentimientos. Otras escuelas de pintura se formaron en las zonas adyacentes a Florencia: la Escuela de Siena y la Escuela de Umbría. La Escuela de Pintura de Siena alcanzó su mayor prosperidad en el siglo XIV, y su fundador, Duccio di Bonincensena, alcanzó una reputación comparable a la de Giotto, sólo en términos de realismo. Ligeramente conservador, entre los representantes del siglo XV se encuentran Sassetta y otros. Ong

El principal representante de la Escuela Buria es el maestro de Rafael, Perugino, cuyo estilo es tranquilo y elegante; el otro representante es Pintoriccio, quien utiliza el color brillante y hermoso, su arte fue; muy popular en Roma.

El Movimiento de Arte Nuevo también se lanzó en el norte de Italia en el siglo XV. El primer maestro fue Pisanello, que era bueno dibujando, con un estilo elegante y bueno grabando escudos de armas. El maestro posterior fue A. Mantegna, experto en perspectiva y famoso por su estudio de las reliquias culturales clásicas. Impulsadas por ellos e influenciadas por Florencia, aparecieron también en el norte dos escuelas de pintura: la Escuela de Fralla y la Escuela Veneciana. Los principales representantes de la Escuela Frala son C. Tula y F. Cosa, que sirvieron en la corte del Duque de Frala

y triunfaron con magnificencia decorativa. Escuela de Pintura de Venecia, siglo XV

Los representantes son Bellini y su hijo. Aunque la Escuela de Pintura Veneciana comenzó tarde, su futuro era ilimitado. Con los esfuerzos de Giovanni Bellini, la Escuela de Pintura Veneciana se había desarrollado plenamente a finales del siglo XV. Aprovechó las características del color y fue la. Fue el primero en dominar las técnicas de pintura al óleo entre las escuelas italianas. Ha superado a todas las escuelas locales y tiene la fuerza y ​​​​el impulso para competir con Florencia.

El arte italiano alcanzó su apogeo en el siglo XVI.

Antes de esto, el arte renacentista del siglo XV básicamente había completado la tarea de dominar los métodos de expresión realistas y el conocimiento científico de las reglas de perspectiva y la estructura humana.

Es bastante rico. Sobre esta base, los artistas del siglo XVI pudieron concentrarse

en la creación de modelos artísticos.

Es más, aunque los maestros del arte de esta época habían alcanzado un nivel más alto en logros y habilidades artísticas, el ambiente de la época se estaba volviendo cada vez más turbulento. La economía italiana estaba estancada y la ciudad estaba en ruinas. Es difícil mantener la paz y la política, y las invasiones militares extranjeras son frecuentes. Ante la realidad plagada de crisis, los artistas están inevitablemente llenos de contradicciones en su pensamiento, y la gran creación artística requiere que el autor comprenda la realidad.

Luchó tenazmente contra la corriente. Por lo tanto, el siglo XVI preparó excelentes condiciones y presentó requisitos estrictos para los maestros del Renacimiento. Fue esta compleja situación la que produjo el arte que brilla a través de los siglos.

Los tres principales representantes del arte del Alto Renacimiento son L. Leonardo da Vinci,

Miguel Ángel y Rafael. Los dos primeros fueron artistas florentinos. Aunque Rafael estudió en la Escuela Ambria, completó principalmente sus estudios en Florencia y formó su propio estilo artístico. Pero las actividades de los tres no se limitaron a Florencia. Miguel Ángel y Rafael actuaron principalmente en Roma. Leonardo da Vinci estuvo en Milán en los primeros tiempos y en los últimos años viajó a Francia. Su arte también representó a Italia en un ámbito más amplio. escala de logros nacionales. La característica de Leonardo da Vinci es que combinó arte y ciencia. Fue a la vez un gran artista y un gran científico. El procesamiento típico del arte y la profundidad de la investigación científica estaban estrechamente integrados y se complementaban entre sí. Ideas y comprensión de la realidad. Sus técnicas artísticas han mejorado mucho en comparación con las de sus predecesores. Sus obras maestras como "La Última Cena" y "Mona Lisa" son conocidas como las primeras pinturas famosas del mundo. Miguel Ángel dejó obras maestras en escultura, pintura y arquitectura que mejor representan el nivel del Alto Renacimiento. Sus personajes son majestuosos, vigorosos, tenaces e infinitamente poderosos, mostrando el inusual procesamiento ideal del artista basado en el realismo y convirtiéndose en un símbolo típico de toda la época. Rafael es famoso por su estilo hermoso y elegante, composición armoniosa y estado de ánimo natural, especialmente por la creación más exitosa de la imagen de la Virgen. Su estatua de la Virgen encarna lo sublime de lo ordinario y es conocida como la encarnación de la belleza y la perfección, que encarna más plenamente el ideal del humanismo. Además de las artes plásticas, los tres se han dedicado a la concepción y práctica del diseño arquitectónico. Leonardo da Vinci admiró la estructura de la sala de la cúpula central, Rafael admiró el estilo clásico riguroso y armonioso y Miguel Ángel presidió el Santuario en sus últimos años. La cúpula de la catedral diseñada durante el proyecto de construcción de la Basílica de San Pedro se convirtió en el modelo para todos los edificios con cúpulas en Europa y Estados Unidos en el futuro.

