¿Qué materiales se necesitan para pintar un cuadro al óleo?

Un tipo de pintura en la que se mezclan aceites vegetales transparentes con pigmentos para crear imágenes artísticas en materiales como tela, papel y tableros manufacturados. Se originó y desarrolló en Europa y se convirtió en una pintura importante en el mundo en los tiempos modernos. La pintura al temple en la pintura europea anterior al siglo XV fue la predecesora de la pintura al óleo. Muchos pintores siguen buscando más razones por las que utilizan la témpera.

La mezcla ideal. Generalmente se cree que los hermanos Van Eyck, pintores holandeses de principios del siglo XV, fueron los fundadores de las técnicas de pintura al óleo. Basándose en intentos anteriores de utilizar aceite para disolver pigmentos, utilizaron aceite de linaza y aceite de nuez como mezcla para pintar, y el resultado fue

La pintura quedó suave y la pintura tuvo un tiempo de secado moderado en la superficie. pintura.Es fácil de cubrir y modificar muchas veces durante el proceso, formando ricos niveles de color y brillo. Después del secado, la pintura tiene una fuerte adherencia y no se despega ni se decolora fácilmente. El uso de nuevos materiales para la pintura al óleo tuvo gran influencia en el mundo de la pintura de aquella época. Las técnicas de pintura al óleo pronto se extendieron a otros países de Europa occidental, especialmente a Venecia, Italia.

Materiales y Herramientas Los principales materiales y herramientas para pintar al óleo son pintura, pincel, cuchillo, lienzo, barniz, marco, etc. ①Los pigmentos se pueden dividir en dos categorías: síntesis mineral y química. Los pigmentos originales eran en su mayoría pigmentos minerales, molidos a mano hasta obtener un polvo fino y mezclados durante la pintura. En los tiempos modernos, se producían en masa en fábricas y se guardaban en latas, y los tipos de pinturas se hicieron cada vez más numerosos. Las propiedades de los pigmentos están relacionadas con su composición química. Al mezclar colores, las interacciones químicas pueden provocar reacciones adversas entre algunos pigmentos. Por lo tanto, dominar las propiedades de los pigmentos te ayudará a aprovechar al máximo tus habilidades para pintar al óleo y a mantener el color de tu obra sin cambios durante mucho tiempo.

(2) Los cepillos están hechos de pelo de animal con elasticidad moderada. Tienen puntas redondas, puntas planas, puntas cortas y planas, formas de abanico, etc.

(3) Las espátulas para pintar, también conocidas como espátulas, están hechas de finas láminas de acero elásticas y se pueden dividir en formas puntiagudas y redondas. Se utiliza para mezclar pintura uniformemente en la paleta. Muchos pintores también utilizan cuchillos en lugar de bolígrafos, pintando directamente con el cuchillo o formando parcialmente capas de pintura y textura sobre el lienzo para aumentar la expresividad.

(4) El lienzo, lienzo estándar, se fabrica estirando lino o lienzo sobre un marco interior de madera, mezclando pegamento o aceite con polvo blanco y recubriéndolo sobre la superficie de la tela. Generalmente se convierte en una base que no absorbe aceite y tiene un cierto efecto de patrón, o se puede convertir en una base semi-absorbente o totalmente absorbente de aceite según las necesidades creativas. El grosor de la veta de la tela depende del tamaño del marco y de las necesidades del efecto de pintura. Algunos pintores utilizan un lienzo con un color de fondo para formar fácilmente un tono de imagen unificado y también pueden revelar inadvertidamente el color de fondo al pintar. Después de la imprimación, también se puede utilizar madera o cartón que no absorba aceite en lugar de lona.

⑤ El vidriado, generalmente una vez seca la pintura al óleo, se cubre con barniz para mantener el brillo del cuadro y evitar la cavitación y las manchas.

⑥Marco, una pintura al óleo completa incluye un marco, especialmente una pintura al óleo muy realista. El marco forma el límite visual de la obra del espectador, haciendo que la imagen parezca completa y concentrada. Los objetos de la pintura se desarrollan en profundidad en la percepción del espectador. El grosor y tamaño del marco dependen del contenido de la obra. Los marcos exteriores de las pinturas al óleo clásicas están hechos principalmente de madera y yeso, mientras que los marcos exteriores de las pinturas al óleo modernas están hechos principalmente de aleación de aluminio y otros materiales metálicos.

