¿Cuáles son las escuelas de arte occidental?

Primeros años

1. ¿Comparación entre los estilos artísticos románico y gótico?

El estilo artístico románico se refiere a un estilo artístico de base arquitectónica que surgió en Europa entre los siglos IX y XII, incluyendo escultura, pintura y artes y oficios. El estilo de arte gótico se refiere a un estilo artístico que apareció en Europa desde el siglo XII hasta principios del XVI y estuvo dominado por la nueva arquitectura, incluida la escultura, la pintura y las artes y oficios.

2. Características de los retratos escultóricos romanos antiguos

Las esculturas romanas seguían la tradición de las esculturas griegas que perseguían la "belleza real", pero eran más seculares que las esculturas del período griego. Los estrategas militares o los políticos pedían a los escultores que les crearan retratos, e incluso los romanos utilizaban a menudo esculturas para preservar las imágenes de sus muertos. Este enfoque objetivo del realismo es otro sólido paso adelante. Los logros de la escultura romana se reflejan principalmente en esculturas de retratos y esculturas de monumentos. Estas esculturas de retratos no solo se asemejan a la forma sino que también prestan gran atención a expresar las características de los personajes. Los más famosos incluyen el "Retrato de cuerpo entero de Augusto" y el "Retrato de Caracalla". En ese momento, la gracia y la elegancia del pasado de la fábrica fueron reemplazadas por la grandeza y la solemnidad de las esculturas monumentales.

3. Estilo de la época helenística

1. Temas diversificados

Las esculturas del período helenístico todavía tienen estilos muy cercanos al arte clásico, como las esculturas victorianas. También hay muchas estatuas de Nas que reflejan la lucha entre la vida y la muerte o la lucha entre la belleza y la fealdad en esa etapa, o son estatuas estilizadas mezcladas con tragedia. En el período clásico, Venus, que simbolizaba a la diosa del amor y la belleza, comenzó a ascender al trono del arte.

2. Las habilidades son más maduras

Las habilidades escultóricas en el período helenístico eran más maduras. "Afrodita de Milos" es una de las obras más representativas de ese período. Su figura es grácil, su expresión es profundamente conmovedora, su piel es redonda y la sublimidad y la gracia de la escultura griega están perfectamente integradas, lo que lo hace altamente contagioso.

3. Las diferencias regionales son cada vez más evidentes

Los estilos escultóricos en varias partes de la antigua Grecia comenzaron a desgastarse. En Egipto, los principales objetos de expresión son figuras seculares del mercado, como pescadores, vagabundos, borrachos, etc. En términos de creación artística, todavía estaban influenciados por la cultura griega, pero en esta época comenzó a surgir su propia, larga y apacible tradición cultural.

4. ¿Comparación entre los estilos artísticos románico y gótico?

El estilo artístico románico se refiere a un estilo artístico de base arquitectónica que surgió en Europa entre los siglos IX y XII, incluyendo escultura, pintura y artes y oficios. El estilo de arte gótico se refiere a un estilo artístico que apareció en Europa desde el siglo XII hasta principios del XVI y estuvo dominado por la nueva arquitectura, incluida la escultura, la pintura y las artes y oficios. Comparación de los estilos artísticos de los dos (arquitectura de la iglesia)

5. Por qué concede gran importancia a la expresión del cuerpo humano en las esculturas griegas antiguas

Los antiguos griegos adoraban al cuerpo humano , defendieron la fuerza y ​​​​la naturaleza, y sus dioses Todos son personas idealistas, y sus principales eventos se llevan a cabo en juegos deportivos. Los atletas en los juegos deportivos están todos desnudos para mostrar su fuerza y ​​​​la belleza del cuerpo humano. Ahora es antes de los Juegos Olímpicos. /p>

El cuerpo humano no sólo se utiliza principalmente como material escultórico, y el cuerpo humano ayuda al arte escultórico a avanzar hacia la perfección de la expresión.

6.Cuatro características de la arquitectura románica

1. El prototipo básico de la arquitectura románica es la iglesia, al igual que el templo lo fue para el arte griego antiguo. En esa era de fuertes creencias religiosas, era natural que la iglesia se convirtiera en el edificio principal, y la iglesia era también la institución más rica, más erudita, mejor equipada y ubicua de la época. dos. En cuanto al tratamiento técnico, el diseño y construcción de las construcciones románicas se basan principalmente en bóvedas, utilizándose estructuras curvas de piedra para cubrir el espacio.