Miguel Ángel: "David"

Además de los tres principales representantes mencionados anteriormente, el Renacimiento en el Alto Renacimiento fue muy importante en la arquitectura, la pintura

pintura y escultura También hay muchos artistas famosos, y sus creaciones juntas constituyen el estilo típico de la tradición del arte occidental moderno, que ha sido popular durante cientos de años.

Los representantes de la arquitectura son D. Bramante y A. Palladio, quienes la imitaron más a fondo en los detalles

forma y estilo general que en el siglo XV La arquitectura clásica de Grecia y. Roma no es inmutable, pero sabe utilizar formas clásicas con ideas humanistas y ganar con proporción, armonía y elegancia. Bramante, al igual que Leonardo da Vinci, se dedicó al estudio de la estructura ideal de un edificio central, creyendo que era el más adecuado para encarnar las ideas humanistas de la Basílica de San Pedro.

Decidió abandonar la tradicional forma de cruz y adoptarla. una sala central con cúpula

Catedral. Sin embargo, murió tan pronto como se rompieron la tierra y los muros para este importante proyecto. La finalización fue la tarea central de la arquitectura italiana en los dos siglos siguientes (la gran cúpula se completó). de Miguel Ángel también formó parte). La encarnación práctica de los ideales arquitectónicos de Bramante es el pequeño templo de la Iglesia de San Pedro Mondolio en Roma (1502~

1514), con su columnata circular clásica Equipada con una cúpula, es de pequeña escala pero majestuosa.

y se ha convertido en una rara obra maestra en la historia de la arquitectura mundial. Palladio dejó un rico legado para las generaciones futuras tanto en la práctica arquitectónica como en los escritos teóricos, y su influencia fue de gran alcance. Su obra maestra, la Villa Rotonda (1550), tiene un diseño simétrico, con una columnata clásica a cada lado de la casa y una cúpula en el centro.

Conserva su armonía y elegancia cuando se ve desde lejos y de cerca, y es una gran inspiración para la futura comunidad arquitectónica occidental.

En cuanto a la pintura, entre los representantes del estilo clásico se encuentran los pintores florentinos F. Bartolomeo y A. de Salto. Aunque el primero era sacerdote, no escatimó esfuerzos en absorber nuevos estilos. Estaba profundamente familiarizado con la composición equilibrada y el uso suave del color de Leonardo da Vinci. Sus obras tienen un impulso tranquilo, una disposición sutil y una iluminación uniforme, su "La boda". de Santa Catalina" (1512) es considerada la obra maestra de la Escuela Florentina; esta última es conocida como el pintor impecable y es considerado por sus contemporáneos impecable tanto en composición como en forma. En referencia al grado de perfección, la La obra representativa "Happy Madonna" es famosa por su pureza y sublimidad y es considerada un modelo del estilo clásico. Al mismo tiempo que ellos, P. di Cosimo estaba lleno de ocio y diversión, y le gustaba pintar obras humorísticas con temas mitológicos. Encontró un nuevo camino en la escuela florentina de pintura y se hizo propia. Además, el trabajo a largo plazo de Leonardo da Vinci en Milán también promovió el desarrollo del nuevo arte local, formando la Escuela de Pintura de Milán. Las actividades de Miguel Ángel y Rafael en Roma dieron origen a la Escuela Romana.

