Maestro de cine, por favor entre. . .
Obras representativas: "Tiburón", "Alien", "Parque Jurásico", "La lista de Schindler", "El mundo perdido", "Salvar al soldado Ryan".
Premios: En 1998, "Salvar al Soldado Ryan" ganó el Premio de la Academia al Mejor Director; en 1995, el American Film Institute emitió un Premio a la Trayectoria; en 1993, "La Lista de Schindler" ganó el Premio de la Academia; Premio al Mejor Director. En 1986, la Academia Estadounidense de Artes Cinematográficas le otorgó el premio Owenthal Pogue Achievement Award.
En cuanto a características personales
El personaje de James Cameron está un poco fuera de lugar, pero su habilidad no puede verse eclipsada por esta carencia.
Le encantan los guiones creativos, las acrobacias impecables, los personajes realistas y las heroínas que aparecen frecuentemente en sus películas.
No hace falta decir Star Wars.
En la mayoría de sus películas parece preferir tener un hombre fuerte, desde Stallone hasta Schwarzenegger.
Demostró vívidamente su comprensión
También está la película "Titanic", que ha recibido críticas mixtas en la historia del cine, pero mantiene fielmente el estilo de las películas de James Cameron. Estilo consistente, trama emocionante, acrobacias magníficas.
En cada artículo que describe la vida de James Cameron en detalle, la palabra "notorio" se utiliza casi inevitablemente: sí, era un hombre codicioso y dominante en el lugar de rodaje. Un "tirano"; y desconsiderado marido en casa; a los ojos de sus colegas de Hollywood, Cameron es una máquina paranoica y quema dinero. Sin embargo, a los ojos de muchos fans ocasionales, estas acusaciones son completamente irrelevantes. Son ataques quisquillosos o maliciosos motivados por los celos. Sólo hay un James Cameron en el mundo, y ese es el gran héroe James Cameron, el gran genio James Cameron y el incomparable y omnipotente director James Cameron.
No hay duda de que James Cameron es uno de los directores más destacados del siglo XX. Ha establecido dos veces el récord de mayor inversión cinematográfica, ha realizado las películas más populares del mundo, ha empatado el récord de películas ganadoras del Oscar y cada película ha establecido un punto de referencia técnico para futuras películas. Cuando se habla de James Cameron, no se puede dejar de mencionar a otro destacado director de cine comercial, Steven Spielberg. Poder ser comparado con este gigante cinematográfico del siglo XX ilustra el elevado estatus de Cameron en los corazones de la gente. En el siguiente relato de la vida y obra de Cameron, el autor no puede evitar compararlo con Spielberg.
Nací en Los Ángeles y cuando era niño me encantaba jugar con maquetas de trenes. Otro favorito es jugar Volcano Eruption construyendo un pequeño volcán y luego destruyéndolo. Cuando creció y se convirtió en director, finalmente pudo hacer realidad su sueño de infancia en la pantalla. Como joven director, Michael Bay comenzó en MTV y en publicidad, y no ha tenido muchos trabajos cinematográficos, por lo que no perderá todas las oportunidades de disfrutar del cine. Hollywood, que se centra principalmente en películas de acción, ha carecido de directores de cine de acción independientes, James Cameron, que hizo "Terminator" y "Titanic" en los primeros años, tiene uno y hay un director de Nueva Zelanda que recientemente comenzó a filmar "; Serie "El señor de los anillos". Peter Jackson y "Ayuda exterior" John Woo de Hong Kong son ambos directores de películas de acción de renombre. Cuando se trata de películas de acción, que representan la mitad de la taquilla estadounidense, el famoso director de cine de acción Michael Bay es una figura indispensable.
"Jedi Men" de 1995 tuvo una taquilla de 65 millones en los Estados Unidos, fue de bajo costo y alta taquilla, y fue la primera película de Michael Bay.
"Brave Island" de 1996 tuvo una taquilla mundial de 340 millones, que fue el primer pico de la carrera de Michael Bay.
"Armageddon" de 1998 tuvo una taquilla mundial de 550 millones, lo que la convierte en la película más exitosa de Michael Bay, superando incluso a "Salvar al soldado Ryan" de Steven Spielberg en la taquilla mundial por casi 100 millones.
En 2001, "Pearl Harbor" obtuvo una taquilla mundial de 450 millones, pero la película no fue un completo fracaso, sólo un éxito medio.