Las limitaciones de las herramientas y materiales de la pintura al óleo han llevado a la complejidad de las técnicas de pintura al óleo. Durante siglos, los artistas han creado una variedad de técnicas de pintura al óleo en la práctica para aprovechar al máximo los efectos expresivos de los materiales de pintura al óleo. Las principales técnicas de pintura al óleo son:

(1) Método de superposición transparente, es decir, diluir aceite coloreado sin agregar pigmento blanco para una representación de múltiples capas. Es necesario aplicar la siguiente capa después de que cada capa esté seca. Debido a que cada capa de color es delgada, el color de la capa subyacente se revela débilmente, creando tonos sutiles con el color de la capa superior. Por ejemplo, aplicar un azul estable sobre una capa de color rojo intenso producirá un rico efecto de azul a púrpura, es decir, frío y cálido, que a menudo es un tono que no se puede transferir a la paleta de colores. Este método de pintura es adecuado para expresar la textura y el grosor de los objetos. Es especialmente adecuado para representar vívidamente los delicados cambios de color de la piel humana, haciendo que las personas sientan la sangre fluyendo debajo de la piel. Sus desventajas son su estrecha gama de colores, su meticuloso proceso de producción, el largo tiempo para completar la obra y la dificultad para expresar los sentimientos artísticos creativos actuales del artista.

(2) Método de superposición de opacos, también conocido como método de coloración multicapa.

Al pintar, primero dibuje una forma grande con un solo color y luego déle forma con varios colores. Las partes oscuras a menudo se pintan finamente, mientras que los tonos medios y las partes brillantes se pintan gruesamente en capas, ya sea cubriéndolas o dejándolas, para crear bloques de colores contrastantes. Debido a los diferentes espesores, muestra el rico encanto y textura de los colores. No existe una distinción estricta entre los métodos de pintura transparente y opaco, y los pintores suelen utilizar una combinación de ellos en una pintura. Al representar objetos en la oscuridad o en la sombra, el método de color de cobertura transparente puede producir una sensación estable y profunda de volumen y espacio. Las reglas de superposición de colores opacos facilitan la creación de formas fuera de las partes oscuras y aumentan la saturación del color; imagen. Antes del siglo XIX, la mayoría de los pintores utilizaban estos dos métodos de pintura y, por lo general, llevaba mucho tiempo completar la obra. Algunos pintan una capa y luego la dejan durante mucho tiempo, esperando a que la capa de color se seque por completo antes de pintar.

③ Método de color primario opaco, también conocido como método de coloración directa. Es decir, después de trazar el contorno del objeto en el lienzo, el color se coloca según la sensación de color del objeto o el concepto del color de la imagen. Básicamente se completa de una vez. para raspar las piezas incorrectas y luego continuar con el ajuste. En este método de pintura, cada trazo de pintura es más grueso, la saturación del color es alta y los trazos son claros, lo que puede expresar fácilmente la sensación vívida de la pintura. Muchos pintores después de mediados del siglo XIX adoptaron este método de pintura. Para lograr el efecto de una capa a todo color después de una aplicación de color, se debe prestar atención al uso de trazos, es decir, al método de pintura. Los métodos de pintura más utilizados se dividen en revestimiento plano, revestimiento suelto y revestimiento grueso. La pintura plana utiliza fuerza unidireccional y trazos uniformes para dibujar una gran área de color, que es adecuada para dar forma a formas estáticas en una composición estable y tranquila. La pintura suelta significa que las pinceladas son sueltas y flexibles de acuerdo con la tendencia natural del giro; del sujeto que se está pintando. Una capa gruesa es una capa gruesa de todo o parte de un pigmento, parte del cual forma capas o manchas de color de hasta varios milímetros de alto, dando al pigmento una textura interesante que realza su imagen. Como lenguaje artístico, la pintura al óleo incluye muchos factores de modelado como el color, la luz y la sombra, las líneas, la textura, la pincelada, la textura, la luz, el espacio, la composición, etc. La función de las técnicas de pintura al óleo es reflejar de forma integral o individual todos los factores del modelado. El rendimiento de los materiales de pintura al óleo ofrece plenamente la posibilidad de aplicar técnicas de pintura al óleo de forma bidimensional. El proceso de producción de pintura al óleo es un proceso creativo en el que el artista domina consciente y hábilmente los materiales de pintura al óleo, selecciona y utiliza técnicas que pueden expresar ideas artísticas y forma una imagen artística. Las pinturas al óleo no sólo expresan el contenido ideológico dado por el artista, sino que también expresan el lenguaje único de las pinturas al óleo.