Otra escuela con resultados más fructíferos durante el Alto Renacimiento fue la Escuela Veneciana. En el siglo XVI aparecieron sucesivamente cuatro grandes maestros: Giorgione, Tiziano,

Tintoretto y P. Veronese, especialmente la creación de Tiziano durante 70 años

A través de sus actividades, la Escuela de Pintura Veneciana adquirió una prestigiosa reputación en toda Europa. Venecia

Todos los pintores de la escuela de pintura apuestan por el color, pero cada uno tiene su estilo personal. Por ejemplo, el poético de Giorgione, el culturismo y la riqueza de Tiziano, la inmensidad de Tintoretto

flexibilidad, la opulencia y el lujo de Veronese, etc., son todos diferentes entre sí. El ángulo tocó la nota más fuerte de lo nuevo

.

. Debido a la excelencia de las técnicas de pintura al óleo de la Escuela veneciana, su influencia en el futuro arte occidental moderno fue incluso más directa que la de la Escuela florentina.

Veronés: "Ceremonia de matrimonio cananeo"

Un género importante que surgió repentinamente en el arte italiano en el siglo XVI fue el estilismo. Todos sus artistas adoran a los maestros del arte renacentista como Miguel Ángel y Rafael. Sin embargo, solo persiguen el estilo y la forma y pierden su esencia espiritual. La novedad llevó a la estilización, desviándose de la dirección realista del arte renacentista. El manierismo surgió por primera vez en Florencia entre 1515 y 1520, y se hizo muy popular a mediados y finales del siglo XVI. Entre sus representantes se encuentran "J.da Pontormo, F. Rosso, Il Bronzino y G. Vasari, etc. Por lo tanto, cuando

se popularizó, además de la escuela veneciana, el arte renacentista italiano tuvo

La aparición del manierismo reflejó la crisis económica, política y cultural de la Italia del siglo XVI. Sin embargo, la tendencia conservadora del manierismo no pudo representar la corriente principal del desarrollo del nuevo arte, pero las tradiciones del realismo y el humanismo del arte renacentista todavía tienen un gran potencial, lo que contribuyó a su ascenso. del arte barroco bajo la nueva situación del siglo XVII.

Países Bajos Siglo 14-15, la región industrial y comercial más desarrollada del norte de Europa Occidental tiene ciudades prósperas, especialmente la industria textil. En Brujas y la industria del comercio internacional en Amberes, Amberes estableció el primer mercado de valores de Europa en 1460. Políticamente, los Países Bajos eran el territorio del duque de Borgoña en Francia a principios y mediados del siglo XV, estrechamente relacionado con Dijon, la capital de Borgoña. a finales del siglo XV, los Países Bajos fueron transferidos a la dinastía de los Habsburgo, que poseía el emperador alemán y el trono español, por lo que los Países Bajos tuvieron frecuentes intercambios con Alemania y España en el siglo XVI. las ciudades de los Países Bajos todavía obtuvieron ciertos derechos de autonomía y la nueva cultura estaba relativamente desarrollada.

El auge del arte renacentista holandés en el siglo XV se produjo a finales del siglo XIV.

A principios del siglo XV aceptó algunas influencias italianas, pero principalmente de este país

Transformado del arte gótico tardío de la región.

Los representantes iniciales fueron el escultor C.

Slüter, los pintores M. Brojedlam y P. de Limburg. Aunque crecieron en los Países Bajos, trabajaron principalmente en Francia. La ocupación de Slueter en Dijon

Las columnas talladas de la puerta (1395-1406) de la Abadía de Pumor comenzaron a deshacerse de las fórmulas medievales y enfrentaron la vida, y los personajes eran realistas y vívidos, fuertes y poderosos. Se puede comparar con los maestros italianos. Brojedram también comenzó a prestar atención a la profundidad del espacio y los bocetos físicos en sus pinturas. Estos nuevos desarrollos fueron aún más significativos en manos de Limbaugh durante su trabajo para Francia. Las meticulosas ilustraciones (1413-1416) del "Libro de" del duque de Bury. Horas" ofrece una representación brillante y sin precedentes de las escenas naturales y las costumbres de la vida a lo largo del año. Los campos de trigo nevados están representados de manera realista y, por primera vez, se muestran sombras reales. Después de ellos, el arte holandés produjo varios maestros del realismo de gran éxito: R. Camping, Van Eyre

Los hermanos y R. van der We Deng. Aunque no son tan buenos como los artistas italianos en el dominio de la pintura en perspectiva y la estructura del cuerpo humano, son más precisos y detallados en realismo, son otra contribución importante a la historia de la pintura occidental. Primero utilizó técnicas de pintura al óleo y luego las introdujo; Italia.