En 2003, "Jedi II" obtuvo una taquilla mundial de 250 millones, continuando el éxito de la primera película.
En esta película, Michael Bay también tiene algunas ventajas en el manejo de escenas de acción, pero la inversión en esta película es mucho mayor que en la primera. Estos ingresos de taquilla también pusieron fin a la colaboración entre Jerry Brock Hammer y Michael Bay.
En 2005, “Escape from Clone Island” tuvo una inversión de 65.438 millones + 30 millones, y la taquilla estadounidense fue de sólo 30 millones. Michael Bay estaba completamente fuera de control porque estaba exhausto. Esta fue su primera película con DreamWorks, pero fracasó tanto en taquilla como en crítica.
Transformers Live Edition de 2006 fue lo más destacado de DreamWorks en 2006. Originalmente se planeó que fuera producida por Steven Spielberg y dirigida por Michael, pero el fracaso de "Escape from Clone Island" obligó a DreamWorks a reconsiderar si Tal inversión vale la pena. (2006)
Hablando del director francés Luc Besson, mucha gente lo conoce. Aunque no sepa el nombre de Besson, me temo que no habrá visto sus películas "Baby Leone" y "El quinto elemento". Pero cuando me estaba preparando para escribir este artículo, casi no pude encontrar información sobre él en China. Esta situación embarazosa también ocurre en su propio país, Francia: aunque la popularidad de Besson en la industria cinematográfica internacional está en su apogeo, en Francia, conocida por su admiración por las películas artísticas, Luc Besson siempre ha sido un explorador solitario con reputaciones mixtas. Incluso fue descrito como un ejemplo negativo de entregarse a las películas de Hollywood. Por esta razón, el deprimido Besson viajaba a menudo a través del océano hasta Hollywood para encontrar un alma gemela.
Cielo azul y mar azul, el sueño de infancia de Ding
Luc Besson nació en París el 65 de marzo de 1959. Su sueño de niño era convertirse en buzo y navegante. Pero un accidente de buceo cuando tenía 17 años destrozó su sueño de infancia. Besson ajustó rápidamente sus objetivos de vida. Decidido a ser cineasta, llegó a Los Ángeles a los 19 años y estudió producción cinematográfica durante tres meses. Y empezó a rodar algunos cortometrajes experimentales. En 1983, se estrenó el debut cinematográfico de Besson, "The Last Stand". Se dice que esta premiada película muda de ciencia ficción, en blanco y negro, fue realizada cuando tenía 23 años y pagaba 3 francos y 6 sueldos. Luc Besson parece haber demostrado al mundo que en Francia, incluso si no tienes una formación cinematográfica profesional y no encuentras inversión, aún puedes hacer películas únicas. Por esta razón, Besson alguna vez fue considerado un pionero de los jóvenes directores franceses, le gustara o no. Metro y Blue Sea and Sky le dieron a Luc Besson fama nacional e internacional. Aunque los premios César franceses fueron un poco tacaños al otorgar sólo los premios "Mejor grabación" y "Mejor música" a "Blue Sea and Blue Sky", Besson afirmó públicamente que esta película es el trabajo del que está más orgulloso en su carrera como director. Después de todo, este trabajo está dedicado a la pasión y los sueños de Besson cuando era niño. Besson finalmente pudo usar su cámara para capturar la luz, las sombras y la vida del océano que vio en su infancia. Jack, el buzo de la película, finalmente murió en el mar. Más bien, fue su verdadera supervivencia. ¿No es Jack la encarnación del ideal de Besson?
En los años 80 aparecieron en Francia los llamados Jóvenes Directores de la BBC, tres directores emergentes: Benix, Besson y Carax. Tenían muchas similitudes y diferencias, pero su mayor similitud es su inexplicable preferencia. para azul. A juzgar por la película Singer de Beneix de 1980, el azul está imbuido de admiración plateada, mientras que Caracas captura sus orígenes humildes. "Blue Sea and Blue Sky" de Besson está lleno de azul desde el título hasta el contenido. El anhelo de Besson por el mar y los sentimientos románticos creados con esmero son, por supuesto, incomparables. Su maravillosa fotografía submarina puede haber beneficiado mucho a los directores de "La lección de piano" y "Tednic".