3. El punto de vista estético de la arquitectura románica es que los edificios son enormes y complejos, enfatizando el contraste entre la luz y la oscuridad (permitiendo que la luz entre por unos pequeños agujeros como las estrellas de la mañana), pero la decoración de los edificios es simple y tosca. .

Cuatro. Las formas de arte tienen una relación primaria y secundaria: la arquitectura ocupa una posición dominante, mientras que otras actividades artísticas, como la pintura, la escultura, el mosaico, etc., ocupan una posición subordinada.

7. Estilo de arte gótico

Se caracteriza por ser imponente, lúgubre, extraño, misterioso, aterrador, etc. Es muy utilizado en arquitectura, escultura, pintura, literatura, música, y ropa, fuentes y otros campos del arte, el arte gótico es exagerado, asimétrico, peculiar, ligero, complejo y multidecorado. Se caracteriza por el uso frecuente de líneas que se extienden verticalmente. Los principales elementos representativos incluyen vestidos negros, murciélagos. rosa, castillo solitario, cuervo, cruz, sangre, gato negro y más.

8. Varias etapas principales del arte medieval europeo

Arte paleocristiano [siglos II al V d.C.] Arte bizantino [siglo V d.C. al arte románico del siglo XV] Arte gótico del siglo X del siglo XII al siglo XII d. C. [Siglo XII al siglo XV d. C.]

9. Estilo del período de Akenatón

En la era de Akenatón, se puede decir que la interpretación de Dios es muy suave. Su artista talló la luz del sol con líneas rectas, y los extremos de la luz son pequeñas manos humanas que se acarician entre sí. En el arte de la época de Akenatón, utilizó la hermosa apariencia de la familia real. El arte de Akenatón adoptó un enfoque natural y realista. Las primeras representaciones de Akenatón eran a menudo extremadamente exageradas, pero los escultores posteriores intentaron un estilo más natural que enfatizaba una sensación de espacio y movimiento.

10. de la Antigua Grecia y la Antigua Roma

El edificio más famoso de la antigua Grecia es la Acrópolis de Atenas. Los principales edificios de la Acrópolis son los templos, que reflejan las creencias religiosas y los conceptos políticos democráticos de los griegos. Va más allá del alcance de los edificios religiosos en general. Es la residencia del espíritu, la morada del alegre símbolo del matrimonio del sentimiento y la voluntad. La arquitectura romana mejoró dos nuevos estilos de columnas basándose en los estilos de columnas griegas. Los romanos amaban la magnificencia y, a menudo, incorporaban decoración griega en sus edificios para hacerlos más ornamentados. El estilo decorativo corintio fue el más utilizado por los romanos y creó un sistema de estructura de arco completo para atender el magnífico espacio interior y crear muchos tipos de edificios nuevos, como salas con columnas rectangulares, baños públicos y otros edificios famosos. >

11. Similitudes y diferencias entre el arte asirio y sumerio

La civilización asiria se basó en los logros del sur, pero los reinterpretó para adaptarlos a sus propias características.

Los templos asirios y la Torre de Gikula fueron modelados según formas sumerias. El tamaño y la magnificencia de su palacio superan con creces al de Sumeria. El arte asirio estuvo influenciado por la expansión territorial de sus gobernantes, con representaciones repetidas de escenas de batalla. Cada batalla fue representada en detalle y explicada con más detalle en el texto. Enormes relieves y esculturas redondas, una extraña combinación.

12. Características de los murales en el Antiguo Reino de Egipto

Expansión plana: Cuando los artistas egipcios pintaban, no seguían las reglas de la perspectiva, sino que desdoblaban libremente las distintas partes. cuadro. Completando el cuadro: los murales de tumbas requieren fuertes cualidades decorativas. Por lo tanto, generalmente es necesario lograr una composición completa, una densidad uniforme y una disposición de múltiples capas: esta también es una forma de convertir el espacio tridimensional en un espacio bidimensional al expresar una gran escena con una gran cantidad de. personas, ordenarán el espacio entre el frente y la parte posterior. La relación de profundidad se convierte en una relación plana entre arriba y abajo, siendo lo de arriba lejos y lo siguiente cerca. Se trata el tamaño: el rey y el dueño de la tumba. Están pintados los más grandes, seguidos de los ministros y asistentes, y los esclavos son los más pequeños. Modelado multifacético: Para mostrar las características del objeto, el tratamiento de la imagen en las pinturas egipcias también adopta un enfoque idealizado.