A finales del siglo XV, la pintura holandesa se había hecho famosa en los países de Europa occidental y comenzó a absorber nuevos logros en Italia.

En los Países Bajos se han formado varias escuelas de arte regionales: en el sur de los Países Bajos, P. Christus y H. Memling, de Brujas; en Gante, H. van der Hus; en Lovaina, D. Bautz; En el norte de los Países Bajos se encuentran Heithen of St. Jans (St. Jans) y el maestro más famoso H. Bosch de finales del siglo XV.

Sólo el arte italiano puede compararse con este gran espectáculo de flores floreciendo. Las habilidades del maestro holandés para enviar faxes también fueron elogiadas universalmente.

El siglo XVI El siglo XVI fue la segunda etapa de desarrollo del arte renacentista en los Países Bajos

Esta época se caracterizó por el fortalecimiento de la influencia italiana, con mucha presencia en los Países Bajos

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El pintor se dedicó a imitar el arte de la Escuela Romana y la Escuela Veneciana, por lo que fue conocido como Romanismo o Escuela Romana. Les interesaba la pintura en perspectiva y el cuerpo humano, especialmente la expresión del desnudo, pero el espíritu realista inherente al arte holandés se debilitó.

Los representantes famosos de la Escuela Romana son J. van Scolieri y J. Goshart.

Aunque su estilo es más complicado, fueron los que difundieron el Renacimiento y el humanismo. rol

. Al mismo tiempo, algunos pintores holandeses continuaron creando nuevas creaciones, como J. Partinier, que era bueno en paisajes, P. Arshen, que era bueno en pintar costumbres y folclore, y A.

Moore. boceto de retrato, etc. Pero el maestro de arte holandés más destacado del siglo XVI fue P. Bruegel, conocido como el granjero. No sólo es bueno retratando el estilo de vida de la gente, especialmente de los agricultores, sino que también es un gran pintor de paisajes en Occidente. Es digno de ser el maestro del arte holandés. Aunque tiene un rico conocimiento del humanismo, no imita mecánicamente el estilo clásico italiano. La concepción artística de sus pinturas es elevada y su humor contiene ironía. Obras maestras como "Danza bajo la horca"

(también conocida como "La urraca en la horca") muestran el paisaje del bosque desde una vista aérea de pájaro

La luz y el La trama de danza de primer plano contiene El humor y la tranquilidad del paisaje lejano son perfectos y complementarios. Están llenos de poesía y son únicos en las pinturas de paisajes occidentales.

El arte del Renacimiento francés comenzó a brotar a finales del siglo XV bajo la influencia de Italia y los Países Bajos.

Los maestros representativos incluyen al pintor J. Fouquet y otros;

Floreció en el siglo XVI.

En ese momento, el ejército francés invadió Italia varias veces y ocupó Milán y otros lugares durante mucho tiempo. El gobierno y el público estaban en estrecho contacto con Italia. Leonardo da Vinci y otros maestros del arte también fueron invitados a trabajar en Francia. contribuyendo así al surgimiento del movimiento renacentista francés.

Leonardo Da Vinci viajó a Francia en sus últimos años, y no creó mucho durante su estancia en Francia

Pero su llegada y muerte definitiva en Francia tuvo un gran impacto<. /p >

El significado simbólico. Posteriormente, llegaron a Francia Rosseau, B. Cellini y otros. Utilizaron Fontainebleau como base y tuvieron una gran influencia en el arte francés. Aunque Rosseau y otros pertenecen a la escuela manierista, los avanzados franceses todavía conceden gran importancia a los resultados del arte renacentista italiano que trajeron. Al mismo tiempo, también crecieron muchos maestros del arte francés. En arquitectura, están R. de Rome y Lescaut, y en escultura, J. Goujon, y en pintura, F. Cluet y otros. Como uno de los monumentos más importantes del arte renacentista francés, se encuentran el Palacio del Louvre (construcción iniciada en 1546), el edificio principal de Lescaux y las antiguas esculturas de Jong, que son una combinación perfecta. El resultado de ellos

es el edificio en el lado sur del ala oeste del patio cuadrado del Palacio del Louvre que hoy utiliza una decoración de columnas clásica en la forma tradicional francesa

y. tiene un estilo hermoso, no solo proporciona En el futuro, toda la arquitectura del Palacio del Louvre marcó la pauta, y también marcó la pauta para la arquitectura de estilo clásico francés.