El explorador solitario francés
"Nikita" y "Léon" son la exitosa transición de Luc Besson del cine artístico al cine comercial. "Tomb Tower" cuenta la historia de cómo una mujer miembro de un grupo violento se transformó en una agente asesina nacional profesional. Su identidad como agente asesina y su profundo amor y el surgimiento de la humanidad constituyen la singularidad de esta película, mientras que Black Boy Leon cuenta la historia entre un asesino que anhela la bondad y una chica que anhela una venganza malvada. Esta artística película comercial francesa sigue siendo un modelo a seguir para los estudiantes de cine de todo el mundo. Muchos detalles, como las plantas verdes que rodean Lyon y el maravilloso diálogo "Recuerda nunca matar a mujeres y niños", son inolvidables. Esa vegetación por sí sola estaba más allá de la imaginación de los guionistas de Hollywood. "Negro León" ganó el Premio César a la Mejor Película y Besson ganó el Premio al Mejor Director.
Desde la década de 1990, la prosperidad del cine artístico francés ha empujado al cine comercial francés a una situación embarazosa. Fuera de Francia, se necesita mucho coraje para hacer películas artísticas porque hay que afrontar graves problemas existenciales. En Francia es diferente. Si un artista de cine quiere hacer películas comerciales que satisfagan los gustos populares, parece que necesita más coraje. Luc Besson es un director muy "anacrónico".
A mediados de la década de 1980, Besson fue aclamado por la crítica francesa como un joven director prometedor después de filmar películas artísticas como "Metro" y "Blue Sky". En la década de 1990, Besson fue despreciado por los teóricos del cine francés después de filmar "Leon Noir" y "El quinto elemento". El quinto elemento (1997) obtuvo una ganancia global de 270 millones de dólares, ubicándose en el tercer lugar entre las películas del mundo ese año. No importa cómo evalúen los críticos esta película, nos muestra un mundo futuro a los ojos de un director francés. En la narrativa de la alta tecnología informática y el tiempo y el espacio, nos trae una connotación histórica y humanista que es diferente de los éxitos de taquilla de Hollywood.
Luc Besson es el director más llamativo y controvertido de la industria cinematográfica francesa contemporánea. Aunque el éxito comercial de "El quinto elemento" duplicó la facturación de Gaumont, la mayor compañía cinematográfica francesa, Besson es a menudo descrito en China como un ejemplo negativo de rendición ante las películas de Hollywood. Por esta razón, el deprimido Besson viajaba a menudo a través del océano hasta Hollywood para encontrar un alma gemela. La película "El Quinto Elemento" combina ciencia ficción, aventuras y lucha. Es la primera película de diálogos en inglés en Europa que cuesta casi 100 millones de dólares. Muestra la determinación y el coraje de los cineastas franceses para reactivar la industria cinematográfica nacional y europea. La película ganó el Premio Técnico en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 1997. Esta historia real fue concebida originalmente por Luc Besson a los 16 años, justo antes del estreno de Star Wars de Lucas. Está claro que, 20 años después, Besson sigue obsesionado con las ideas de su infancia. Después de 20 años de planificación, el guión recoge los elementos básicos de los cinco primeros largometrajes de Besson. A pesar de las críticas de que El quinto elemento parecía más una farsa futurista francesa y simplemente buenas imágenes, cuando 1997 se proyectó como película de apertura en el 50º Festival Anual de Cine de Cheyenne, esta película de ciencia ficción que representa el futuro de la humanidad en el siglo XXIII todavía causó sensación. En la película, el héroe interpretado por Bruce Willis sobrevuela la ciudad de Nueva York en su taxi amarillo que desafía la gravedad y que no es menos impresionante que la nave estelar de Lucas. Besson, que creció viendo "Star Wars", finalmente apoyó a Lucas 20 años después.
Luc Besson se globaliza.
Ya en "Blue Sea and Blue Sky", Luc Besson mostró su fascinación y su búsqueda por las grandes producciones y las grandes escenas. A partir de "El quinto elemento" y "Juana de Arco", Besson se fue distanciando poco a poco de la forma cinematográfica a la que alguna vez perteneció y puso su mirada en el mercado internacional. No solo jugó una mala pasada con los géneros, sino que también los costos de producción. Esta puede ser la razón principal por la que Besson es tan criticado en su propio país. En ese momento, Hollywood comenzó a reclutar talentos de todo el mundo, y John Woo y Luc Besson se convirtieron en sus primeras opciones. El estilo romántico francés de Besson y el complejo de héroe oriental de John Woo fueron ignorados e imitados por Hollywood. Besson finalmente utilizó "El quinto elemento" y "Juana de Arco" para demostrar que los éxitos de taquilla del entretenimiento no son dominio exclusivo de Hollywood. Los franceses no sólo pueden hacer películas artísticas de bajo presupuesto y pequeña escala, sino también éxitos de taquilla comerciales que son rentables en todo el mundo. Un francés podría "competir con ellos" en suelo americano. Hoy Besson parece ser una historia de éxito. Podemos considerarlo sin dudar como el mismo tipo de director de cine comercial que Spielberg, pero no sé si Besson podrá llegar a donde está hoy. Se pagó un precio enorme.