13. Las características artísticas de las esculturas del antiguo Egipto

: Postura erguida, brazos cerca del cuerpo, mirando al público, mientras que otras partes están relativamente separadas; simple, el contorno facial es sólido y la expresión solemne; las proporciones se determinan según el estatus del personaje, y los ojos suelen tener incrustaciones de cristales, cuarzos y otros objetos; Renacimiento

1. Egipto tú. El Greco

Sus obras reflejan tortuosamente la turbulenta sociedad española y la crisis espiritual de la decadente vieja aristocracia en España en la segunda mitad del siglo XVI. Su limitación es que no logró salir del mundo aristocrático e integrarse con las amplias masas populares. El. El estilo pictórico dramático y expresivo de Greco ganó reconocimiento en el siglo XX. Greco es reconocido como un pionero del expresionismo y el cubismo e influyó en Pablo. Picasso. Intente representar el tenso estado de fe con un estilisticismo exagerado. Esta exageración también cruzó las líneas del manierismo, incorporando el clasicismo renacentista.

2. ¿Cuáles son las diferencias entre los estilos artísticos temprano y tardío de Tiziano? ¿Por qué?

Diferencias: En sus primeros años, sus pinturas eran limpias, delicadas y llenas de vitalidad y estilo magnífico, mostrando siempre un mundo colorido que rezumaba una vida alegre. En sus últimos años, su pincelada se volvió más vigorosa y audaz, y su estilo se volvió cada vez más audaz.

Motivo: La tendencia social de defender la competencia y buscar la reputación en la era del Renacimiento afectó profundamente las elecciones artísticas de Tiziano. Esto se refleja en la imitación y el préstamo de esculturas antiguas y el arte de Miguel Ángel por parte de Tiziano, y en tomar a Miguel Ángel como su objetivo de competencia. La imitación y el préstamo del vocabulario pictórico del centro de Italia es que la tradición artística veneciana donde se educó Tiziano carecía de un vocabulario artístico apropiado para expresar temas de tragedia y violencia. Además, el estatus social superior de Tiziano en sus últimos años no sólo fortaleció su autoconciencia, sino que también le permitió crear arte en un ambiente relativamente relajado, lo que le permitió practicar la reforma artística sobre temas de tragedia y violencia que le interesaban. La rica expresión de diversas tragedias y acontecimientos violentos demuestra mejor la apariencia del estilo tardío de Tiziano.

2. ¿Cuáles son los principales logros artísticos de Rafael?

Los murales decorativos a gran escala pintados por Rafael para el Salón de la Firma del Vaticano incluyen tres murales: "Escuela de Atenas", "Monte Parnaso" y "Debate sobre las Sagradas Escrituras". Estas obras expresan una búsqueda humanista de la verdad. y felicidad

"La Escuela de Atenas" es la más elogiada por el mundo y muestra el incomparable talento artístico del joven Rafael. Centrado en el famoso pensador griego Platón y su discípulo Aristóteles, representa las gloriosas imágenes de muchos filósofos, científicos y artistas antiguos respetados por los humanistas de la época que discutieron y pensaron libremente para explorar la verdad científica. La composición de la imagen tiene prioridades claras, los personajes se reúnen y se dispersan, y la densidad es apropiada. El uso de altos edificios romanos antiguos con arcos de medio punto como fondo da una fuerte sensación de profundidad, que no sólo refuerza la grandeza de toda la pintura. , pero también hace que la imagen y la arquitectura sean más armoniosas. La estructura se funde en una sola. Rafael es un maestro en la representación de imágenes femeninas, y la imagen de la Virgen que pintó es un ejemplo brillante de imágenes femeninas en la historia del arte. La Virgen Sixtina es el retablo más famoso entre sus muchas Madonnas. Es como una hermosa oda, que integra la dignidad de la Virgen y el amor al mundo. La forma de arte perfecta que creó tiene una gran influencia en la historia de la pintura de Europa occidental

3 ¿Cuáles son las obras representativas de Botticelli?

