Información seca|Habilidades de edición de video súper prácticas
Los siguientes 12 consejos pueden ayudar a cualquier editor de películas a hacer un mejor trabajo.
Autor Oliver Peter.
Dirige, actúa, colorea y dirige la postproducción. Ha ganado múltiples premios Oscar al Mejor Montaje.
Cuando edito una película digital, no puedo evitar pensar en el estilo de edición. Los siguientes 12 consejos pueden ayudar a cualquier editor de películas a hacer un mejor trabajo. Por supuesto, no todo el mundo estará de acuerdo con estos puntos de vista, ya que todos provienen de mi estilo y estilo personal. Sin embargo, todavía espero que estas habilidades le aporten valor.
1. La edición debe ser concisa.
Es mejor acortar algunas escenas tensas, pero no demasiado. Dicho esto, es necesario eliminar las pausas innecesarias en el diálogo de los actores. Reduzca el espacio en blanco entre cada frase e incluso reduzca las conversaciones largas e irrelevantes. Pero antes de cortar el diálogo, pregúntale primero al director.
En general, mi enfoque es editar la versión exacta desde cero en lugar de cortar la película larga en algo más corto. La capacidad de atención de la mayoría de los espectadores suele durar menos de 90 minutos, la duración promedio de una película.
Si la película dura aproximadamente 100 minutos después del corte inicial, entonces básicamente necesitas continuar editando hasta 90 minutos para hacer la película más compacta. Pero si la película se corta a dos horas o más desde el principio, será necesaria una "operación importante".
2. Recoge algo de música cuando tengas tiempo.
A muchos editores les gusta editar películas con música de fondo temporal y utilizar la música temporal como marcador de posición. Aquí ofrezco dos argumentos en contra de este enfoque.
En primer lugar, una vez que a la gente le gusta la música temporal, es difícil encontrar música adecuada que le haga sentir bien.
La música improvisada se ha convertido en tu "pilar espiritual".
Eres más tolerante con escenas aburridas con música interesante. Al editar, prefiero cortar las escenas poderosas de la película en el lugar correcto y presentarlas perfectamente. Si hay una escena que te hace ponerte de pie, esa es la guinda del pastel. Pero la ambientación musical del montaje es una excepción. Así puedo hacerlo mejor al editar.
3. No utilices la sincronización de voz.
La serie original del Abierto de Francia utilizó segmentos de diálogo específicos: el sonido y las imágenes estaban completamente sincronizados, sin superposición. Los métodos más utilizados son: cortar a la imagen A - completar la conversación con A - cortar con la imagen B - completar la conversación - volver a cortar a la imagen A, etc.
El maestro del corte Walter Murch llamó a este método de corte "corte de estilo online". Pero, de hecho, el público responderá mejor a situaciones en las que el sonido y la imagen no se superponen. Este método de edición de separación audiovisual se llama splitdits, cortes en L o cortes en J.
Creo que este método de edición se acerca más a la vida real. Escuche a los demás primero y luego mire hacia arriba. Si alguien está hablando, podemos observar la reacción de nuestro amigo. Este método de edición se acerca más a las reacciones naturales de las personas y puede hacer que la película sea más fluida.
4. No te fíes de técnicas para hacer transiciones, deja que las imágenes coincidan de forma natural.
Utilizar los movimientos, el atrezzo, los ojos o las posiciones de los actores es un método en el ámbito del montaje.
Pero Walt Murchie dijo que la mejor manera es dejar que las emociones se revelen naturalmente, o cortar el suave ritmo narrativo, y la edición técnica es la última consideración. Pero no hay que ignorarlo, porque los movimientos descoordinados dificultan que el público entre en el drama.
Pero un amigo que es editor de vídeo me decía a menudo: "La coincidencia excesiva limitará la edición del vídeo". . El deber del bromista es involucrar al máximo al público en la trama.
5. Los planos de acción crean tensión.
Los planos de acción son el principal método de rodaje de las películas de acción. Puede ser una cámara de seguimiento, una cámara con brazo, una cámara fija o una cámara de mano. Las películas de acción suelen tener una atmósfera tensa.
Cuando edito una película, me gusta editar cuando la cámara se está moviendo, para asegurarme de que la cámara se mueva uno por uno, pero muchos directores no lo creen así.