La belleza de la pintura.

El proceso de desarrollo de la pintura al óleo ha pasado por varias épocas: clásica, moderna y moderna. Las pinturas al óleo de diferentes épocas muestran diferentes miradas, dominadas por los conceptos y técnicas artísticas de la época.

Las condiciones históricas en las primeras etapas del desarrollo de la pintura al óleo establecieron la tendencia realista de la pintura al óleo clásica. Durante el Renacimiento europeo del siglo XV, el pensamiento humanista surgió de su crítica de la religión y buscó activamente prestar atención a la realidad social para deshacerse gradualmente de las creaciones individuales basadas en los clásicos cristianos, que comenzaron a observar muchos pintores famosos. y representan directamente los personajes, paisajes y objetos de la vida de esa época, de modo que las obras de temática religiosa contenían evidentes factores de realismo y secularismo, algunos de los cuales fueron representados íntegramente por este pintor de la vida real. Los pintores del Renacimiento heredaron los conceptos artísticos de Grecia y Roma, es decir, no sólo se preocuparon por describir un evento o hecho en sus obras, sino que también revelaron las causas y consecuencias del evento o hecho.

Es una técnica artística que se centra en concebir tramas típicas y dar forma a imágenes típicas. Al mismo tiempo, el pintor también exploró la aplicación de la anatomía y la perspectiva en la pintura y el papel de la distribución de la luz y la oscuridad en la imagen, formando los principios científicos del modelado.

La aplicación de la anatomía humana permite que las figuras en las pinturas tengan proporciones, formas y relaciones estructurales realistas y precisas; el establecimiento de una perspectiva focal permite que las pinturas formen una ilusión de espacio profundo a través de la composición, los paisajes y la realidad

La experiencia visual inmediata en todas las direcciones es la misma; el método del claroscuro unifica los objetos del cuadro bajo la luz de una fuente de luz principal, formando una clara jerarquía de cerca a lejos. Los temas humanísticos y artísticos y los conceptos de modelado realistas en otras pinturas no se pueden perfeccionar debido a las limitaciones de los materiales de las herramientas. El rendimiento de los materiales de las herramientas de pintura al óleo es adecuado para encarnar ambos por completo. Por lo tanto, después de un largo período de producción, las pinturas al óleo clásicas se han vuelto muy realistas.

En general, la pintura al óleo clásica es el resultado del uso simultáneo y completo de múltiples factores en el lenguaje de la pintura al óleo. Sin embargo, sobre esta base, artistas de diferentes países y diferentes épocas prestaron especial atención. uno o varios factores, formando los diferentes estilos. Literatura y Arte

Los pintores italianos durante el Renacimiento prestaron más atención al uso de la luz y la sombra. Las partes oscuras de la escena de la pintura están envueltas uniformemente en sombras, y los límites entre la luz y la oscuridad muestran una transición suave, creando un efecto concentrado y fluido. La "Roca Sagrada" de Leonardo da Vinci

La madre es la representante de este estilo. Al mismo tiempo, el pintor holandés representó claramente todos los detalles de la escena en su pintura, y las diferencias entre las escenas no fueron transiciones entre la luz y la oscuridad. El retablo de tres hojas de R. Camping "Aviso de embarazo" presenta en detalle todas las escenas interiores y exteriores. Tiziano de Italia fue el primer pintor que prestó especial atención al poder expresivo de la pintura al óleo. Pinta sobre fondos oscuros, a menudo utilizando colores brillantes de brillo similar pero con tonos ligeramente diferentes, lo que da como resultado magníficos tonos dorados. La superposición repetida de pigmentos transparentes y distintas pinceladas hacen que los colores y las formas se mezclen orgánicamente, creando un efecto de textura.

El siglo XVII fue un período de rápido desarrollo de la pintura al óleo clásica europea. Pintores de diferentes regiones y países han realizado diferentes exploraciones en profundidad del lenguaje de la pintura al óleo en función de sus respectivos orígenes sociales y temperamentos nacionales. Los tipos de pinturas al óleo también se clasifican según su temática.