Alemania El arte del Renacimiento alemán se enorgullece de haber producido muchas pinturas de primer nivel

Maestros. El emperador alemán siguió siendo el monarca nominal de Italia durante el Renacimiento. En el siglo XVI dirigió sus tropas a Italia. Ambos países también tenían importantes vínculos económicos y culturales. Estrechamente relacionados entre sí, muchos artistas alemanes estudian en Italia. como sus principales estudios artísticos. El siglo XVI también fue una época en la que la industria y el comercio en Alemania, especialmente en las ciudades del sur, estaban en auge. Los ciudadanos y los campesinos tenían fuertes reivindicaciones antifeudales, que finalmente desembocaron en el movimiento de reforma religiosa y

La. Gran Guerra Campesina. Estos orígenes sociales son las condiciones de la época que produjeron destacados maestros del arte

y que hicieron que el mundo de la pintura alemana de repente estuviera lleno de estrellas y fuera espectacular. Los más famosos entre ellos son A. Durero, M. Grünewald, L. Cranach, H. Holbein y A. Altdorfer, aunque los estilos y características de cada uno son diferentes, pero todos muestran el gran progreso del nuevo arte con los logros. de realismo. Alemania es también la cuna y el mayor centro de la imprenta occidental, y sus artistas también prestan atención e incluso se concentran en la creación de grabados, Durero, Holbein, etc., son los maestros más famosos de la historia de la imprenta occidental. En términos de arquitectura y escultura, los artistas alemanes se centraron en combinar la tradición gótica y el estilo italiano con los colores nacionales. En obras representativas como el Palacio de los Electores en Heidelberg (1556-1559), la fachada está decorada con columnas y estatuas clásicas, pero las proporciones generales siguen siendo tradicionales. Su estilo magnífico y lujoso también está en consonancia con la exquisitez y meticulosidad del gótico tardío. Arquitectura. Obtener coordinación.

El arte renacentista británico comenzó a desarrollarse en el siglo XVI. Debido a que en aquella época era la dinastía Tudor, los nuevos edificios recibieron el nombre de estilo Tudor, que se mostraba principalmente en la arquitectura de las residencias nobles. Obras representativas como la Casa de Langrete (1567～

1579) tienen ventanas abiertas y una distribución armoniosa y ordenada. Aunque los detalles están decorados con columnas clásicas, el estilo general del edificio se mantiene. Características tradicionales sencillas y alegres.

La pintura del Renacimiento británico estuvo muy influenciada por el artista alemán Holbein.

Como el retratista más famoso de Europa, vino a Gran Bretaña a trabajar dos veces hasta su muerte.

(1526～1528, 1532～1543), pintó muchos cuadros para la familia real y los dignatarios de la corte

y fue muy bien recibido por personas de todos los ámbitos de la vida. La habilidad de Holbein en la representación realista

y su estilo tranquilo y libre inspiraron a una generación de pintores británicos, el más famoso de los cuales es el retratista N. Hillia.

Sus obras son pequeñas y exquisitas, largas, coloridas y transmiten un ambiente aristocrático suave y elegante en la meticulosa pincelada, que es profundamente amada por la corte y el público de Isabel.

España El arte del Renacimiento español recibió un gran impulso debido al repentino poder del país

. En el siglo XVI, España ocupó una vasta zona del Nuevo Mundo en América debido al descubrimiento de Colón. Su familia real tenía estrechas relaciones con Alemania porque pertenecía a la dinastía de los Habsburgo y era propietaria de Ned, ocupando el sur. Italia, se convirtió en la mayor potencia de Europa. Estas circunstancias transformaron a España, que estaba relativamente atrasada económicamente, en un actor clave en el escenario europeo. El principal representante de la pintura renacentista española es El Greco, que nació en Grecia. El principal edificio arquitectónico

es el Palacio de El Escorial (1563-1584), que es un gran conjunto de palacios, iglesias y monasterios. El conjunto edificatorio se distingue por su uniformidad, inmensidad y rigor

.

Está a cargo del arquitecto español J. de Herrera. Aunque el diseño original procedía de otros, Herrera fue quien completó su planificación general. Su estilo clásico regular refleja las características de la cultura cortesana española.

Bibliografía

Zhu Longhua: “El arte en el Renacimiento”, Editorial Popular de Bellas Artes,

Pekín, 1960.

Libro de Burckhardt, traducido por Zhu Longhua: "Literatura

Cultura del Renacimiento italiano", The Commercial Press, Beijing, 1979.