El último maestro de la Escuela de Pintura de Lorenzo, “El Nacimiento de Venus” y “Primavera”, etc. "El nacimiento de Venus" es un cuadro que representa un mundo ebrio de belleza y amor, pero en el rostro de esta bella diosa con pureza y timidez. Pero muestra una expresión de preocupación interior. Este sentimiento profundo también se revela en otra de sus obras "Primavera"

4 Características del arte español durante el Renacimiento

El siglo XVII. La época en la que el arte barroco era popular en Europa. En la historia del arte, el arte español del siglo XVII se atribuye a menudo al arte barroco. Al mismo tiempo, debido a los destacados logros de Velázquez en la pintura, la gente también llama al arte español del siglo XVII la "Era de Velázquez". Los pintores españoles más destacados de la primera mitad del siglo XVII fueron Rivera, Zurbarán y Velázquez, y el pintor español más importante de la segunda mitad del siglo XVII fue Murillo

5. Son obras representativas y sus características artísticas.

Obras de escultura: "David", "Lamentación de Cristo", "Moisés", "Esclavo moribundo", "Mañana", "Anochecer", "Noche", etc.

Obras de pintura: Pintura de techo "Génesis" retablo "El Juicio Final"

"David" mide 2 o 5 metros de altura, con la pierna izquierda hacia adelante, la mano izquierda sosteniendo la cuerda de la catapulta en el hombro, su expresión Resuelto, con los ojos brillantes, mirando de reojo al frente. "David" expresa el fuerte deseo de Miguel Ángel de ahuyentar a los invasores. Esta obra se considera una imagen típica de la defensa de la patria y la lucha con valentía. También se ha convertido en un modelo para que los artistas posteriores aprendan escultura. Es una de las obras más destacadas de la historia de la escultura. Aunque "Génesis" representa a Dios, profetas y figuras míticas, no tiene ningún misterio. Las 343 figuras son todas las encarnaciones de héroes en la mente de Miguel Ángel. Cada una es alta y radiante, mostrando el poder infinito del hombre. /p>

En "El Juicio Final", con coraje sobrehumano y espíritu intrépido, pintó un gran grupo de gigantes desnudos para expresar la voluntad del hombre y la fuerza.

Es obvio que Miguel Ángel creó este cuadro para expresar abiertamente su conflicto con la conciencia feudal

6 Las características artísticas de la Escuela Veneciana

Énfasis en la búsqueda de matices de color y luz.

El estilo lírico suave desde el principio ha dado lugar a las siguientes características artísticas: los pintores prestan atención al color al pintar, y los colores son ricos y variados. Dan gran importancia a la representación de paisajes naturales; también pintan más mujeres que hombres; ángeles, cristos y vírgenes Marías, pero las escenas trágicas de sufrimiento y rostros tristes no se mostraban en las obras. Las figuras de las pinturas eran regordetas, lujosamente vestidas, de piel delicada y blanca, y eran consideradas figuras idealizadas de la escuela veneciana; Otra característica es que es altamente decorativo

7. Obras representativas de Leonardo da Vinci y su pensamiento artístico

Obras representativas: “Mona Lisa”, “Madonna de las Rocas”, “La Última Cena" "Santa Anna y el Factor Santo"

Pensamientos artísticos: Leonardo da Vinci mantuvo en alto el estandarte de la física y estudió la influencia y el control de la cantidad de aire. El mundo es una relación matemática razonable, por eso el arte es la reproducción de la naturaleza también debe basarse en la relación matemática de la naturaleza La armonía y unidad de las relaciones matemáticas es la condición básica del arte

8. arte.

(1) Hay rastros obvios de pinturas en miniatura y vidrieras con incrustaciones en el arte holandés; (2) Los murales son muy populares en Italia, mientras que los retablos son populares en los Países Bajos (3) Nigeria A diferencia de Italia, Derain fue influenciado por la antigua Grecia y tiene una tradición de arte gótico más profunda, que no ha desaparecido por completo en la Edad Media (4) Italia pintó a mujeres de la dinastía Ming en nombre de los antiguos, agregando solo la palabra "santa" o "dios"; Label, no hay suficiente comprensión del campo, pero Holanda es diferente. Los tiempos y las experiencias realistas le han encomendado una ardua tarea, que es la tarea de la independencia nacional.

Siglo XVII.