Se divide en cuadros históricos, cuadros de relatos religiosos, retratos de grupo, retratos individuales, cuadros de paisajes, cuadros de bodegones, cuadros de género, etc. Las técnicas de pintura al óleo también se enriquecen cada vez más, formándose escuelas en diversos países y regiones.

Algunas pinturas al óleo del siglo XVII enfatizaron la sensación de luz de las pinturas al óleo, utilizando el contraste de colores cálidos y fríos, la intensidad de la luz y la oscuridad y los niveles de espesor para crear una sensación de luz y formar una atmósfera dramática en la imagen. El pintor italiano Caravaggio rompió el efecto de luz ordenado y armonioso de las pinturas al óleo anteriores. Reforzó el contraste entre la luz y la oscuridad en la imagen, a menudo usando las grandes áreas oscuras del plano de fondo para resaltar las figuras brillantes en el primer plano, haciendo que la gente sintiera que la luz en la pintura es muy deslumbrante. El pintor español El Greco pintó paisajes con luces y sombras moteadas. No lo modeló desde la perspectiva mojigata de la luz y la oscuridad, sino a partir de la distribución intermitente de la luz y la oscuridad. Los colores fríos y cálidos también forman cambios intermitentes y continuos con una pincelada solemne, las capas de color se penetran entre sí durante la compresión, dando a las personas un efecto confuso, y algunas incluso impregnan una atmósfera misteriosa e inquietante. El pintor holandés Rembrandt también utilizó el sentido de la luz en sus pinturas como medio para expresar el estado mental de las personas. En muchos de sus retratos, los personajes están envueltos en grandes áreas de oscuridad, y sólo partes importantes, como rostros y manos, expresan expresiones que muestran un brillo brillante. Usó colores tranquilos para crear múltiples capas delgadas de pintura en las áreas oscuras para hacer que las áreas oscuras parecieran profundas, mientras que usó pintura espesa y superposiciones con técnicas de cuchillo para crear una gran sensación de volumen en las áreas brillantes.

Al mismo tiempo, el uso de la pincelada también ha sido explorado por muchos pintores. Las pinceladas

son las huellas del movimiento de la pintura sobre el lienzo mediante un pincel al óleo. En las primeras pinturas al óleo, el grosor de la capa de pintura en cada parte de la pintura era relativamente consistente y las pinceladas se aplicaban de manera uniforme, casi sin trazos visibles. Cuando los pintores del siglo XVII notaron que el movimiento de las pinceladas estaba afectado por la creación, impulsado por emociones y ritmos emocionales, los pintores podían generar emociones para controlar el movimiento de las pinceladas mientras pintaban. La dirección ligera, pesada, lenta, rápida y de movimiento de las pinceladas no solo hace que la imagen creada sea dinámica, sino que también tenga expresión artística.

El pintor flamenco P.P. Rubens utilizó una gran cantidad de pinturas bañadas en colores finos y brillantes en muchas obras de gran escala, dejando pinceladas curvas, libres y desenfrenadas a lo largo de las figuras, creando un fuerte gesto dinámico y armonía.

Conflicto dramático en la historia. El pintor holandés Hals pintó retratos con pinceladas ligeras y flexibles, llenando los retratos de vitalidad y complementando su carácter heroico y optimista. Otro

El pintor holandés J. Vermeer es bueno retratando a los personajes de la habitación con pinceladas delicadas y redondas como perlas, dando al cuadro una atmósfera tranquila y cálida. El desarrollo de la pintura al óleo vio nuevas tendencias en el siglo XIX, principalmente los cambios en los colores de la pintura al óleo. El pintor británico J. Constable fue el primero en utilizar directamente pinturas al óleo para dibujar al aire libre, adquiriendo un rico sentido del color.

Yuxtapone colores con pequeñas pinceladas en áreas localizadas, mezclándolos en parches de color más vibrantes, haciendo que la pintura sea mucho más brillante que los clásicos tonos marrones. La complementariedad de los colores (el principio de que los colores en polos opuestos de la rueda cromática realzan el brillo y la intensidad de cada uno cuando se yuxtaponen) fue reconocida más tarde por la ciencia, pero Constable llegó a ese principio de manera perceptible al observar la naturaleza, y en Se aplica parcialmente en la práctica. . Sus obras inspiraron al pintor francés E. Delacroix. Delacroix guió sus creaciones con romanticismo y creó pinturas temáticas de gran escala basadas en acontecimientos históricos de la época. Aplicó relaciones de color más complementarias a las expresiones cromáticas de sus creaciones. Utilizó pinceladas positivas en muchas partes de la imagen para formar contrastes de color, realzando el brillo y la magnificencia de los colores, formando un estilo que conmocionó al mundo de la pintura en ese momento. Muchos pintores de la Escuela de Barbizon en Francia dibujaron en diferentes condiciones climáticas naturales y se dieron cuenta de la relación entre el color de la fuente de luz, el color inherente de la escena y el color del entorno.