Al ser la primera película europea de alto coste, cuando El quinto elemento se estrenó en los cines en el verano de 1997, la taquilla no fue al principio optimista para el público francés, acostumbrado a ver películas de arte, ni para los estadounidenses. que fueron influenciados por los éxitos comerciales de Hollywood. El público no estaba muy interesado. La reacción de los críticos de cine fue también menospreciar al hijo mayor. Lo más fatal de la película es su enorme coste de 654,38 mil millones de dólares. Pero ocurrió un milagro. De hecho, El Quinto Elemento superó sus defectos y presentimientos inherentes y fue proyectada ampliamente en varios de los principales países occidentales en menos de un mes. La película hizo una fortuna, pero los críticos guardaron silencio sobre Besson y la película.
Luc Besson no flaqueó en su búsqueda y creencia debido a estos comentarios, pero quería hacer una película que fuera aplaudida tanto por franceses como por estadounidenses.
Su "Juana de Arco" eligió una combinación adecuada de historia y realidad, nacionalidad e internacionalidad, y fue bien recibida por el público después del rodaje. Juana de Arco es una diosa a los ojos de los franceses. Usó su vida para crear una leyenda inmortal. Existen infinidad de obras sobre Juana de Arco, pero sólo hay tres que valga la pena dejar en la historia del cine. Son: "La Pasión de Juana de Arco" dirigida por Dreyer, que supuso un maravilloso final a la era del cine mudo; "La Pasión de Juana de Arco" dirigida por Bryson es extremadamente fiel a la trama religiosa y al material original. : Luc Besson pasó tres años filmando la superproducción épica "Juana de Arco".
"El fuego de Juana de Arco" de Bryson sólo intercepta un hecho histórico en el que Juana de Arco fue juzgada y quemada en la hoguera, mostrando las creencias religiosas de la heroína y el momento real de la historia. "Juana de Arco" de Luc Besson muestra la magnificencia de la Guerra de los Cien Años entre Inglaterra y Francia y los sentimientos románticos de Juana de Arco cuando era niña y soldado francés. Al igual que Bryson, Luc y Besson son exploradores solitarios en la industria cinematográfica china. Quizás ésta sea la única similitud entre estos dos directores franceses de épocas diferentes. Quizás sea esta similitud única lo que les hace preferir personajes históricos como Juana de Arco, pero sus interpretaciones de los personajes históricos son diferentes. En las notas del director de Luc Besson podemos ver la valoración que hace Besson de Juana de Arco: Juana de Arco es nuestra antepasada, lo que ella capturó entre la fe y la inocencia, en su época se pierde, como se pierden las cosas en nuestro tiempo. "Besson expresó en esta película su pensamiento único sobre este período de la historia: "¿Es necesario que el pensamiento humano siga un camino tan tortuoso para descubrir el bien escondido detrás del mal? "
Luc Besson es un explorador cinematográfico solitario. Incluso en sus éxitos de taquilla comerciales, podemos sentir su comprensión suprema de la historia y la vida, y tocarlo como un francés. El viaje mental de un soldado. Ya sea Jack en "Blue Sea", el asesino en "Leon" o "Juana de Arco", todos pensaremos que este es Luc Besson
John Woo nació en Guangzhou el 22 de septiembre de 1946 y. Se mudó a Hong Kong con sus padres en 1951. Debido a que su padre estaba enfermo y no podía trabajar, su madre tuvo que soportar la carga de mantener a la familia. Su padre murió poco después de graduarse de la escuela secundaria porque su madre estaba moviendo piedras en una construcción. sitio Para mantener a su familia, tuvo que renunciar a su sueño de estudiar arquitectura o arte en Taiwán. En ese momento, Wu Yusen estudiaba en una escuela cristiana y leía muchas obras sobre teología, historia, filosofía y arte. Cuando estaba en la escuela secundaria, a menudo estudiaba. Salía del aula y iba al cine a ver películas. Sus películas favoritas son las películas de gánsteres de Hollywood, los westerns y los musicales de la época dorada. Las similitudes entre estas películas son que las escenas están llenas de acción. El director favorito de John Woo es el director violento francés Pierre Mayer, cuyo trabajo está lleno de humanidad en la violencia, pero la persona que tiene la mayor influencia en John Woo es Sam Peckinpah, quien filmó el uso de la cámara lenta en la película de John Woo. y el papel de Jean en Anthem. Las formas de luchar por la vida están plasmadas en el lenguaje cinematográfico de Sam.