1. Las pinturas de Rubens tienen un espíritu humanista.

Aceptó el arte barroco italiano y también aceptó el pensamiento humanista y las humanidades italianas. El espíritu del socialismo es Primero se expresa en los temas creativos. Fue una de las pocas personas en esa época que expresó los temas "paganos" de la antigua Grecia y Roma. En segundo lugar, se expresa en el modelado de personajes. Las mujeres obesas en las obras de Rubens revelan un fuerte sentido. del humanismo. Tuvo un profundo impacto en las generaciones posteriores. La pasión en sus obras influyó en el romanticismo posterior. La luz en sus obras influyó en los impresionistas posteriores.

2. Discuta el espíritu de realismo reflejado en la creación de Rembrandt a partir de las obras.

El fuerte contraste en "La familia del carpintero" puede centrar la atención y el interés de las personas, y utilizar la oscuridad para ambientar. off the Light nos aleja inmediatamente de la realidad y nos hunde en el reino del arte. Toda fantasía en el arte es una síntesis más rica en formalidad que la realidad misma. Una historia tan simple y detalles tan mediocres amenazan con convertir este cuadro en un boceto. Es la atmósfera misteriosa creada por la luz y la oscuridad la que lo salva. Con la luz y la oscuridad, nos vemos conducidos a un mundo alejado de la realidad. prisioneros de estas precisas realidades. Su realismo es humano y su expresión espiritual es ciertamente religiosa. La verdadera representación de las cosas y su profunda expresión poética se combinan a la perfección. Sus obras se convirtieron en una mezcla de elementos naturalistas y líricos.

3. ¿Cuáles son las características del arte de Vermeer?

Tiene características personales extremadamente distintivas. Es un poeta que expresa la vida pacífica. Un maestro en representar los cambios de luces y sombras. No utiliza luces ni sombras para enfatizar efectos dramáticos. En cambio, debilita la intensidad del contraste para crear cambios sutiles de luces y sombras y una sensación de espacio para lograr propósitos líricos.

4. Las razones del surgimiento del arte barroco y sus principales características artísticas

Aunque el arte barroco no fue inventado por la religión, está al servicio de la iglesia, y la iglesia utilizada por la religión es su más fuerte Un pilar fuerte. El estilo artístico barroco cuenta con un fuerte apoyo de la iglesia y es principalmente popular en países donde prevalece el catolicismo, como Italia, Flandes y España. Las obras del maestro de arte italiano Bernini y del pintor flamenco Rubens reflejan los logros más gloriosos del arte barroco del siglo XVII.

5. ¿Cuáles son las características del arte occidental en los siglos XVII y XVIII?

El barroco fue la corriente principal del arte en el siglo XVII. estuvo representado principalmente por el arte rococó. En el siglo XVIII Desde la segunda mitad del siglo XIX hasta principios del siglo XIX se formó el neoclasicismo.

El arte barroco se considera la continuación del arte renacentista. Su estilo artístico es dramático y la luz que persigue no es natural.

La luz real utiliza la luz para expresar atmósfera y espiritual. temperamento y afectar a las personas.

El estilo rococó se originó en Francia en el siglo XVIII. Su estilo es extravagante, hermoso, exquisito y llamativo. No es tan poderoso como el estilo barroco, pero es peor que las técnicas exquisitas y la artesanía refinada. .

El neoclasicismo enfatiza la relación entre el dibujo y desprecia el uso del color. Los colores tienden a ser fríos, enfatizando las líneas y las formas rigurosas, rechazando la representación y la pincelada libre. Las composiciones de las pinturas son en su mayoría estáticas. Apasionado por la antigua Grecia y la antigüedad, el arte romano tendía a ser más expresivo que imaginativo.

6. Tres estilos de arte popular en el siglo XVII y sus razones sociales

El barroco fue el arte dominante en el siglo XVII. Carrazi, de Italia, y Velásquez de España fueron los principales representantes, y los personajes barrocos enfatizaron la majestuosidad y la contundencia

En Francia, debido al gobernante Luis XIV, la Escuela de Rafael propugnó la pintura clásica, cuyas características artísticas son el clasicismo. . Representado por Poussin.

Países Bajos fue el primero en emprender el camino del capitalismo, y la influencia de las tendencias ideológicas burguesas emergentes se reflejó en el arte ciudadano. Numerosas pinturas de género y retratos. Representante Lun Bolang y otros.