El color es de gran importancia al reflejar el tiempo, el entorno y la atmósfera, resaltar el tema artístico y formar la concepción artística y el estado de ánimo de la imagen. Un gran número de sus creaciones paisajísticas representan atmósferas cromáticas específicas, como el viento natural, la lluvia, la mañana y el anochecer. Sobre esta base, los pintores impresionistas franceses hicieron contribuciones innovadoras al uso del color. Absorbieron los logros de la óptica y la química del teñido, y utilizaron el principio de mezcla de color y luz para resolver el problema del color de las pinturas al óleo. Pintores como C. Monet y A. Sisley captaron la impresión momentánea de color dada por los cambios de luz en la superficie de la escena exterior, yuxtaponiendo colores contrastantes con pinceladas gruesas y finas. Se dieron cuenta de que las partes oscuras o las sombras no son cambios en los tonos negros y cambiaron la práctica tradicional de pintar partes oscuras con un solo color armonioso, usando puntos de color para yuxtaponer las partes oscuras y las partes con sombras. Debido a los efectos de la fisiología visual, los puntos de color yuxtapuestos se encuentran a cierta distancia.

Mirado desde fuera, es un bloque de color transparente, con tendencia al frío y al calor, y forma una sutil transición. El impresionismo restó importancia al volumen de la escena y reforzó el factor color. No se basó en la luz, las sombras y las líneas para crear una sensación de distancia espacial, sino que se basó en el reflejo de la luz de colores.

Principio, utiliza los colores fríos y cálidos para formar un espacio. El trabajo impresionista nunca ha sido más vívido y expresivo, lo que ilustra que el color es a la vez integral y puramente expresivo.

En el siglo XIX surge una escuela europea de pintura al óleo con ideas artísticas claras. Aunque las técnicas de pintura al óleo se reflejan principalmente en temas y contenidos artísticos, también tienen sus propias características. Por ejemplo, el neoclasicismo presta atención al rigor y la firmeza del modelado de objetos en las pinturas al óleo.

El sentimiento real está en línea con las reglas clásicas del modelado tradicional; el romanticismo gira en torno al tema de la tragedia y se esfuerza por utilizar el color, las pinceladas y las líneas en movimiento para crear la tensión de la trama en la pintura; Los prerrafaelitas se centran en los sentimientos psicológicos de los personajes del cuadro.

Para expresar la concepción artística, más imágenes utilizan tonos azules, morados y verdes para formar una concepción artística triste y tranquila. Aunque las pinturas al óleo modernas ya tienen una apariencia rica, todas tienen las características generales del realismo, que se reflejan específicamente en: una pintura al óleo es la unidad de la forma de arte y el tema del color unifica las distintas partes de la imagen. , los colores locales forman una relación armoniosa entre sí en transiciones y degradados, y no hay bloques de color aislados que se utilizan básicamente para dar forma a la imagen, lo que demuestra que el grado de exposición es limitado y unificado ya sea en largo o en corto; tendencia ordenada; los objetos representados se unifican en la composición con un foco central, formando un efecto isomórfico con el campo de visión real.

Desde finales del siglo XIX, la pintura al óleo occidental ha sufrido cambios fundamentales. Las funciones artísticas limitadas y las técnicas realistas integrales de la pintura al óleo tradicional han alcanzado un alto grado de saturación en sus propios sistemas y, por lo tanto, tienden a desintegrarse en medio de cambios en los conceptos filosóficos y artísticos. La pintura al óleo ya no se basa en el principio de imitar y reproducir la naturaleza, y la imagen artística de la pintura al óleo construida libremente por el artista se considera una nueva realidad. Los artistas ya no representan la naturaleza fielmente a través de pinturas al óleo, sino que utilizan las pinturas al óleo como medio para expresar su mundo espiritual y emocional, construyendo sus obras a través de la imaginación y la fantasía. Tres pintores posteriores al impresionismo fueron los primeros en abandonar el modo tradicional de pintar al óleo. 5. La pincelada desenfrenada de Van Gogh hace que los colores gruesos y brillantes estén llenos de fuerza, expresando ansiedad emocional interna. Gauguin utiliza colores y formas simbólicas para componer un cuadro. El espacio de la obra es contrario a la forma tradicional y tiene una atmósfera misteriosa indescriptible.