En 1971, John Woo fue a Shaw Brothers Film Company para rodar una película con Chang Cheh. El director de cine de acción más famoso de la época se vio inundado y John Woo también aprendió muchas habilidades profesionales. En palabras de John Woo: "Si el cuchillo de la película de Chang Cheh fuera reemplazado por una pistola, sería. Muy similar a mi héroe. "Después de dos años con Chang Cheh, John Woo comenzó su primer trabajo "Passenger". El director de artes marciales de esta película es Jackie Chan, el hermano mayor en la industria cinematográfica de Hong Kong en la actualidad. Ambos eran jóvenes actores de la industria cinematográfica. En ese momento, Passerby no lo hizo. Después de eso, trabajó como director en Jiahe durante diez años (1973-1983). Durante estos diez años, produjo muchas comedias que agradaron por completo al mercado. En 1973, dirigió "La ternura". of the Iron Man" y luego filmó muchas películas de bajo presupuesto. Películas como "Girls' Taekwondo Club" (1976), "Emperor's Flower" (1976), "Shaolin Gate" (1976), "Returning at Night" (1978). ), "The Heroes" (1979), "Funny Times" (1980), "Eight Colors Lin Yazhen" (1982) y otras películas de comedia. Este período fue llamado por él mismo "la década de la comedia". p>A partir de 1983, se mudó de Jiahe a New Art City. Después de hundirse hasta el fondo, fue enviado a Taiwán durante casi tres años, pero también hizo muchos buenos amigos en Taiwán en "Hay un lado positivo en cada oscuridad". Cloud" y vio el fuerte toque humano en la industria del entretenimiento de Taiwán, que es diferente a la de Hong Kong.
Después del fracaso de taquilla de Laughter de 1985, regresó solo a Hong Kong y se unió al "Movie Studio" de Tsui Hark. A finales de la década de 1970, un estudio de cine chino lo contrató como asistente de producción y verificador de guionistas. Durante este período, los directores emergentes estadounidenses Sam Penguin y Stanley Kubrick le dieron mucha inspiración y la violencia de sus obras tuvo un profundo impacto en él. A mediados de la década de 1980, la carrera cinematográfica de John Woo se estancó. En 1986, con la ayuda de Tsui Hark, dirigió con éxito "A Better Tomorrow", que estableció el estilo cinematográfico de estética violenta de John Woo, que incluso fue seguido posteriormente en "A Better Tomorrow" (1987) y "A Better Tomorrow" (1989). ). estilo.
"Hero" no es sólo un punto de inflexión en la vida de John Woo, sino también un monumento a las películas de Hong Kong. Al crear esta película, el heroísmo de John Woo fue inevitable. La sensación de frustración y venganza acumulada a lo largo de los años en la industria cinematográfica impregna cada escena, y su flujo meticuloso y su fluida edición siguen siendo impecables hoy en día. Esta gran escena y un trabajo de alta calidad sorprendieron a todos los espectadores y cineastas. La película también encontró una gran cantidad de talentos para las películas de Hong Kong, como Tsui Hark, Cheng Xiaodong, Pan Hengsheng, Leslie Cheung y Chow Yun-fat. También estaban frustrados en la industria cinematográfica en ese momento y fueron llamados "box". venenos de oficina." John Woo se arriesgó, pero ganó. ¡Un grupo de hombres deprimidos y dormidos conquistaron su destino y crearon una relación brillante entre ellos!