7. Un breve análisis de las características de los bodegones holandeses del siglo XVII

1. Autenticidad de la imagen 2. Integralidad de la imagen;

8. Las características artísticas de Hals, retratista holandés del siglo XVII.

Lleno de optimismo, también es único en sus técnicas pictóricas. Utiliza técnicas suaves, desenfrenadas y libres. -Grandes pinceladas fluidas para expresar audacia y confianza tanto en la forma como en el espíritu, figuras realistas, que son los rasgos destacados de sus retratos.

9. Las diferencias entre las pinturas de paisajes holandesas del siglo XVII y las pinturas de paisajes académicas.

Las pinturas de paisajes holandesas del siglo XVII representaban paisajes locales insípidos. Con la "similitud selectiva de la naturaleza" como parte de las ideas, recuerdos y emociones compartidas, la naturaleza reaparece frente al espectador. La pintura enfatiza la sencillez, el estilo realista y riguroso. Por tanto, academicismo significa rigor y estandarización, y también significa ser conservador.

10. Las características artísticas de la pintura holandesa en el siglo XVII y su influencia en las generaciones posteriores

El siglo XVII fue la época dorada de la pintura holandesa. La victoria de la revolución condujo a la prosperidad económica y cultural. Este país emergente fue uno de los centros de pensamiento avanzado de la Europa de la época. Los pintores holandeses tenían un sentimiento de orgullo nacional. Utilice técnicas realistas para expresar la vida de las personas y el paisaje natural de la patria en sus obras. La pintura se deshizo de su dependencia de la nobleza de la corte y de la Iglesia católica y pasó a servir a la clase ciudadana emergente. Con el surgimiento del mercado de la pintura y los marchantes de arte, las pinturas se convirtieron en mercancías en el mercado. Para satisfacer las necesidades estéticas y de vida de los ciudadanos, la variedad de pinturas se ha ampliado mucho más que en el pasado. Además de las pinturas y retratos históricos religiosos, también se han convertido en pinturas importantes las pinturas de género, paisajes, naturalezas muertas y animales.

11. ¿Cuáles son las características del arte de Vermeer?

El arte de Vermeer tiene características personales extremadamente distintivas. Es un poeta que expresa la vida pacífica. Un maestro en representar los cambios de luces y sombras. No utiliza luces ni sombras para enfatizar efectos dramáticos. En cambio, debilita la intensidad del contraste para crear cambios sutiles de luces y sombras y una sensación de espacio para lograr propósitos líricos.

12. ¿Cómo entender el arte barroco?

Tiene características religiosas y un color hedonista; en segundo lugar, tiene un fuerte color romántico; en tercer lugar, enfatiza fuertemente el movimiento; en cuarto lugar, presta gran atención al sentido del espacio y la tridimensionalidad de la obra. En quinto lugar, tiene un fuerte color romántico. El arte barroco enfatiza los medios integrales de las formas artísticas. En sexto lugar, tiene un fuerte color religioso y los temas religiosos desempeñan un papel dominante en el arte barroco. En séptimo lugar, la mayoría de los artistas barrocos tienden a mantenerse alejados. vida y época.

13 .Las diferencias artísticas entre las dos principales escuelas de pintura de los Países Bajos y Flandes

Flandes en el siglo XVII era diferente de los Países Bajos independientes que aún existían. el control de la autocracia feudal española y de la Iglesia católica, por un lado, su arte recibió la influencia del Renacimiento, y su laicidad se hizo cada vez más evidente, por otro, para adaptarse a las exigencias estéticas de la nobleza cortesana y de la Iglesia católica; La iglesia desarrolló un estilo decorativo aristocrático y magnífico, que se convirtió en un importante componente representativo del movimiento artístico barroco europeo.

14. El significado contemporáneo y la influencia del arte de Caravaggio

El caravaggioismo influyó en toda Europa en ese momento, empujando el arte realista a una nueva etapa. El surgimiento del arte de Caravaggio, que tiene un color ideológico democrático distintivo, está relacionado con la era turbulenta en Italia en ese momento.

15. La razón del auge del arte barroco

Es el estilo artístico de Europa en el siglo XVII. Se originó por primera vez en Roma bajo el gobierno del Papa en el siglo XVII. En ese momento, Italia era el centro del arte europeo, pero en el período del Barroco tardío, el centro del arte europeo se trasladó a Francia. No tenía un estilo artístico claro y solo podía considerarse como un pasatiempo y una moda.