p·Cézanne exploró el uso de figuras geométricas para formar imágenes artísticas y creó una colorida imagen del mundo. Sus obras se han convertido en símbolos de los dramáticos cambios en la apariencia de la pintura al óleo.

En la pintura al óleo del siglo XX, diferentes conceptos artísticos formaron diferentes escuelas, restringiendo así la tendencia de las formas de arte a mostrar diversidad. Algunos factores de las técnicas tradicionales de pintura al óleo a menudo se refuerzan como encarnación formal de conceptos artísticos, e incluso se llevan al extremo. El lenguaje formal de la pintura al óleo es muy valorado. Por ejemplo, el cubismo, que ignora el color y se centra en la construcción libre del cuerpo; el fauvismo, que se centra en el efecto equilibrado de los colores fuertes; el expresionismo, que expresa una psicología distorsionada mediante el uso desordenado de colores y pinceladas, que se compone puramente de; puntos de color, la composición de líneas y superficies y el expresionismo abstracto de arrojar, salpicar y gotear pintura al azar sobre el lienzo. En los últimos cien años, ha habido muchas escuelas de pintura al óleo occidental moderna, una tras otra. Los artistas pueden crear cualquier estilo de pintura al óleo siempre que utilicen herramientas y materiales de pintura al óleo como medio de modelado. Con la continua expansión de los conceptos artísticos, los materiales de la pintura al óleo se combinan con otros materiales para producir un arte integral que no pertenece a un tipo de pintura específico. Por lo tanto, la pintura al óleo tiende a perder su estatus como el tipo de pintura principal en Occidente.

La pintura al óleo china se desarrolló a partir de la introducción de técnicas de pintura al óleo europeas. La Escuela Normal Excelente de Nanjing Liangjiang, fundada en 1902, fue la primera en establecer una academia de pintura occidental y contrató profesores extranjeros para enseñar pintura al óleo. Durante el mismo período, el gobierno Qing también envió estudiantes extranjeros a estudiar pintura al óleo en el extranjero. De 65438 a 0887, Li Tiefu estudió en Inglaterra y Estados Unidos y estudió con pintores impresionistas. Del 65438 al 0904, Li Shutong y otros estudiaron pintura al óleo en Japón. Además, hay pintores que estudiaron en Europa por cuenta propia. A finales de la década de 1920, los estudiantes extranjeros regresaron a China uno tras otro y participaron activamente en la creación y educación de la pintura al óleo. Formaron varias sociedades de pintura y sociedades artísticas con ellos como cuerpo principal, publicaron álbumes de imágenes e introdujeron las pinturas al óleo occidentales. De esta manera, la pintura al óleo se introdujo en China directamente desde Europa e indirectamente desde Japón, convirtiéndose en un nuevo tipo de pintura en China.

Los estudiantes internacionales estudiaron en diferentes escuelas de arte o estudiaron con pintores de diferentes estilos, lo que hizo que las primeras pinturas al óleo de China parecieran diferentes. Debido a la falta de atmósfera social para el arte de la pintura al óleo y las limitaciones de los materiales después de que el pintor regresó a China, las primeras pinturas al óleo chinas no eran tan redondas y expresivas como las pinturas al óleo occidentales. Algunas obras utilizan materiales de pintura al óleo para expresar el contenido y las características de modelado de las pinturas tradicionales chinas. Las imágenes a menudo parecen secas y estancadas y no son fáciles de conservar durante mucho tiempo.