Prefieren editar antes de que la cámara se mueva, o antes o después de que la cámara se mueva. Pero prefiero cortes ajustados que deslumbren al público.
6. Edición mixta de múltiples perspectivas y escenas.
Si el director filma muchas tomas desde diferentes ángulos, no cortes siempre mecánicamente al mismo ángulo ni vuelvas a leer el mismo tipo de toma que acabas de usar.
Es cierto que sólo hay dos ángulos para una escena de diálogo, por lo que la edición repetida es inevitable. Pero si el director quiere filmar diferentes fotogramas según las diferentes necesidades, también podría expresar la intención del director mediante la edición.
No está restringido por reglas de edición, como lente principal/lente única/disparo inverso, cerca/lejos/cerca...etc. Pero trate de salir adelante.
7. Presta atención al montaje de los ojos de los actores.
Desde la televisión, el cine hasta el teatro, los actores confían en sus rostros para llamar la atención, pero lo más importante son sus ojos. Presto atención a los ojos de los actores cuando edito diálogos intensos.
¿Transmiten las emociones adecuadas? ¿Cómo reaccionan los actores ante el drama? La actuación del actor determina mi actuación. Este principio me permitió centrarme más en el diálogo con los actores principales e ignorar las reacciones de los demás.
8. Mantenga el "aire" fuera de la actuación del actor.
Similar al primer punto: me gustan las piezas pequeñas. Cabe señalar que la mayoría de las actuaciones de los actores son más de lo que deberían ser. El intérprete enfatizará las pausas, agregará más errores, tartamudeará más y mirará más tiempo que el guión, pero la responsabilidad del editor es hacer que la interpretación vuelva a la normalidad mediante una edición adecuada.
Elimina acciones y diálogos extensos para que la película sea auténtica y no artificial.
9. Forma una historia
Algunas personas dicen que hay tres tipos de películas en el mundo: tipo guión, tipo rodaje y tipo edición. No importa qué tipo de película edites, presta mucha atención al contexto de la historia y no temas cambiar el guión o el contenido de la toma, siempre que tenga sentido.
Muchos editores utilizan guiones gráficos para registrar y presentar historias visualmente. Le ayuda a decidir cuál es la lógica más fluida para presentar su historia a su audiencia.
10. La tarea del director es ordenar la historia según el ritmo de la película.
El primero es ayudar al director a conseguir efectos visuales creativos. Pero también debes tener tus propias ideas.
La mayoría de los sastres hacen solos el corte inicial. Esta es tu primera oportunidad de ponerle una etiqueta personal a una película. Una vez completada la edición preliminar, el director trabajará con el editor para cambiar la edición a la versión que el director desee.
Las elecciones que hagas al editar y cambiar la actuación de un actor afectarán la experiencia que el público tendrá de la película. Por ejemplo, eliminar partes repetitivas del diálogo puede hacer que la escena sea más tensa. Envía un mensaje que ni siquiera los esfuerzos editoriales pueden ignorar.
Los editores pueden cambiar fácilmente el estado de ánimo que transmite una escena, por lo que cualquier decisión debe estar subordinada a la trama. Por supuesto, puede realizar dichas modificaciones si tiene un motivo válido y cuenta con la aprobación de su supervisor y, si no está de acuerdo, proponer una alternativa.
11. Me gusta revisar mis planos antes de elegir la mejor escena.
Al principio, el director puede considerar el tercer y cuarto plano como campo de tiro. Probablemente usaría primero el primer disparo y luego la segunda mitad del cuarto disparo. A menudo corto escenas que contienen muy pocos planos mientras repito el diálogo de los actores. Cuando explicas por qué estás haciendo esta pieza, también debes estar preparado para cambiarla.
La mayoría de los directores no revisarán cada toma durante la posproducción. Harán cambios en función de la actuación que hayas editado, independientemente de si aprecias la actuación del actor o no. Si realmente les gusta la interpretación de un actor de otra manera, propondrán cambios en el plano o buscarán partes adecuadas del plano. Cuanto más vívida sea la escena y más convincente la interpretación, más receptivo será el director a su técnica.
Te entiendes perfectamente