A Hot-Blooded Heroes (1989) puede ser la obra maestra más importante de John Woo en su vida. Hasta el momento, ninguna de las obras de John Woo ha superado la concepción artística creada por esta película: una amistad que no se puede medir con nada, hermanos en el mundo que se aprecian y sus principios inquebrantables de vida. John Woo utiliza técnicas extremadamente seguras para llenar el mundo violento con un romance indescriptible. Su hermoso y cómodo control de la cámara, su diálogo refinado y sus tiroteos danzantes son fascinantes. La batalla a vida o muerte en la iglesia al final de la película representa mejor la esencia de la estética violenta: la Virgen reflejada a la luz de las velas, las palomas blancas que pasan al fondo y un par de amigos que se supone que no deben Sean amigos de la vida y de la muerte, todos van* * *su propia justicia. Tal como dijo John Woo: "Esto es lo que más quiero expresar a través de la lente. Las películas filosóficas y los protagonistas caballerosos también expresan mis ideales".
Después de "The Bloody Heroes", John Woo dejó Xu debido a "Movie Studio" de Gram estableció su propia compañía y filmó películas de acción como "Blood Street", "The Wandering World" y "Tough Guy Detective".
En 1993, Universal Studios invirtió en "Destino final" de John Woo, protagonizada por Jean-Claude Van Damme. Aunque "The Los Angeles Times" convirtió a John Woo en un personaje de primera plana después del lanzamiento de "Destino final" y la película vendió 1.600 copias, esta es una película obsoleta de John Woo. Aunque hay palomas blancas bailando en el himno de la película, carece de la poesía habitual y se parece más a una película de acción de Jean-Claude Van Damme. De hecho, las escenas de artes marciales en las películas de John Woo ni siquiera son promedio entre los directores de Hong Kong, por lo que después del estreno de la película, Universal Pictures envió "expertos en edición de películas de acción" para reeditar la película y adaptarla a Jean-Claude Van. Maldita sea, fanáticos del cine. Entonces, el objetivo final que vemos hoy no es realmente una película de John Woo.
En 1996, 20th Century Fox se hizo cargo de "Broken Arrow". Lo más atractivo de "Broken Arrow" es que John Travolta, quien interpreta al traidor, imita cada movimiento de Chow Yun-fat, desde su sonrisa cínica hasta su postura de fumar, que está llena de encanto. Al mismo tiempo, las escenas de acción y diversos detalles diseñados por John Woo son abrumadores. Esta película es el primer gran esfuerzo de John Woo por seguir las convenciones del cine estadounidense. En este momento, realmente ha captado el alma de las películas de acción de Hollywood.
Face/Off de 1997 es otro pico en la carrera cinematográfica de John Woo. En la película, John Woo encontró el "espíritu humanitario" y los "valores familiares" defendidos tanto en el mundo oriental como en el occidental, centrándose en retratar la fuerza y la ternura de los personajes femeninos, algo que fue 100% reconocido por el público femenino, muchos de los cuales Nunca antes había visto acción. El público femenino de la película también quedó cautivado por la película. Al igual que los estilos anteriores de trato con los personajes, el protagonista de esta película también se encuentra entre el bien y el mal. John Travolta y Nicolas Cage en la película originalmente representaban el bien y el mal, pero después de cambiar de cara, básicamente se convirtieron en dos personalidades de la misma persona. El punto más interesante de la trama es que a veces los malos pueden manejar las cosas mejor que los buenos. Por ejemplo, después de que Cage le hizo un cambio de imagen a Travolta, le dio a su esposa un verdadero romance y le enseñó a su hija cómo protegerse.
John Woo aprovechó al máximo los talentos interpretativos de Cage y Travolta en la película. Hizo que el público sintiera sus cambios psicológicos cuando vieron los cambios en sus ojos. El manejo de John Woo de las dos superestrellas mostró un toque magistral, y Cage y Travolta quedaron impresionados después. Creen que el programa de John Woo es la realización de su fantástico sueño. Y eso claramente no es un cumplido. Con una inversión de hasta 100 millones de dólares, "FACE/OFF" fue considerado por los críticos de cine estadounidenses como "el estilo más John Woo" y ganó el campeonato de taquilla estadounidense en julio. Al mismo tiempo, también le otorgó a John Woo el más alto honor "Premio Anillo de Oro" otorgado por la Fundación Nacional para las Artes Chinas.
A menudo se le llama el "maestro de la estética violenta". De hecho, bajo el manto de la violencia, sus películas se centran en describir la amistad entre personajes, la relación entre las personas y la época, y una especie de confusión sobre la sociedad real. Sin embargo, es mejor ser positivo. Es bueno expresando emociones a través de cosas, como "palomas" e "iglesias" que aparecen a menudo en sus películas.