Desde la década de 1920 hasta la década de 1940, la Facultad de Arte de Beiping, el Departamento de Arte de la Universidad Central, el Instituto de Arte de Hangzhou, el Instituto de Arte de Shanghai, el Instituto de Arte de Suzhou, el Instituto de Arte de Wuchang, etc. cultivaron una serie de talentos para la pintura al óleo. Liu Haisu, Lin Fengmian y Xu Beihong fueron artistas de pintura al óleo que tuvieron una mayor influencia en el sector educativo y sus obras representaban el nivel más alto en ese momento. Muchos pintores, representados por Xu Beihong, insisten en utilizar contenidos de la vida real como tema, representando tramas específicas, centrándose en la forma rigurosa del cuerpo y los colores realistas. Los temas de sus obras están estrechamente relacionados con el trasfondo social e histórico de la época.

La estrecha relación ha formado un fuerte significado social y educativo. Algunos pintores, como Lin Fengmian y Liu Haisu, prestan atención a absorber los estilos de varias escuelas posteriores al impresionismo europeo, expresando principalmente sus sentimientos subjetivos sobre el paisaje a través de colores ricos y pinceladas libres. Las imágenes tienen un fuerte sentido de forma artística y en su mayoría son suaves y relajadas. En la década de 1940, algunos pintores al óleo que regresaron de estudiar en el extranjero fueron a las Grutas de Dunhuang y otros lugares para estudiar el arte chino antiguo, y pintaron obras que absorbieron las formas y colores de las pinturas tradicionales chinas.

Tras la fundación de la República Popular China, la pintura al óleo china se hizo popular. A finales de la década de 1950, la enseñanza y la creación de la pintura al óleo se vieron influenciadas por nuevas influencias extranjeras, y se adoptó principalmente el modelo de pintura al óleo ruso-soviético. En la operación básica, las características de las técnicas de pintura al óleo son: centrarse en representar el efecto de los objetos bajo una fuente de luz principal y tomar la transición de tonos claros y oscuros, es decir, la relación del boceto, como forma dominante. El color representa los tonos que se desarrollan entre objetos e imágenes debido a la influencia de los colores ambientales. Generalmente, la pintura multicapa se utiliza para mantener la transparencia de las partes oscuras y la superposición de capas de color en las partes brillantes. Las pinceladas son más amplias y obvias, formando giros y texturas decentes de objetos e imágenes.

La pintura al óleo china sigue principalmente los principios artísticos que reflejan la vida social real.

Sobre la base de observar la vida, recopila materiales creativos a través de bocetos para formar una concepción artística clara. Encarna el tema artístico creando escenas de un cierto estado momentáneo de la vida, enfatizando la trama y la naturaleza literaria del contenido. La imagen generalmente tiene una perspectiva de enfoque realista, utilizando luces, sombras y formas para resaltar el tema. La tendencia del tono forma la concepción artística de la imagen y resalta el tema. Muchas obras basadas en la vida real y hechos históricos modernos reflejan la conciencia social común en los años 1950 y la primera mitad de los años 1960. Las técnicas de pintura al óleo se han vuelto cada vez más ricas y se han convertido en una forma de pintura vibrante en el mundo de la pintura china. A finales de la década de 1960, la pintura al óleo china pasó de un camino artístico estrecho a la conceptualización, presentando un contenido único. Muchas obras se convirtieron en ilustraciones de los lemas políticos de la época, perdiendo casi por completo las características de las pinturas al óleo.

Después de 1979, la pintura al óleo china se desarrolló gradualmente con normalidad, cambiando la situación anterior de absorber un solo modelo de pintura al óleo y absorber varios estilos y escuelas occidentales, desde el clásico al moderno. Los artistas prestaron más atención a la función estética de la pintura al óleo y a la diversificación y personalización del lenguaje formal de la pintura al óleo, formando así la prosperidad inicial de la pintura al óleo china. Entre ellos, el estilo de pintura al óleo más destacado es absorber las técnicas de la pintura al óleo clásica francesa, centrándose en el rigor y la generalización artística.

Los delicados cambios de color y las múltiples capas de colores forman un tono armonioso. La atmósfera de la obra es elegante y la concepción artística es fresca. Algunos se inspiran en el realismo fotográfico estadounidense y utilizan pinceladas extremadamente finas para representar objetos y obras bien estructurados.

Basado en la vida real, a menudo muestra un estado de ánimo indiferente. Cada vez más pintores buscan la expresión emocional artística y utilizan materiales de pintura al óleo de manera flexible para crear obras de arte llenas de personalidad.

El rico poder expresivo de la pintura al óleo es cada vez más evidente en su desarrollo. Es un lenguaje artístico importante en el mundo para comunicar las emociones humanas.